jueves, 30 de septiembre de 2010

CINE TERROR: LOS NIÑOS

TÍTULO ORIGINAL: The Children
AÑO: 2008
DURACIÓN: 84 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS: Inglaterra
DIRECTOR: Tom Shankland
GUIÓN: Tom Shankland (Historia: Paul Andrew Williams)
MÚSICA: Stephen Hilton
FOTOGRAFÍA: Nanu Segal
REPARTO : Eva Birthistle, Freddie Boath, Raffiella Brooks, Stephen Campbell Moore, Jake Hathaway, William Howes, Eva Sayer, Jeremy Sheffield, Rachel Shelley, Hannah Tointon
PRODUCTORA: Vertigo Films / Screen West Midlands
WEB OFICIAL: http://www.thechildrenmovie.com/
GÉNERO: Terror

"Tu los trajiste al mundo, ahora ellos pueden sacarte de él"

 
Sin duda alguna uno de los aspectos más perturbadores que pueden ser presentados en el cine, es el terror provocado a través de la figura de los infantes, representación que en un contexto políticamente correcto seria el de la inocencia y la ternura. Sin embargo también es bien sabido que estos pequeños seres por estar en plena formación (hablando de niños de 10 años o menos) tienen todavía un sentido de la moral bastante confuso, por lo que diferenciar entre el bien y mal no es muy claro.

Motivo para que el director Tom Shankland tome este cuestionamiento ético y desarrolle una interesante cinta de terror en la cual el espectador es constantemente confrontado de manera cruda con la única  interrogante, ¿sería usted capaz de matar a su hijo (a)? Tal vez esta pregunta se pueda percibir algo provocadora y ofensiva, incluso por tratarse de niños de entre 6 y 10 años, pero que conforme uno comienza a visionar el film, la respuesta del presente al cuestionamiento hecho en el párrafo anterior podría irse transformado y lo mejor (su se puede decir) es que la historia va dejando un sabor de boca incómodo y perturbador.

La historia comienza cuando Elaine (Eva Birthistle) y su esposo Jonah (Stephen Campbell Moore) van con sus hijos, Casey (Hannah Tointon) la hermana mayor de aproximadamente 20 años, el pequeño Paulie (Williams Howes) y Miranda (Eva Sayer), los cuales se dirigen a una casa a las afueras de un poblado londinense a visitar a la hermana de Elaine, en plena noche buena para festejar las festividades.

Cuando llegan al sitio son recibidos por Chloe (Rachel Séller) y su esposo Robbie (Jeremy Sheffield) quienes gustosos acogen a sus invitados, asi la noche pasa sin contratiempos, los niños van a dormir con sus primos, otros críos (hijos de Chloe y Robbie) Nikki (Jake Hathaway) y Leah (Raffiellla Brooks) mientras sus padres se quedan un poco más tarde para seguir la fiesta.

Por tal motivo Miranda comienza a notar un comportamiento extraño con su pequeño hermano Paulie y sus primos Nikki y Lea, pues estos parecen estar un tanto agresivos, asi como más berrinchudos. Empero y aunque las madres de estos notan este comportamiento no hacen mucho caso pues consideran que es normal por la edad de estos.

Sin embargo las cosas cambiarán cuando Elaine y su hermana atestigüen un supuesto accidente donde perece  Robbie a manos de sus pequeños hijos (de manera bastante dolorosa por cierto pues se abre la cabeza), ya que cuando este de encuentra jugando en la nieve con estos, los querubines arman todo un plan para eliminar a su padre. Incluso la única que comienza a sospechar que los niños hacen las cosas de manera artera es Casey, pero como esta no se lleva muy bien con sus padres por tener problemas de actitud, pues difícilmente le creen.

Lo que sigue después es presenciar como los niños ya poseídos por una extraña fuerza comienzan a eliminar a los adultos (usando armas blancas y demás utensilios punzo cortantes), los cuales al no creer lo que estan viendo (pues son sus hijos) difícilmente se defienden de los arteros ataques pereciendo ante estos. Solo Elaine y Casey al final son capaces de enfrentar a esta amenaza y con todo el dolor de su corazón tendrán que acabar con ellos (la escena donde Elaine avienta a su  pequeño Paulie contra un cristal y este le atraviesa el pecho es dolorosa y cruda).
 
Con este argumento el director inglés nos entrega un espeluznante relato en donde el verdadero terror radica en las decisiones éticas y morales que toman los adultos para con sus vástagos, pero que a final de cuentas estos son el fiel reflejo de ellos, es como enfrentar nuestra verdadera parte oscura de la naturaleza humana, o peor aun pudiera considerarse como una especie de rebelión de estos seres ante la incapacidad del hombre para relacionarse con estos (¿cuantas noticias no escuchamos acerca de maltrato infantil a diario en los noticieros?), en fin las lecturas pueden ser muchas pero sin duda aterradoras.

Asi mismo y aunque la premisa no es nada nueva (pues títulos que incluyen a los niños como amenaza ante la humanidad existen varios como, la genial El Pueblo de los Malditos de John Carpenter, 1995 o ¿Quién puede matar a un niño? de Narciso Ibáñez Serrador, 1976) esta si cuenta con un buen manejo de suspense, asi como una buena aplicación de gore para escenas muy puntuales, lo que hacen de esta cinta una interesante propuesta, ya que a su vez esta evita caer en el susto facilón y apuesta más por la buena narrativa.

Por otra parte se agradece que el director no alargue demás el relato, por lo que se aprovechan sus ajustados 84 minutos para contar lo que se tiene que contar y asi el espectador no pierda el interés de lo que esta viendo. Asi mismo el casting seleccionado esta correctísimo por lo que la cinta sobrepasa la calidad de cualquier cinta salida directa a video, sin embargo hay que destacar la interpretación que realizan los niños, ya que estos incluso solo con sus miradas logran perturbar al espectador (además que estos muestras gran sadismos en los asesinatos)

Por lo demás la cinta está correcta a nivel visual ya que goza de una eficaz puesta en escena, buena fotografía y varios elementos que hacen de esta un producto solvente del género, de hecho a un servidor le ha gustado ya que encuentra atractivos los relatos perturbadores. Asi que puedo recomendar Los Niños para todos aquellos que quieran pasar un mal rato frente al televisor, eso si, si usted tiene hijos pequeños les aseguro que después de visionar la cinta los comenzara a ver con otros ojos, jajajaja.

lunes, 27 de septiembre de 2010

CINE DE CULTO: ILSA, LA LOBA NAZI

TÍTULO ORIGINAL: Ilsa, She Wolf of the SS
AÑO: 1975
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: Don Edmonds
GUIÓN: Jonah Royston, John C.W. Saxton
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Glenn Roland
REPARTO : Dyanne Thorne, Gregory Knoph, Tony Mumolo, Maria Marx, Jo Jo Devile, George 'Buck' Flower, Rodina Keeler
PRODUCTORA: Coproducción USA-Alemania
GÉNERO: Terror. Thriller. Drama. Serie B



"Un hombre que se acuesta conmigo, jamás se vuelve a acostar con ninguna mujer"

-Ilsa

Durante años sabía de la existencia de esta cinta, diversos aspectos hacían que ansiara ver dicho titulo (Dyanne Thorne en pelotas era uno de ellos, jajajaja) pero también por el hecho que tratándose de un subgénero que raya entre el explotation y el sofporn, este también contiene rasgos un tanto artísticos (si se le puede decir, ya que hablamos de una serie b, jajaja). Esto lo comento por que, primeramente ver una película porno cumple la satisfacción primordial de la excitación, ahorcar el ganso y listo.

Sin embargo, tratándose de una cinta 100 % grindhouse (por su muy bajísimo presupuesto y el gusto por el gore) esta cuenta con elementos jocosos que hacen de este cinta una experiencia sensorial un tanto bizarra, por lo que aclaro, hay que tener cierto gustillo por lo cutre, puesto que la cinta de Don Edmonds aunque se deja ver, en ocasiones se va un poco al traste cuando intenta ponerse en un contexto bastante serio (cuando aborda las atrocidades cometidas por los nazis se percibe un tanto grandilocuente) cosa que uno no se traga ni por un momento, ya que después de ver tantos senos y desnudos femeninos gratuitos nos viene a importar un carajo lo que hagan o dejen de hacer los alemanes.


La cinta comienza con nuestra potente protagonista, Ilsa (Dyanne Thorne), en pleno encuentro sexual con un hombre al cual le pide que la lleve al éxtasis, empero y terminado el acto la mujer le manda hablar a sus hermosas y buenonas guardianas para que se deshagan del fulano. Este aterrorizado y sin saber el por que, es llevado a un cuarto secreto donde se experimenta con los prisioneros de guerra, instantes después la propia Ilsa, ya ataviada con su traje de la milicia va y le corta las bolas al desdichado hombre (¡se los juro!, lo castra) con la única explicación de que este no pudo satisfacer su apetito sexual, jajajaja.
 
Tiempo después descubrimos que Ilsa (Thorne) es comandante de este campamento, en donde ella y  un doctor se encargan de realizar varios experimentos con los prisioneros de dicho sitio, estos son ejecutados en su mayoría a las mujeres que son capturadas, todo con el fin de demostrar la teoría de que el sexo femenino es más resistente al dolor (las vejaciones a las que las damas son sometidas son realmente crueles, puesto que van desde la aplicación de shocks eléctricos en la vagina hasta la mutilación de extremidades a los cuerpos femeninos de las víctimas), descubrimiento que podría resultar bastante beneficioso para el III Reich, según análisis de la propia comandante.
 
Por otra parte, al campamento han llegado otro grupo de prisioneros (masculinos) a los cuales la mandamás se encarga de inspeccionar para saber que trabajos les va asignar (claro también les revisa el paqueta para ver que tan dotados estan y si alguno le sirve para saciar sus bajos instintos, jajaja), por lo que conoce a Wolfe (Gregory Knoph) uno de los prisioneros de ascendencia alemana, pero de nacionalidad estadounidense, al cual le hecha el ojo para probarlo en la cama y de paso si no llena sus expectativas mandarlo castrar, asi de malvada es Ilsa.


Y asi sucede, la Comandante hace que lleven al hombre a su lecho de lujuria, sin embargo esta se lleva una sorpresa, Wolfe (Knoph) tiene una particularidad, puede controlar su eyaculación, motivo por el cual dura horas y horas follando a la insaciable rubia sin venirse, lo que provoca la fascinación de la mujer por este hombre, ya que ¡por fin encontró a un hombre que la saciara!


Sin embargo lo que no sabe Ilsa es que Wolfe esta  planeando un motín y se ha puesto de acuerdo con las mujeres a las que  la mujer se ha encargado de torturar en nombre de la ciencia. Como se puede inferir, pues la narrativa no es muy original, Wolfe logra ganarse la confianza de Ilsa a base de acostones, para que  al final de la cinta la mencionada fuga se realice, por lo que podremos presenciar un jocoso y a su vez grotesco espectáculo de gore (ya que las laceradas prisioneras tomaran venganza por propia mano, haciéndole a sus captores lo mismo que ellos les hicieron) el cual es de agradecer.

Ahora bien y dejando claro lo que el espectador va a presenciar, puedo decir que en términos generales la cinta es algo confusa e inclasificable (de hecho me dejo un poco confundido al visionarla) ya que como comento el film en la mayoria de su metraje es 100 % sexplotation, motivo por el cual veremos deambular infinidad de mujeres desnudas o enseñando los senos, en otros momentos la cinta raya en el torturporn (con desagradables escenas donde el gore se hace presente) y en otros instantes el director se quiere apostar por un discurso serio, algo que a final de cuentas no llega a cuajar.

Asi mismo la puesta en escena y el montaje es bastante pobre (aunque se resuelven bien las situaciones con la única locación) motivo también para que la estética del film se perciba sucia y descuidada.


Por otra parte las interpretaciones estan cutrecillas (la mayoria de las mujeres no dicen grandes diálogos y solo muestran su cuerpo desnudo ¿qué más se puede esperar? Jajajaja), sin embargo sobresale la exuberante Dyanne Thorne en un papel hecho a la medida, ya que incluso se puede percibir que la ex modelo se entrega en cuerpo y alma aun cuando ya contaba con 43 años, asi mismo cabe mencionar que su interpretación también es algo exagerada, aunque  no desentona del conjunto.



¿La dirección? Pues esta normalita, aunque en algunos segmentos de la cinta esta se percibe un tanto pesada, tal vez por que no hay mucho que contar y se alarga un poco el relato, sin embargo la cinta despunta cuando se dedica a mostrar las extravagancias y excesos que realiza su protagonista (la escena donde Ilsa le hace una lluvia dorada a un general, es perversa, erótica y  a su vez patética).


¿Entonces, Ilsa, La loba Nazi es un bodrio cinematográfico? Pues no lo se, lo que si se es que este filme tiene su encanto, además que  cubre ciertas necesidades hacia el sexo masculino ya que realiza la fantasía de muchos (ver mujeres desnudas en pleno Holocausto, jajaja), aunque el verdadero mensaje de la cinta es 100 % feminista, ya que cuando uno se encuentra visionando dicho título se podrá dar cuenta que aquí los hombres no valen nada, jajaja.


Pelicula solo recomendada para los amantes del grindhouse y para el que quiera descubrir los verdaderos origenes de este movimiento, del cual por ejemplo Quentin Tarantino y Robert Rodríguez han traído de vuelta.

miércoles, 22 de septiembre de 2010

CINE DE CULTO: LA NOCHE DE LOS MUERTOS VIVIENTES

TÍTULO ORIGINAL: Night of the Living Dead
AÑO: 1968
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: George A. Romero
GUIÓN: John A. Russo & George A. Romero
MÚSICA: Scott Vladimir Licina
FOTOGRAFÍA: George A. Romero (B&W)
REPARTO: Judith O'Dea, Duane Jones, Marilyn Eastman, Karl Hardman, Judith Ridley, Keith Wayne, Kyra Schon, Russell Streiner, S. William Hinzman, George Kosana, George A. Romero PRODUCTORA: Image Ten / Laurel Group / Market Square Productions / Off Color Films
GÉNERO: Terror. Ciencia ficción.


Con el reciente estreno de Resident Evil 4 (Paul W. Anderson, 2010) cinta que por supuesto quiero ver, decidí darle otra revisada a la mítica cinta que convirtió a George A.Romero en el padre moderno de esos seres tan interesantes y enigmaticos, los zombies. Y aunque la cinta de Anderson no entra estrictamente en el subgénero de zombies (a veces siento una patada en las bolas cuando presencio las escenas en bullet time) si debo decir que el verdadero aliciente que me mueve a ver dicho titulo es sin lugar a dudas poder ver a las guapas de Milla Jovovich y Ali Larter partiendo cráneos, jajaja.

Pero pasando a la mencionada La Noche de los Muertos Vivientes, puedo comentar que esta es realmente una obra maestra, primero por su sencillez plástica, ya que por motivos de dinero Romero la tuvo que rodar en blanco y negro, sin embargo esto en vez de lastrar el resultado convierte el relato en un viaje casi onírico. Y segundo, el guión parece bastante simple, pero encierra constantes reflexiones ideológicas que le dan un plus a esta excelente cinta de terror.

Por tal motivo la cinta comienza de manera soberbia cuando Bárbara (Judith O´Dea) y su hermano van a visitar a su madre difunta en un apartado cementerio en las afueras de la ciudad de Pittsburg. En primera instancia el hermano solo se la pasa quejándose del por que su madre, en vida tuvo que escoger un lugar tan lejos para ser enterrada, a lo que Bárbara le responde que se deje de tonterías, momentos después estos bajan del auto y se postran frente a la tumba. De repente podemos avistar en un segundo plano como una extraña figura humana se acerca a estos dos.

Repentinamente otro ser sale por atrás de la mujer y comienza a atacarla, su hermano emerge para defenderla, pero es abatido por este extraño ser, el cual parece estar en transe y sin motivo aparente comienza a devorar al desdichado hombre, Bárbara aterrorizada corre al auto para tratar de escapar, pero al ingresar a este se da cuenta que las llaves se han quedado en el cuerpo de su hermano, mientras es acechada por ambriento zombie.

Sin embargo la chica logra escapar y llega a una casa en medio de la nada, ahí impresionada por lo ocurrido y en shock descubre un cadáver. Momentos después es atacada por otro ser, pero a este si logra despachárselo, asestándole con varios golpes en la cabeza. Bárbara (O´Dea) se queda varios minutos sin moverse, instantes después un hombre llamado Ben (Duane Jones) irrumpe en la casa, este también se encuentra huyendo de la extraña amenaza (pues un gran sector de la población sin razón aparente a entrado en este estado de trance y lo que es peor es que su única motivación es la de comer carne humana).

Desde ese preciso momento Ben y Bárbara deciden situarse en el lugar, pues no cuentan con los medios para escapar (la camioneta en la que llego el hombre no cuenta con gasolina) y lo peor es que un gran grupo de estos muertos vivientes comienzan a rodear la casa. Por tal motivo estos dos comienzan a trabar puertas y ventanas para protegerse, para después descubrir que había más habitantes dentro de la casa, los cuales estaban ocultos en el sótano pero con el ruido deciden salir, en ese momento conocemos a Harry (Karl Aardman) un tipo detestable que esta con su esposa Helen (Marilyn Eastman) y su hija Karen (Kyra Schon) la cual se encuentra enferma, pues fue mordida por uno de los zombies.

Y por último una joven pareja conformada por Tom (Keith Wayne) y su novia Judy (Judith Ridley), el primero sobrino de un tipo que habitaba la casa y que por cierto pereció ante la amenaza. En este punto de la trama es donde surge el verdadero terror, el cual se produce a través de la interacción de los diversos personajes, puesto que por una parte Ben (Jones) que un principio busca organizar a todos los individuos para trabajar en equipo y mantenerse a salvo, comienza a tener rencillas con Harry (Ardman) quien solo busca su bienestar propio, por lo que no coopera en las labores e incluso arremete contra quien no este de acuerdo con el.

Asi mismo y mientras los ocupantes de la casa pelean entre si, también podemos ir percibiendo como la locura, la rivalidad, la estupidez (la escena donde los chicos mueren tratando de cargar gasolina es genial y a su vez aterradora) y el miedo se apoderan de estos, mientras los muertos vivientes van aumentando en número con el único fin de ingresar a la casa, otivo por el cual el desenlace solo podrá ser fatal.

Como comentaba casi a un inicio, el verdadero terror y por ende genialidad de la cinta, radica en el retrato social y psicológico que Romero hace de una sociedad norteamericana en decadencia, ya que a través de sus personajes (los cuales son personas comunes y corrientes) nos brinda un efectivo discurso sobre la tolerancia, la paranoia y demás aspectos que afectaban a la sociedad estadounidense en esos momentos, la cual se veía envuelta en la guerra de Vietnam.

Asi mismo las oscuras figuras que representan la amenaza no son más que un simbolismo, casi como un espejo en el cual se ven reflejado de manera brutal la indiscutible condición humana. Basta con presenciar el clímax final y ese espeluznante final (que aun hoy en día a un servidor le causa escalofríos), para constatar que las intenciones de su director no eran las de realizar un film de terror común y corriente, no por nada la cinta en su momento fue un fenómeno a nivel cinematográfico y social, ya que este cuenta con varios detalles que refuerzan el discurso, como es el caso del personaje del hombre que da las noticias en la tele (segmento que goza de bastante humor negro) o cuando constatamos ya casi al final, que la fuerza pública como la policia o el ejército han encontrado la forma de aniquilar a los muertos vivientes (destrozandoles el cerebro), algunos usan a estos como medio de diversión.

Por otra parte, un gran acierto es sin duda la capacidad del director para crear atmósferas opresivas (la fotografía es soberbia) asi como un buen manejo de tensión durante todo el film, todo gracias a un diseño de personajes creíbles, puesto que sus motivaciones no son nada descabelladas (solo quieren sobrevivir), incluso podría aterrarnos el llegar a identificarnos con algunos de los protagonistas.

Ahora bien, el diseño de los zombies (adjetivo que en realidad nunca es usado en la cinta) aunque no es tan elaborado (por el poco presupuesto) si logra perturbar al espectador gracias a la aplicación de un solvente maquillaje y su caracterización (ya que aunque caminen lento si te descuidas ya te cargo el payaso), además que se usa una buena iluminación. Es por eso que a más de cuarenta años del nacimiento del género de zombies moderno (ya que cintas de muertos vivientes existían mucho antes) pues Romero inserta nuevos elementos que hacen más atractivo el género, como lo es la inexplicable causa que convierte a la gente en entes ávidos de carne humana o más importante aún, el trasfondo ideológico de la historia, los cuales hacen de este film un título de revisión obligada para cualquier amante del género de terror y mejor aún de la cinematografía en general.

Por cierto Tom Savini realizó un remake de esta cinta en 1990, producida por el propio George A. Romero, dando como resultado una solvente cinta del género.

martes, 14 de septiembre de 2010

CINE DE CULTO: EL JUEGO

TÍTULO ORIGINAL: The Game
AÑO: 1997
DURACIÓN: 128 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: John Brancato & Michael Ferris
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Harris Savides
REPARTO: Michael Douglas, Sean Penn, James Rebhorn, Deborah Kara Unger, Peter Donat, Carroll Baker, Armin Mueller-Stahl, Spike Jonze
PRODUCTORA: Polygram Filmed Entertainment / Propaganda Films
GÉNERO: Intriga


El Juego significa el tercer trabajo de David Fincher como realizador y es probablemente el menos conocido (incluso se edito hace poco en formato dvd, al menos aqui en México), de hecho recuerdo que era un título algo socorrido cuando un servidor trabajaba en un videoclub (Blockbuster), empleo que me dio muchas satisfacciones a nivel personal y profesional cuando era estudiambre (jajaja) ya que gracias a esto tuve acceso a numerosos títulos que cualquier cinéfilo desearía revisar, aunque esto significara una explotación económica por parte de este corporativo para su servilleta (jajaja), pero que le vamos a hacer no se puede tener todo en la vida.

Pero bueno pasando al tema que nos ocupa, El Juego nos sumerge en ese universo sórdido y asfixiante que tanto gusta a su director y que se refleja a nivel psicológico a través de sus personajes, como sucediera en su obra anterior Seven (1995), empero el director trata de darle un giro diferente a este film, por lo que no encontraremos asesinos seriales, ni sadismo (al menos a nivel visual) pero hallaremos de nuevo retratada la locura, el miedo y demás aspectos que tanto intrigan al realizador norteamericano.

Nicholas Van Orton (Michael Douglas) es un tipo rígido a nivel personal ¿el motivo? En sus manos tiene un gigantesco emporio del cual dependen miles de familias, ya que es un alto ejecutivo que trabaja en la bolsa de valores, este sujeto basa su filosofía de vida en ganancias económicas por lo que su esposa lo mando al carajo (pues no interactuaba con ella). Asi mismo, Van Orton es bastante frío en lo que respecta a las relaciones interpersonales (o sea que trata como caca a sus subordinados, jajaja), en pocas palabras es un sujeto que no quisiéramos ni de jefe y mucho menos de amigo, pues lo consideraríamos un ojete, asi de simple. Por tal motivo Nicholas esta acostumbrado a tener el control total de las situaciones de su vida, el es el mandamás y se hace lo que el diga.

¿Pero que pasaría si un día el hermano (Sean Penn) menor de Nicholas le hiciera un regalo para celebrar su cumpleaños? no un regalo cualquiera, si no uno que provoque un vuelco radical en su vida. Eso es lo que iremos descubriendo conforme avance este inquietante thriller, pues el preciado presente que hace Conrad (Penn) a Nicholas es una especie de membresía de un misterioso club donde solo algunos sujetos pueden acceder y que tiene como particularidad primordial satisfacer las necesidades del sujeto que contrata sus servicios, ¿y si no hay nada que le falte al cliente, que le puede ofrecer esta? Pues algo se les ocurrirá para que este viva una experiencia inolvidable.

Y es que el supuesto juego reta al sujeto dependiendo de sus características psicológicas, tanto físicas, esto lo podemos ver cuando Nicholas (Douglas) casi sin mucho interés se presenta en el corporativo para saciar un poco su curiosidad ante la membresía que le obsequiaron, desde ese momento comienza el reto para el protagonista ya que la chica que esta en la recepción no lo atiende de inmediato como el esta acostumbrado, acto seguido cuando por fin le hacen caso el hombre es sometido a varias pruebas físicas y psicométricas, exámenes que por cierto duran varias horas, para que al final firme una especie de contrato y le digan que la empresa se pondrá en contacto con él para avisarle cuando comenzará el juego.

Por tal motivo y como Van Orton esta acostumbrado a tener lo que quiere, cuando le avisan que no ha sido aceptado en el club, éste se encabrona y va a preguntar la razón para su rechazo, pero lo que no sabe Nicholas es que este acontecimiento significa el comienzo de este perverso juego, razón por la que el hombre tendrá que sortear las diversas pruebas que se le van presentando, las cuales llegan a poner su vida en peligro.

Y no les contaré más ya que sería destripar la trama, pero lo que si les puedo contar es que la estructura del guión es bastante efectiva, puesto que desde su arranque este hace que el espectador quede atrapado, ya que se nos van desvelando varias pistas a cuenta gotas, utilizando un ritmo bastante pausado (pero sin ser aburrido) además que uno conforme progresa el film va realiza su propio juego mental para descubrir que o quien esta detrás de esto, y lo más interesante tratar de descubrir la verdadera tesis de la cinta (la cual al final a algunos podría defraudar, aunque a un servidor le pareció una buena puntada, jajaja).

Asi mismo otro de los atributos del guión son sus situaciones, asi como la gama de personajes que van apareciendo, como el que interpreta la buenona de Deborah Kara Unger (quien no la recuerda en Crash, Cronenberg 1996) que sin lugar a dudas afecta en las motivaciones y decisiones del protagónico, empero debo comentar que algunas de estas son algo tramposillas e inverosímiles (como la secuencia del taxi donde Michael Douglas casi la tiene que hacer de James Bond para escapar de la mortal trampa). Sin embargo estos aspectos no molestan ya que la correcta dirección de Fincher mantiene la cinta con un tono sombrío y serio, aunque por momentos percibimos algunos rasgos de humor negro que se agradecen.

Por otra parte y como ya es costumbre en el director norteamericano, este vuelve a desarrollar un imponente ambiente visual (como lo hiciera desde Alien 3), pues vuelve a sumergirnos en un ambiente mal sano, con atmósferas opresivas y pesadas, pero que como comentaba casi al inicio estos reflejan el estado mental de los personajes. Y por último Fincher logra una calidad plástica gracias a su particular forma de mover la cámara.

En lo referente a los actores, me ha gustado (disculpen casi nunca uso este termino) la sobria interpretación del señor Douglas como pétreo empresario al cual le han desestructurado su cómoda vida, ya que el actor lleva por buen rumbo su personaje y logra matizarlo de emociones (tampoco es que se vuelva la madre teresa, jajaja) a cada paso que da. Por último, Sean Penn esta correcto con el pequeño papel que le asignaron, y la hermosa Deborah logra una buena química con Michael Douglas.

Asi que en términos generales El Juego es una buena cinta de suspenso, probablemente no sea muy original pero el buen quehacer de su director convierten a esta en un producto entretenido (algo que en la actualidad en ocasiones no obtenemos en el cine llamado comercial). Asi mismo, en la opinión muy particular del que esto escribe, esta cinta contiene elementos que el realizador puliría en su siguiente obra (como lo es la diferenciación de la realidad y la ficción), El club de la Pelea (1999) una de las cintas más influyentes de los 90´s.

lunes, 13 de septiembre de 2010

CINE DE CULTO: BAJO LA TUMBA

TÍTULO ORIGINAL: Shallow Grave
AÑO: 1994
DURACIÓN: 91 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS: Inglaterra
DIRECTOR: Danny Boyle
GUIÓN: John Hodge
MÚSICA: Simon Boswell
FOTOGRAFÍA: Brian Tufano
REPARTO: Ewan McGregor, Kerry Fox, Christopher Eccleston, Peter Mullan, Ken Stott, Keith Allen, Colin McCredie
PRODUCTORA: MGM
PREMIOS: 1994: San Sebastián: Concha de Plata al Mejor Director
GÉNERO: Comedia. Intriga Comedia negra


Dejando de lado a las “princesitas” de los universos acaramelados es tiempo de retomar el rumbo, y que mejor que revisar la primera cinta del muchas veces infravalorado director Danny Boyle (aunque se le haya reconocido con un Oscar por su obra más comercial este hombre tiene en su haber cintas más personales), el cual ha demostrado proyecto a proyecto que es un tipo inteligente, multifacético y fiel a asi mismo. Aun recuerdo que cuando estaba en la preparatoria, una película rolaba entre la banda que le gustaba el cine, esta trataba de un grupo de yonkis adictos a la heroína que estaban en un viaje existencial, claro que el título al que hago referencia es la obra de culto llamada Trainspotting (1996) y que significó que el mundo entero pusiera los ojos en el director inglés.

Sin embargo antes de la mencionada Trainspotting, Boyle debutaría en el mundo cinematográfico con una excelente opera prima llamada Bajo la Tumba, filme en el cual se puede percibir ya algunos toques plásticos y narrativos que harían que sus siguientes filmes tuvieran un estilo propio.

La historia va de tres chicos, Juliet (Kerry Fox), David (Christopher Eccleston) y Alex (Ewan McGregor) quienes cuentan con un departamento bastante grande en el centro de la ciudad de Londres, razón por la que deciden buscar otro inquilino para compartir los gastos del mismo.

De hecho la cinta comienza mostrándonos (casi a manera de video clip) como estos sujetos se entrevistan con varios candidatos a ocupar el lugar, gente tan distinta como nerds, punketos o puritanas, a los cuales no tienen la verdadera intención de rentarles el lugar, pero que sin lugar a dudas sirven como divertimento a los chicos, ya que estos les hacen preguntas incómodas o estúpidas a los interesados solo para ver como reaccionan.

Sin embargo cierto día un sujeto concertó una cita con Juliet (Fox) para ocupar el cuarto que esta libre, este hombre se presentó como un escritor, motivo por el cual a la chica le parece interesante y accede a rentar el lugar, por lo que aprovecha la cena para presentar a su nuevo inquilino a sus dos compañeros. Como es habitual en Alex (McGregor) este comienza a interrogar con un ácido humor negro al hombre, pero este lo para en seco sacando un fajo de billetes, acto seguido el propio Alex y David (Eccleston) quien es más reservado, se quedan perplejos.

Después de este evento todos van a dormir, al día siguiente Juliet despierta y se prepara para ir a trabajar, David hace lo propio y por último Alex se incorpora, empero el nuevo vecino no ha hecho ni un solo ruido, esto comienza a inquietar al trío de amigos por lo que tocan a su puerta y este no responde. Es por eso que deciden abrir la puerta del cuarto y ¡oh sorpresa! descubren que su nuevo ocupante esta muerto a si sin más. En un principio los jóvenes se quedan perplejos, pero Alex comienza a hurgar en las pertenencias del difunto por lo que Juliet y David le comentan a este que deje de hacer lo que esta haciendo y que mejor avisen a la policía de lo ocurrido.

Sin embargo Alex encuentra una maleta, la cual contiene mucho dinero y cuando este les muestra el contenido a sus compañeros, todos comienzan a cuestionarse quien era verdaderamente el sujeto al que alquilaron el cuarto, ¿a que se dedicaba?, pero sobre todo y lo más importante ¿qué iban a hacer con el dinero y con el cuerpo? ya que este hallazgo era muy tentador.

Es con esta premisa que el siempre solvente Danny Boyle, nos presenta un interesante puzzle con algunos toques a lo Hitchcock (al menos a un servidor le recordó un poco a La Soga, donde se trata de comprobar la tesis de que el crimen perfecto existe, además de que la mayor parte de la trama se desarrolla dentro del departamento) ya que a través de los tres personajes principales se plasman y se exploran los conflictos éticos y morales que irán invadiendo a estos, ya que conforme traten de ocultar el oscuro secreto que comparten, también verán como su preciada amistad se irá destruyendo a pedazos.

Y es que el evento más perturbador que hará que estos inseparables amigos se distancien, será cuando deciden desaparecer el cuerpo, al cual primero tendrán que descuartizar y posteriormente enterrar en las afueras de la ciudad. Pero como si de un juego macabro se tratara, Alex (McGregor) sugiere que se deje a la suerte y quien saque la varilla más corta hará el trabajo sucio, por lo que el elegido cargará en su conciencia con el horrible evento. Cabe hacer mención que los personajes van transformándose conforme avanza la torcida trama (la cual goza de un negrísimo humor negro), ya que entre las investigaciones que realiza la policía o las que efectúan un par de mafiosos que buscan el dinero perdido, también descubriremos que los protagonistas comienza a dudar entre si, pues la avaricia se ha apoderado en mayor o menor medida de cada individuo y lo que es peor es que uno de ellos se ha vuelto un psicópata, por lo que el desenlace solo traerá más muerte.

Por otra parte debo resaltar el eficaz ritmo que imprime el autor a su obra (el cual es siempre fluido) ya que desde su arranque la cinta presenta pistas y varias vueltas de tuerca que mantienen al respetable atento a cada detalle. Asi mismo, en este film podemos ir descubriendo la inquietud de Boyle por dotar de un estilo visual a su obra, ya que con la utilización de algunos primeros planos que hace a sus personajes principales (como también lo hiciera posteriormente en Trainspotting) nos va desvelando la psicología de estos. Y por último un montaje dinámico dota de frescura al film.

Asi mismo, aunque la cinta cuenta con un guión y dirección solvente esta llega a otros niveles gracias a las interpretaciones de sus jóvenes actores, pues estos logran sacar todo el jugo posible a sus ricos papeles, sobresaliendo Christopher Eccleston en el personaje más interesante del film, asi como la presentación de un jovencísimo y carismático Ewan McGregor realizando una interpretación muy parecida al Renton que le daría fama más adelante. Asi que si aun no han visto Bajo la Tumba les invito a que la revisen, pues la primera obra del señor Boyle aun hoy se percibe refrescante y honesta, además que retrata de forma adecuada el pesimismo que inundaba a la generación X hace ya algunos añitos.

jueves, 9 de septiembre de 2010

COMEDIA: ENCANTADA

TÍTULO ORIGINAL: Enchanted
AÑO: 2007
ver trailer externo
DURACIÓN: 107 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Kevin Lima
GUIÓN: Bill Kelly
MÚSICA: Alan Menken, Stephen Schwartz
FOTOGRAFÍA: Don Burgess
REPARTO: Amy Adams, Patrick Dempsey, Susan Sarandon, James Marsden, Timothy Spall, Rachel Covey, Idina Menzel
PRODUCTORA: Walt Disney Pictures
WEB OFICIAL:http://www.encantada.com.es
GÉNERO: Animación. Aventuras. Fantástico. Musical.


No!, no es un error, sus ojos no le estan mintiendo, ¡si es una película de Disney la que esta apareciendo en El Rincón de Harrison! ¿la explicación? es bastante simple, estos últimos días no he tenido mucho tiempo (ni capacidad física para desvelarme) para revisar algún título, de esos que me gustan como son las estimulantes cintas sobre zombies o algo de ciencia ficción. Además si a esto sumamos que mi hija de casi tres años cada vez me exige más tiempo con ella, asi como una demandante ración de películas infantiles, ya que El Libro de la Selva (Wolfgang Reitherman, 1967) , El Mago de Oz (Victor Flemming, 1939) o incluso Up (Pete Doctor, 2009) ya no le satisfacen, pues las ve casi a diario.

Por tal motivo y como buen padre (jajaja) me he dado a la tarea de buscar cintas de corte infantil, motivo por el cual cierto día me encontraba en un video y apareció ante mí la mencionada Encantada, mi primera impresión fue de repulsión, ya que encuentro bastante pueriles y fastidiosas las aventuras de princesitas enamoradas, las cuales su única motivación es la de "casarse con el principe y vivir felices para siempre". Empero leí un poco el desarrollo de la trama y debo decir que me pareció un tanto inteligente, asi como arriesgado que la propia casa productora del ratón Miguelito realizara un producto en donde se mofara de sus propias cintas más emblematicas y que han hecho a esta un gran emporio de ¿entretenimiento? (su usted ve el canal Disney Channel sabrá a que me refiero).

Por tal motivo me senté frente al televisor con mi esposa e hija y le puse play al dvd, debo decir que el resultado por lo menos me pareció entretenido, asi como algo curioso, ya que la cinta goza de algunas dosis de humor negro que para ser honesto me mantuvieron a carcajada abierta. Pero comencemos, había una vez, en un lugar muy lejano y hermoso llamado Andalasia, una chica llamada Giselle (voz de Amy Adams) la cual se la pasaba cantando todas las mañanas, hermosas canciones, en donde nos describe lo bonito que es vivir esperando que algún día un príncipe se case con ella (claro en compañia de sus amiguitos los animalitos del bosque).

Y como es de esperar, al otro lado del bosque un valiente y gallardo Príncipe Edward (voz de James Marsden) se encuentra cazando a un peligroso Ogro (jajajaja, primer guiño y especie de venganza a la saga Shrek), momentos después este nos explica que espera encontrar una bella princesa con quien casarse y vivir felices para siempre, empero el joven escucha a los lejos el canto de Giselle por lo que va en su busca. Esto provoca que su ayudante Nathaniel (Timothy Spall) libere al Ogro para que se coma a la chica, todo esto con el fin de que el joven no se case con esta, pues esto provocaría que Giselle se convierta en princesa del reino, cosa que no le agradaría nada a la madrastra de príncipe, la Reina Narissa (Susan Sarandon). De la cual Nathaniel esta enamorado en secreto, jajajaja.

El hecho es que el Príncipe salva a Giselle y deciden casarse, sin embargo la reina para evitar este acontecimiento se convierte en una dulce anciana (como en Blanca Nieves) y engaña a la inocente chica para que vaya a un extraño pozo donde los deseos más ansiados se cumplen, pero cuando la ingenua mujer se asoma a este, la perversa anciana la empuja al vacío y es transportada al mundo real, para ser más específico a la ciudad de Nueva York.

Y lo que sigue después, es que el mejor amigo de Giselle (una ardilla llamada Pip) se da cuenta de lo ocurrido y le dice al Príncipe, por lo que deciden ir en busca de esta y viajan a la Gran Manzana. A grandes rasgos este es el argumento de la cinta, la cual se puede percibir como cualquier cinta cutre hecha directamente para televisión (como las que pasan en el Disney Channel, jajaja) pero un guión inteligente hace que los guiños y referencias a cintas como La Dama y el Vagabundo, La Bella y La Bestia o La Cenicienta (por mencionar algunas) no se sientan como un mal chiste, si no como una verdadera autocrítica a ese universo tan empalagoso y acaramelado con el cual han crecido (sufrido, jajaja)tantas generaciones.

Y ya en la vida real Giselle (Amy Adams) conoce a un abogado divorciado llamado Robert (Patrick Dempsey) el cual le hará darse cuenta que las relaciones interpersonales o amorosas no son tan simples como en los cuentos de hada, asi como que los animalitos como la ardilla Pip no hablan en el mundo real, jajaja. Asi mismo se verá acosada por el inepto de Nathaniel (Timothy Spall) quien tratará de eliminarla por órdenes de la Malvada Reina Narissa (Sarandon), quien al ver los pobres resultados de este, decide hacer acto de presencia para terminar lo que empezo en Andalasia, mientras un despistado, narcisista y divertido Principe Edward (Mardsen) trata de encontrar a su enamorada.

Y si, encontraremos en la cinta cancioncillas y coreografías donde se explica lo bello que es el amor, ¡pero no se asusten! Ya que estas asi como muchos de los diálogos llevan una carga de humor un tanto ácido (no tanto como yo hubiese querido) y que hacen que el presente se ría al atrapar los chistes. Por otra parte el diseño de los personajes esta correcto, motivo por el cual los actores se desenvuelven con soltura en sus papeles, por un lado Amy Adams logra hacer de su princesa un personaje ingenuo pero no irritable y hasta agradable, pero sin lugar a dudas el que se lleva la función es el señor James “Cyclops” Marsden encarnando al ególatra príncipe Edward, quien saca a relucir su vis cómica y hace de su personaje un pelele, pero sin lugar a dudas entrañable.

Patrick Dempsey no lo hace nada mal, aunque esta más en su rol de galán a los que esta acostumbrado y Susan Sarandon se la pasa pipa haciéndola de la villana en turno. Ahora bien, visualmente la cinta esta excelente en lo que respecta a la animación, ya que esta tiene un diseño preciosista y sencillo (haciendo referencia clara a las obras mencionadas). Por otra parte ya en la imagen real, la cinta cumple con una correcta fotografía y demás elementos visuales que hacen de esta un producto solvente.

Asi que en términos generales la cinta me entretuvo, aunque en su tercio final llego a exacerbarme un poco, ya que aunque su autor trata de dar un vuelco a las comunes historias de amor, al final cierra con los clichés del género (ni modo esos primeros diez minutos que significan el arranque de la cinta pusieron mis expectativas muy en alto por la gran dosis de socarronería mostrada). Por tal motivo Encantada significo una experiencia audiovisual un tanto curiosa para un servidor, ¿a mi hija y mi esposa? Pues les gusto y las entretuvo, asi que puedo decir que no estuvo del todo mal su revisión.

miércoles, 8 de septiembre de 2010

CINE DE CULTO: ¡REPO! LA OPERA GENÉTICA

TÍTULO ORIGINAL: Repo! The Genetic Opera
AÑO: 2008
DURACIÓN: 98 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Darren Lynn Bousman
GUIÓN: Terrance Zdunich, Darren Smith, Darren Lynn Bousman
MÚSICA: Darren Smith, Terrance Zdunich
FOTOGRAFÍA: Joseph White
REPARTO: Alexa Vega, Bill Moseley, Paul Sorvino, Paris Hilton, Nivek Ogre, Anthony Head, Terrance Zdunich, Sarah Brightman, Shawnee Smith
PRODUCTORA: Twisted Pictures
WEB OFICIAL: http://www.repoopera.com/
GÉNERO: Musical. Ciencia ficción. Terror.


Debo confesar que los musicales no son mi fuerte, sin embargo no por este motivo le hago el feo a alguna propuestas cinematográficas de este género (¡no señor!) sobre todo si me parecen interesantes como, Across the Universe (Julie Taymor. 2008) o The Rocky Horror Picture (Jim Sharman, 1975) por mencionar algunos ejemplos, que aunque son bastante diferentes entre si tanto en fondo como en forma, se puede percibir una propuesta en estas.

Por tal motivo me parece interesante y refrescante encontrar una historia post apocalíptica en donde y a través de un musical se proyecte un discurso mordaz y cínico sobre la manipulación que ejercen las grandes corporaciones a los simples y menguantes humanos, que por cierto y aunque es un tema que se ha explorado infinidad de veces en el cine, la ingeniosa variación que le da el sawcesco director Darren Lynn Bousman hacen de este título una gozada.

La cinta nos cuenta la fatídica historia de la raza humana en pleno siglo XXI, donde una nueva especie de virus ha atacado al hombre, motivo por el cual los humanos han comenzado a enfermar de muerte, ya que esta nueva enfermedad infecta órganos tan vitales como el corazón, pulmones, riñones, cerebro y un largo etc. Motivo también para que la población mundial disminuyera estrepitosamente, empero una empresa “visionaria” llamada GeneCo se ha encargado de crear partes artificiales para que el ser humano pueda seguir subsistiendo.

Esto trae como consecuencia que la gran demanda de órganos artificiales convierta a GeneCo y su dueño Rotti Largo (Paul Sorvino) en un emporio, donde la ambición de este ha llevado a niveles enfermizos la comercialización de dichos órganos, ya que estos cuestan más que antes y lo peor es que el comprador (que lo hace por necesidad) solo tiene treinta días para liquidar su deuda. En caso de que esto no suceda, GeneCo mandará a Repoman (Anthony Head), un recolector de órganos,el cual se encarga de retirar el miembro adquirido en ese preciso momento (aunque te encuentres defecando), claro hay que hacer mención que esto lo hace de las formas más brutales y sanguinarias posibles ya que solo usa un gran cuchillo.

Sin embargo esta historia no es tan simple, ya que por una parte el mencionado Rotti (Sorvino) es diagnosticado de una extraña y mortal enfermedad, que ni sus propios doctores pueden curar, esto significa una broma bastante macabra si se puede decir, ya que el hombre que ha salvado tantas vidas a través de su empresa no tiene futuro. Por tal motivo Rotti debe encontrar urgentemente un heredero para que mantenga funcionando su gran imperio cuando este muera, empero sus tres hijos no estan en la lista de candidatos ya que no tienen la capacidad y solo llevarían a la quiebra el negocio familiar. Los vástagos son, Amber Sweet (una solvente para sorpresa de un servidor, Paris Hilton) una niñata que esta obsesionada con las cirugías plásticas, lo que la ha llevado a operar su rostro infinidad de ocasiones y lo peor es que esto ha provocado que se le caiga a pedazos, jajaja.

El otro es Luigi Largo (el renegado del diablo Bill Moseley) el hijo mayor y tal vez el más ambicioso tanto como sádico, que pretende dejar fuera a sus dos hermanitos para quedarse con todo y por último Pavi Largo (Nivek Ogre) el más desequilibrado de los tres, el cual se jacta al usar distintos tipos de máscaras (las cuales en realidad son rostros de personas muertas) para ocultar su verdadero ser.

Es por eso que Rotti ha pensado en buscar un nuevo heredero, por lo que decide escoger a una extraña chica llamada Shilo (Alexa Vega) para que se quede con todo, la cual es hija de un empleado suyo (del que no rebelare el nombre para no echar a perder la trama) y que a su vez será usada para vengarse de una vieja rencilla que quedo pendiente años atrás. Asi mismo, cabe hacer mención que el Repoman (Head) ira tomando más relevancia en la historia ya que conforme avance esta, podremos ir descubriendo la verdadera psicología,así como sus auténticas motivaciones y como se relaciona con los personajes mencionados con anterioridad.

Debo comentar que el planteamiento del guión es interesante, aunque en su primer tercio este es algo confuso ya que no se comprende de manera tan clara las motivaciones de los personajes, asi como la relación entre ellos, pero esto se va aclarando conforme la trama avanza. Por otra parte el discurso del film es realmente desvergonzado y no deja títere con cabeza ya que se cuestiona la moralidad, a las instituciones sociales y mejor aun, la falsa necesidad de la permanencia de la belleza física que se nos vende a través de los medios masivos de comunicación, claro usando un sórdido y mal sano sentido del humor.

Asi mismo, otro aspecto a resaltar es la cuestión visual, ya que esta es genial a nivel plástico tanto por el diseño de los decorados, la iluminación, el uso de paleta cromática y la composición de la cual hace uso la fotografía, elementos que refuerzan este relato que tiene influencias del mejor cyberpunk y del gótico. Y no se puede pasar por alto el correcto uso de gore en la historia, ya que este aspecto le pone sabor al asunto, además que el diseño de las muertes estan excelentes, basta con observar como Repoman arranca corazones, columnas vertebrales, etc. a los pobres sujetos que no han podido pagar el precio.

Las interpretaciones estan más que correctas y se perciben fluidas (recordemos que hay pocos diálogos hablados, ya que esto es un musical, eso si se agradece que sea a ritmo de rock) aunque con algunos actores el resultado es un tanto bizarro cuando interpretan, como es el caso de Anthony Head y Paul Sorvino, pero que no desentonan a final de cuentas. Por cierto la cantante Sarah Brightman tiene un pequeño papel en la cinta.

Asi que puedo recomendar con entusiasmo Repo! La Opera Genética, ya que es una cinta que se percibe como una propuesta honesta, la cual no busca solo entretener o impactar con sus imaginativas y lúgubres imagenes, si no que a través de una propuesta plástica busca trascender en su mensaje final, tal vez por este motivo cuando termine de ver dicha cinta me acorde de aquel mítico título del expresionismo alemán, llamado El Gabinete del Doctor Caligari (Robert Weine, 1920).

lunes, 6 de septiembre de 2010

CIENCIA FICCIÓN: EL LIBRO DE ELI

TÍTULO ORIGINAL: The Book of Eli
AÑO: 2010
Ver trailer externo
DURACIÓN: 118 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Albert Hughes, Allen Hughes
GUIÓN: Gary Whitta
MÚSICA: Atticus Ross
FOTOGRAFÍA: Don Burgess
REPARTO Denzel Washington, Gary Oldman, Mila Kunis, Jennifer Beals, Tom Waits, Malcolm McDowell, Michael Gambon, Ray Stevenson, Frances de la Tour, Lateef Crowder, Chris Browning, Lora Martinez, Luis Bordonada
PRODUCTORA: Alcon Entertainment / Dark Castle Entertainment / Silver Pictures
WEB OFICIAL: http://www.ElLibrodeEli.com
GÉNERO: Ciencia ficción.


No es casualidad que en la historia del cine el tema del fin de la humanidad sea un tema recurrente, todo esto de alguna forma para entender o tratar de canalizar aquel horror del propio hombre hacia lo que no termina por entender y le angustia. La prueba más palpable (o la que se me vino a la cabeza de primera instancia) fue aquella narración que hizo por radio Orson Welles, un 30 de octubre de 1938, en donde este contaba que la humanidad sufría una invasión de seres extraterrestres en las principales ciudades del mundo provocando gran pánico entre el público y la movilización de los equipos de emergencia, ya que el programa se narro como un noticiero de verdad.

Pero para no hacer el cuento más largo, la conclusión de este raro evento y para tranquilidad de todos fue que el falso noticiero (que tuvo una duración de angustiantes 59 minutos) termino con la noticia de que los invasores morían en extrañas circunstancias. Como podrán inferir, en este ejemplo se demuestran dos cosas, la primera y probablemente la más palpable es el gran poder de manipulación con el que cuentan los medios de comunicación (un arma muy poderosa) y la segunda, el hombre por ese gran temor a lo desconocido y ya entrado en shock, seguiría a una cabra loca si se le dijera que es la última salvación, jajajaja.

¿Pero que tiene que ver lo que acabo de escribir líneas arriba con El Libro de Eli? Pues al menos para un servidor las analogías no han sido tan descabelladas con lo que plantean los hermanos Hughes (que desde el 2001 no dirigían nada) en su nueva cinta. Pero comencemos por el principio, Eli (Denzel Washington) es un hombre ermitaño que lleva caminando por más de treinta años las solitarias carreteras de lo que un día fue la nación de Estados Unidos, ¿el motivo? esos treinta años significan el fin de la civilización como la conocemos actualmente y dan inicio al nuevo mundo, una sociedad decadente, sin cultura (la gente mayor ha ido muriendo y las nuevas generaciones no saben leer ni escribir, puesto que no existen ya los libros)y sin esperanzas, esto gracias a que la última guerra mundial provocó un gran hueco en la capa de ozono y por tal motivo los rayos que emite el sol pegaron directo a la población, aniquilando a la mayoría y causando una catástrofe mundial.

Las leyes no existen y los pocos sobrevivientes habitan en las ruinas de lo que alguna vez fueron ciudades, ahora los pocos sobrevivientes deben usar lentes contra los rayos UV para evitar quedar ciegos y lo más importante deben ser cuidadosos al transitar por los solitarios caminos para evitar toparse con algunas bandas de asaltantes, ya que estos primero toman las pertenencias más valiosas, a las mujeres las violan y después matan para comerse a sus víctimas, estos se han vuelto caníbales. Es por este motivo que Eli (Washington) es cauteloso en su viaje, y su única motivación es llegar al norte del país (lo que algún día fue San Francisco) para entregar un valioso libro incluso acosta de su propia vida, este libro es el último de su especie, este libro es la última Biblia que existe sobre la faz de la tierra.

Es por este motivo que Eli hace una cruzada de fe para llevar el valioso documento a ese lugar tan especial (al final de la cinta descubriremos por que debía ser en el oeste) para poder restaurar la civilización a través de este. Sin embargo su misión no será fácil, pues el hombre hará una escala en un pueblo donde un perverso hombre llamado Carnegie (Gary Oldman) gobierna el lugar. Este hombre pertenece a la generación de Eli, pues también sabe leer y sabe de la existencia del famoso libro, motivo por el cual manda a sus matones a buscar en las carreteras para conseguir este, ya que sus motivaciones son muy parecidas al del protagonista, rehacer una nueva civilización a través del libro, con la diferencia de que Carnegie busca ser el lider de tal renacimiento.

Como podrán imaginarse Eli (Washington) tendrá que enfrentarse en varias ocasiones a Carnegie (Oldman) y sus matones para cumplir con su divina misión, lo que desembocará en un predecible final que se olía a kilómetros de distancia. Con esto no quiero decir que la cinta sea mala, incluso tiene detalles sobresalientes como los enfrentamientos de Eli con algunos ladrones de carretera, los cuales gozan de una violencia gráfica bastante brutal (para el producto comercial que significa la cinta) o la balacera en el pueblo de Carnegie, la cual esta filmada con buen pulso y recuerda a los mejores Western de antaño. Además que el ritmo empleado por sus directores la mayor parte del film, logra mantener al presente dentro de la historia gracias a las efectivas escenas de acción mostradas.

Incluso la naturaleza de esta nueva sociedad (si se le puede llamar asi) es retratada sin moral, sin consecuencias en sus actos, con instintos más salvajes, rasgos que dimensionan esta nueva era y a su vez contextualizan el momento histórico que se vive. Asi mismo la puesta en escena y el uso de una fotografía bastante luminosa logra transmitir la precaria situación que viven los habitantes, por lo que el apartado visual es excelente.

Sin embargo donde la cinta falla es casi en su ultimo tramo, donde algunas situaciones o vueltas de tuerca se antojan bastante inverosímiles (Eli al inicio de su camino no evita la violación de una mujer a manos de unos motociclistas, pero arriesga su misión y su propia vida para salvar a Solara, otra mujer que conoce en el pueblo) motivo por el cual esta cae en los lugares comunes del género y lo que es peor es quiza el mensaje final tan maniqueo que tiene el film (por las referencias religiosas) el cual pretende ser trascendental y al final no lo logra.

Ahora bien, los actores mantienen a flote esta entretenida cinta (a final de cuentas se queda en eso, en mero entretenimiento con su respectiva dosis de pseudo filosofía existencialista), por una parte la sobria interpretación de Washington hace que su personaje se perciba creíble aunque en las escenas de acción casi se convierte en superhéroe (ni Steven Seagal tiene ese manejo tan cruento con armas blancas, jajaja), pero el buenazo de Denzel cumple. Y Gary Oldman pues esta en su línea de villano, aquí un tanto más mesurado, pero no por eso menos temible en cuanto a sus motivaciones, las cuales incluso convierten a su personaje en un ser más interesante que al propio protagónico.

Asi que solo puedo recomendar El Libro de Eli como una solvente y entretenida cinta de CFI, (con influencias a Mad Max en su parte estética, claro) para pasar el rato, ya que sus pretensiones son demasiado altas para su pobre y autocomplaciente resultado.

jueves, 2 de septiembre de 2010

CINE DE CULTO: MAD MAX

TÍTULO ORIGINAL: Mad Max
AÑO: 1979
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Australia
DIRECTOR: George Miller
GUIÓN: James McCausland & George Miller
MÚSICA: Brian May
FOTOGRAFÍA: Dean Semler
REPARTO: Mel Gibson, Joanne Samuel, Steve Bisley, Hugh Keays-Byrne, Roger Ward, Tim Burns, Geoff Parry, Sheila Florence
PRODUCTORA: Kennedy Miller Productions
GÉNERO: Acción. Ciencia ficción.


Sin lugar a dudas esta cinta es un clásico ya de la CFI, ¿el por qué? creo que sin temor a equivocarme por la fatídica visión del futuro que plantea sin hacer uso de explicaciones complejas y mucho menos pueriles, como podría ser el hecho de que unos robots extraterrestres gigantes hayan escogido la tierra para librar una batalla milenaria (jajajaja) o simplemente por que hace algunos siglos los mayas predijeron que nos cargaría el payaso para el año 2012 (¡uyy que mello!).

¡No señores! la cinta de George Miller se despoja de filosofías chapuceras y solo nos muestra el resultado de una sociedad decadente, en donde las grandes urbes ya no existen y los pocos humanos que habitan las grandes hectáreas de tierra ahora viven en pequeños poblados, en donde podemos observar que quedan vestigios de lo que fuera una civilización moderna (arquitectura o los autos que usa la policia Australiana).

Por tal motivo las pocas instituciones que quedan en pie, como es el Departamento de Policia, se encargan de cuidar las autopistas que conectan los sórdidos poblados, ya que en estas abundan infinidad de piratas de asfalto, los cuales se dedican a saquear, matar o violar. Y lo que es peor es que solo lo hacen por diversión, para tratar de crear una nueva forma de anarquía.

Cabe hacer mención que la cinta abre de manera espectacular metiendo de lleno al espectador en la historia, esto gracias a la primera persecución que se da cuado uno de los delincuentes más peligrosos que hay llamado el Nightrider (Vince Gil), escapa de la cárcel matando a un oficial de policía y robando uno de los autos especiales de caza. Razón por la cual se pone en alerta toda la flotilla policíaca para atrapar al desquiciado maleante y detenerlo antes de que entre al poblado más cercano y cause más muerte.

Y es en este momento cuando entra en acción nuestro estoico héroe, Max Rockatansky (Mel Gibson) quien al seguir la persecución por radio se da cuenta que tres vehículos policíacos han quedado fuera de combate y el Nightrider esta apunto de escapar, motivo por el cual el hombre se coloca sus oscuros lentes para sol, asi como sus guantes de conductor y enciende la poderosa máquina que trae como patrulla para poner fin a esta operación.

Mientras el Nightrider corre a toda velocidad, parloteando por la frecuencia policial que es el mejor, que nadie lo puede detener, ya que el es una maquina de matar aceitada, que es como un Dios. Pero ¡oh sorpresa! instantes después aparece el auto de Max (Gibson) detrás del malandrín, motivo por el cual este comienza a llorar y la mujer que va con él, le pregunta que pasa, por lo cual el villano de pacotilla responde que todo ha terminado para instantes después estrellarse y perecer en la acción. Momentos después, un gran plano general nos muestra al héroe presenciando el desenlace, genial.

De nuevo Max ha demostrado que es el mejor hombre de la policia, ya que este acaba con la escoria de tajo, sin miramientos, empero sus acciones ahora tendrán repercusiones fatídicas para el y sus seres queridos, puesto que el Nightrider pertenecía a una especie de secta, motivo por el cual algunos seguidores de este irán a buscar su cuerpo (o lo que quedo de el, jajajajaja, la escena donde el sujeto encargado de entregar el ataúd es para partirse de la risa) y de paso vengar al autor de la muerte de su ídolo.

Esta nueva tribu de inadaptados motociclistas esta liderada por otro sádico, cachondo y cobarde sujeto que se hace llamar Toecutter (Hugh Keays-Byrne) el cual solo va dejando una estela de muerte por donde pasa, razón por la que Max (Gibson) tendrá que enfrentarlos, ya que estos han asesinado a su familia (esposa e hijo) y a su mejor amigo y compañero de trabajo Goosie (Steve Bisley). Por tal motivo esto ya no se trata de hacer cumplir las leyes, esto ahora es una venganza, motivo por el cual los maleantes irán cayendo uno a uno a manos de Mad Max.

Como pueden leer el planteamiento de esta cinta tiene una estructura 100 % de Western, lo cual es genial y funciona a la perfección, motivo por el cual su director y guionista George Miller demuestra gran ingenio para contar otra versión sobre venganzas y redención. Asi mismo otro aspecto loable es el derroche de imaginación para montar las secuencias de acción con tan pocos recursos económicos, ya que son usados varios tipos de planos y encuadres, los cuales brindan dinamismo a la cinta y la llenan de emoción, pero sobre todo se refuerza el discurso de inseguridad y peligro a través de cada fotograma donde aparecen las maquinas sobre ruedas.

Asi mismo, Miller logra crear todo un universo bastante atemporal, tan solo con unos cuantos autos destartalados, asi como una excelente fotografía donde se muestran los desoladores paisajes australianos y las solitarias autopistas. ¿Las interpretaciones? Estas no podrían estar mejor, sobre todo la de los villanos, el Toecutter de Keays-Byrne es bastante perverso, por momentos destila un humor demasiado negro pero al final resulta ser un cobarde, jajaja.

Al igual que los actores que interpretan a los motociclistas, estos estan en el mismo tono que Keays-Byrne. Por otra parte, un jovencísimo Mel Gibson se muestra pétreo y bastante contenido en su interpretación de duro policia, aunque logra matizar algunas emociones con sus no verbales y sobre todo con su mirada (tics interpretativos que serían utilizados hasta la saciedad sobre todo en la saga Arma Mortal), sin embargo estos elementos serían suficientes para dotar de humanidad al personaje que lo lanzarían al estrellato.

Pero sin lugar a dudas lo que hace diferente y provocador a este film, es la violencia mostrada, la cual aunque no es muy explícita si es perturbadora y mal sana (basta con presenciar la violación de una chica a manos de los motociclista, o el atropellamiento de la esposa Max y su pequeño) estas escenas son dolorosas.

Es por todos estos elementos mencionados con anterioridad, que considero que Mad Max merece ser revisada de nuevo, sobre todo cuando se nos viene una nueva secuela para el 2011, llamada simplemente Mad Max 4 (Fury Road), claro ya sin el misógino de Mel Gibson el cual por cierto a declarado que no le interesa hacer ni un simple cameo en la cinta que filmara el propio Miller.