miércoles, 31 de marzo de 2010

THRILLER: DESAPARECIÓ UNA NOCHE

TÍTULO ORIGINAL: Gone Baby Gone
AÑO: 2007
DURACIÓN: 114 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Ben Affleck
GUIÓN: Ben Affleck, Aaron Stockard (Novela: Dennis Lehane)
MÚSICA: Harry Gregson-Williams
FOTOGRAFÍA: John Toll
REPARTO: Casey Affleck, Michelle Monaghan, Morgan Freeman, Ed Harris, Amy Ryan, Karen Ahern, Carla Antonino, John Ashton, Amy Madigan, Edi Gathegi, Titus Welliver
PRODUCTORA: Miramax Films / The Ladd Company / LivePlanet
WEB OFICIAL. http://www.gonebabygone-themovie.com/
GÉNERO: Intriga. Thriller

Desapareció una Noche supone el debut de Ben Affleck como director motivo por el decidí ver la cinta, ya que aunque el hombre como actor no ha podido sobresalir por sus limitaciones histriónicas, aunado a la elección de malos proyectos, creo que había que darle la oportunidad de demostrar que como realizador podía entregar un buen trabajo.

Asi mismo Affleck en este proyecto se cobija de elementos que harían difícil o casi imposible que su proyecto fallara, ya que encontramos que la historia esta basada en una novela de Dennis Lehane, autor de Río Místico, esto ya nos hace pensar que el proyecto es de calidad. Además la elección del casting es más que correcto ya que encontramos actores del calibre de Morgan Freeman o Ed Harris (éste último una eminencia para su servidor) acompañados de Casey Affleck y por último Michelle Monaghan.

La historia nos sitúa en Boston, allí una mujer y su familia aparecen ante los medios televisivos de la ciudad para reportar la desaparición de su pequeña hija de cuatro años. En el barrio todos se conocen, ya que la mayoria en su infancia asistió a las mismas escuelas, la comunidad y sus integrantes han crecido juntos, aunque algunos hayan tomado caminos diferentes, es por ese motivo que la desaparición de la pequeña Madeline a conmocionado a la comunidad.

Por éste motivo aunque la policía investiga el caso, la tía de la menor ha decidido contratar a una joven pareja de investigadores privados para que éstos busquen por su cuenta a la niña. En ese momento conocemos a los protagonistas, Patrick Kenzie (Casey Affleck) y Angie Gennaro (Monaghan) quienes se encargarán de realizar el trabajo, puesto que ellos conocen mejor a los habitantes de la zona y saben moverse en esta.

Hasta éste punto de la historia comenzamos a vislumbrar un poco las motivaciones de los personajes, aunque hay que mencionar que para ese momento ya han aparecido demasiados en escena, por ejemplo cuando Patrick (Affleck) y Angie (Monaghan) sostienen la primera entrevista con Helena (Amy Ryan) la madre de la menor, esta última se nos muestra como una madre ausente, adicta a la cocaína, por lo cual no puede o no quiere hacerse cargo de su hija.

También conocemos al hermano de Helena y la esposa de éste, quien es la responsable de la contratación de los detectives. Acto seguido, cuando el par de detectives ingresan a la recamara de la menor conocemos al Capitan Jack Doyle (Freeman) encargado de la sección de delitos contra menores y que además tiene un historial intachable.

Doyle (Freeman) les lee la cartilla a Patrick y Angie para que no obstruyan la investigación, sin embargo les comenta también, que si quieren ayudar en el caso los contactara con dos detectives para que trabajen en equipo.

Los detectives que investigan paralelamente el caso son Remy (Ed Harris) y su pareja, los cuales son presentados con Patrick. Juntos seguirán varias pistas para ir desenmarañando la desaparición de la Amy.

Lo interesante de la cinta es que esta comienza como un policíaco bastante normalito, pero conforme avanza la trama y aparecen nuevos personajes, la verdadera causa de la desaparición de Amy se va volviendo más turbia y oscura, por lo que uno como espectador se va enganchando al desarrollo de la historia.

Asi mismo el director toma las cosas con calma para presentar e ir desarrollando las motivaciones y conflictos de los personajes, por lo que podemos percibir que algunos de ellos evolucionan, es por eso que la ética, la moral, la codicia y demás valores mundanos envolverán ésta historia, la cual nos sumerge en los recovecos más oscuros del ser humano.

Empero aunque la trama avanza de manera correcta y cuenta con situaciones interesantes, siento que algunas vueltas de tuerca son algo tramposas, ya que muchas pistas o personajes son engañosos, más sin embargo por el ritmo fluido que imprime el director este no se perciben en primera instancia.

Por ejemplo, cuando se nos desvela la verdadera naturaleza de Remy (Harris), éste descubrimiento se percibe bastante forzado. Por otra parte la puesta en escena es correcta, Affleck logra transmitir esa atmósfera opresiva y mal sana que se vive en la historia por lo que durante toda la historia hay una sensación de incertidumbre.

Por otro lado la interpretación de los actores es más que excelente, Casey Affleck en un principio me parecía algo soso en su papel, pero conforme se va adentrando en la investigación su personaje se va transformando, por lo que el actor logra matizar a su personaje en el cual recae todo el peso de la cinta.

Ed Harris como siempre hace un buen trabajo, su personaje inquieta la mayor parte de la cinta, además que es un factor importante en la historia. La que desgraciadamente esta un tanto desaprovechada es Michelle Monaghan solo aparece frente a pantalla y casi no aporta nada, es una lástima puesto que su personaje es o debería ser el soporte psicológico de Patrick (Affleck) en tan sórdido viaje.

Y por último, Morgan Freeman demuestra que sus capacidades histriónicas le dan para hacer algunos papeles casi en automático, por lo que cumple y le da caché a la cinta.

Creo que en términos generales la cinta funciona bien, aunque percibo que es por el guión, de hecho algunos pasajes me recordaron algunas situaciones a la cinta de Clint Eastwood (Río Místico, 2003).

Para finalizar debo comentar que el final es atroz, tanto como desesperanzador y nos hace cuestionarnos si las decisiones correctas son los mejores en algunos casos, lo que si es seguro es que este cierre no dejará indiferente a nadie.

martes, 30 de marzo de 2010

CINE DE AUTOR: HAPPY TOGETHER

TÍTULO ORIGINAL Happy Together (Cheun gwong tsa sit)
AÑO: 1997
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Hong Kong
DIRECTOR: Wong Kar-Wai
GUIÓN: Wong Kar-Wai
MÚSICA: Danny Chung
FOTOGRAFÍA: Christopher Doyle
REPARTO: Leslie Cheung, Tony Leung (AKA Tony Leung Chiu Wai), Chang Chen
PRODUCTORA: Block 2 Pictures / Jet Tone Production / Prénom H Co. / Seowoo Film Company
PREMIOS 1997: Cannes: Mejor director
GÉNERO: Romance. Drama


El cine del señor Wong Kar-Wai es una delicia tanto visual como de contenido, éste expone desde un punto muy particular la situación humana, los amores, miedos, frustraciones y demás componentes que hacen del hombre un ser viviente y no solo un ente que ocupa un lugar en el espacio.

Happy Together nos presenta a Lai Yiu-Kai (Toni Leung) y Ho Po-Wing (Leslie Cheung) una pareja gay que vive en Hong Kong, sin embargo sienten que su relación se ha estancado por lo que deciden darle un nuevo rumbo, asi deciden viajar hasta Buenos Aires, Argentina.

Ya instalados, los problemas lejos de solucionarse empeoran, ahora además de no resolver ciertas diferencias entre ellos, se suman las diferencias culturales como el idioma, las costumbres, etc. es por eso que Lai (Leung) y Po (Cheung) terminan por separarse en un país que no es el suyo. Aquí la soledad se resiente más.

Lai al sentirse solo, decide trabajar en un bar donde se tocan boleros con el único objetivo de volver a su país. Por otro lado Po toma un camino distinto, se la pasa de fiesta en fiesta con personas que apenas conoce, en ocasiones se prostituye para conseguir unos cuantos billetes. Empero, sin saberlo ambos se reencontraran pero las cosas ya no serán las mismas.

El amor de pareja entre estos dos seres se fracturo y aunque Po ahora quiere volver, Lai ha cambiado, las experiencias en un nuevo país le han hecho ver lo que realmente quiere, a veces hay que viajar lejos para darse cuenta de lo que realmente te puede realizar.

Sin embargo Lai acepta a Po de nuevo y ese amor que antes era de pareja, ahora se transforma en una hermosa amistad, con todo y sus altibajos. La cinta del director honkonés se despoja de grandilocuencias, motivo por el cual sus personajes se muestran humanizados, con defectos y virtudes, el presente podrá o no identificarse con ellos, dependiendo de las experiencias de cada quien, lo que si es un hecho es que éstos no pasan desapercibidos.

Por lo mismo el relato no se siente forzado y se pueden identificar grandes instantes donde la pasión, los desencuentros, la tristeza o la felicidad estan presentes. Asi mismo puedo considerar al filme como poético ya que aunque la historia esta bien sustentada, ésta toma niveles más altos con el apartado visual.

Además hay que resaltar la labor de los actores, los cuales logran dotar de matices a sus personajes, componiendo asi seres que sienten y piensan, por lo que se alejan de ser solo caricaturas. Asimismo, Happy Together se percibe congruente con lo que plantea y desarrolla, aquí no encontraremos un melodrama made in E.U. puesto que como mencionaba los personajes son tratados con respeto y dignidad.

Además se agradece que la historia no caiga en los tópicos del género, por lo mismo el desenlace no es el típico happy ending que estamos acostumbrados a ver tantas veces.

Visualmente la cinta goza de gran preciosismo, lo que la convierte en una experiencia sensorial casi surrealista. Por momentos la cinta se percibe bastante experimental, sin embargo considero que todos éstos cambios de atmósferas, paletas cromáticas, encuadres y demás herramientas que utiliza el director, son también un lenguaje plástico, que además refleja los estados emocionales de sus personajes.

Por otra parte el director logra sacarle todo el jugo a sus locaciones, la ciudad de Buenos Aires logra transmitir ese ambiente bohemio (sin ser fotografiado como una simple postal) lo que convierte a la urbe en otro personaje más.

Asi mismo el apartado musical es otro factor importante y logra complementarse con los elementos mencionados con anterioridad (fotografía, puesta en escena, guión) por lo que se podría considerar a Happy Together como una obra redonda.

Es por eso que recomiendo con gran entusiasmo esta cinta que habla sobre el amor (sin cursilerías ni puerilidades) el cual es universal, donde no importan las diferencias raciales, culturales, sexuales, etc. en pocas palabras el amor en estado puro.

Por último debo decir que rara vez volteamos nuestra mirada hacia el oriente, lugar donde grandes directores como Park Chan-wook, Takeshi Kitano, Zhang Yimou o el mítico Akira Kurosawa plasman o plasmaron su visión muy personal del mundo, pero que desgraciadamente en ocasiones es opacada por tanto artilugio hollywoodense que nos bombardea constantemente.

sábado, 27 de marzo de 2010

CINE DE ACCIÓN: EL FANÁTICO

TÍTULO ORIGINAL: The Fan
AÑO: 1996
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Tony Scott
GUIÓN: Phoef Sutton (Novela: Peter Abrahams)
MÚSICA: Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA: Dariusz Wolski
REPARTO: Robert De Niro, Wesley Snipes, John Leguizamo, Benicio del Toro, Ellen Barkin
PRODUCTORA: Mandalay Entertainment / Tristar Pictures pr. una prod. de Wendy Finerman y Scott Free
GÉNERO: Acción Deporte. Béisbol


Tony Scott el hermanito de Ridley, no ha querido quedarse atrás en el mundo cinematográfico y también se ha dedicado a dirigir. Este individuo es capaz de realizar trabajos altamente descerebrados llenos de testosterona y mucha acción, con el único fin de que el presente desconecte su cerebro y pase un buen rato.

Ahí tenemos El Último Boy Scout (1991) con un Bruce Willis en pleno estrellato, soltando mamporros al mismo tiempo que frases sarcásticas, lo que demostraba el momento cumbre por el que pasaba el cine de acción. Es por eso que al cine de éste señor lo que menos se le puede pedir es lógica argumental, eso si visualmente sus cintas dan la impresión de ser video clips largos, ya que se emplean montajes rápidos asi como el uso de filtros para dar a la imagen tonalidades agradables y bonitas para que el presente diga ¡que chido!

En pocas palabras el que escribe esto considera el cine del señor Scott como un placer culpable, aunque debo aclarar que no todas sus cintas me parecen logradas y mucho menos interesante, de hecho no me atreví a ver Asalto al tren Pelham 123 (2009).

Pero pasando al titulo que nos ocupa, El Fanático es un título irregular ya que cuenta con todos los tópicos del género, de hecho lo más atractivo de la cinta era supuestamente ver el duelo interpretativo entre un Robert De Niro que comenzaba a mostrarse repetitivo y sobreactuado en sus interpretaciones, asi como el señor Snipes que aunque había hecho buenos trabajos en algunas cintas independientes, emprendía un encasillamiento como héroe de acción, lo que lo llevo a su declive artístico.

La cinta comienza con sus títulos iniciales para mostrarnos a continuación imágenes de jugadores de béisbol probablemente de los años 40´s o 50´s, en ese momento una voz en off a cargo del personaje de Robert De Niro nos explica la importancia que tienen los seguidores, los fans de los equipos, para con sus estrellas, ya que sin estos los últimos no serían lo que son. De hecho se puede percibir ya de entrada las intenciones del que habla (De Niro), puesto que se nota hasta cierto reproche en su discurso.

Asi pasamos a conocer a Gil Renard (De Niro) un ¿vendedor de cuchillos? Que trabaja para una importante empresa que ¿hace y venden cuchillos?, su vida es un asco, ya que no logra las metas de ventas que le piden y esta a punto de perder su empleo (vende cuchillos ¡por Dios!). Asi mismo se divorció de su esposa, ya que el hombre cuenta con un carácter de cabrón por lo que no le permite ver a su hijo el cual le teme, total que su vida es una completa mierda, eso si, lo único que le hace llevadera esta es su afición por el béisbol y su equipo favorito, Los Gigantes.

Por otro lado conocemos a Bobby Rayburn (Wesley Snipes) la nueva contratación de Los Gigantes, el cual costo 40 millones de dólares, lo cual supone que éste realizará una gran temporada para su nuevo equipo. Empero Bobby (Snipes) pasa por un proceso de divorcio y su rendimiento esta a la baja por una lesión en un brazo, lo que lo preocupa.

Para colmo de males en el equipo también está Juan Primo (Benicio Del Toro) otro jugador que le está comiendo el mandado a Bobby y se convierte en la estrella del equipo. Sin embargo como Renard (De Niro) le tiene mucha fe a Bobby (Snipes) hará todo lo posible para que éste vuelva a ser el número uno de su equipo, aun si ésto significa cargarse a alguien en el camino.

Asi estan las cosas, la trama nos plantea a un ser desequilibrado De Niro, obsesionado con Bobby con el cual llena sus carencias afectivas, ya que como mencionaba hasta su pequeño hijo le teme. Si no hay que ver cuando Renard (De Niro) lleva a su retoño al juego inaugural, el tipo se vuelve loco, gritando y bronqueando con la gente que hay a su alrededor, o los diversos enfrentamientos que tiene con su ex mujer cuando le prohíbe ver al niño y este la amenaza con bate de béisbol.

Creo que Scott pensó, haré mi propia versión de Travis Bickle pero más pasado de rosca para que de miedo (jajaja), sin embargo el performance de De Niro se vuela la barda lo que provoca que por momentos el personaje tenga sus tintes sórdidos y luego se convierta en una caricatura.

Wesley Snipes trata de contener a su personaje, por lo que su interpretación esta correcta, bueno no era tan difícil ya que tanto su personaje como el de De Niro no tienen mucha profundidad, aunque se nos quiera vender lo contrario. Por otra parte la cinta está plagada de situaciones y diálogos inverosímiles tanto como absurdos que por momentos hacen que me sonroje.

Creo que la cinta falla gracias a que su director convierte la historia en un drama, cosa que no se le da, ya que no es capaz de explorar ni mucho menos exponer las motivaciones psicológicas de sus personajes. Como cinta de acción pues no hay mucho que ver, sin embargo por la dirección y edición frenética de su realizador el filme no se vuelve tan cansino, aunque si es reiterativo en algunas situaciones.

Visualmente la cinta esta normalita, con los encuadres marca registrada de Scott, tomas aereas del Estadio de Los Gigantes (en más de cuatro ocasiones), tomas aereas de la ciudad de San Francisco y su ya conocida paleta cromática en la fotografia que van desde los naranjas hasta los verdosos.

Asi que puedo decir que El Fanático es una curiosidad de los años noventas, entretiene si no se tienen muchas expectativas o tienes gustos culpables como su servilleta, eso si lo mejor las rolitas de Los Rolling Stones que se escuchan en varios tramos de la historia.

Para finalizar creo que me sigo quedando con Bruce Willis en El Último Boy Scout escupiendo frases como “si me vuelves a tocar te mato”.

viernes, 26 de marzo de 2010

CINE TERROR: FRIGHT NIGHT 2

TÍTULO ORIGINAL: Fright Night Part II
AÑO: 1988
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Tommy Lee Wallace
GUIÓN: Tim Metcalfe, Miguel Tejada Flores, Tommy Lee Wallace
MÚSICA: Brad Fiedel
FOTOGRAFÍA: Mark Irwin
REPARTO: Roddy McDowall, William Ragsdale, Traci Lind, Julie Carmen, Jon Gries, Russell Clark, Brian Thompson, Merritt Butrick, Ernie Sabella, Matt Landers
PRODUCTORA: TriStar Pictures
GÉNERO Terror. Comedia Vampiros. Secuela


Como era de esperar, tras el éxito que significo la original Fright Night o La Noche del Miedo, se realizó una secuela tres años más tarde lo que significo el cierre de la saga y no es que el producto final sea del todo malo, mas sin embargo creo que ésta no cuenta ya con el elemento sorpresa de la original, motivo por el cual la cinta no es del todo satisfactoria.

La cinta comienza con algunas imágenes que nos recuerdan los acontecimientos ocurridos tiempo atrás cuando Charley (William Ragsdale) y Peter Vincent (Roddy McDowall) eliminan a Jerry (Chris Sarandon) un vampiro que tenía azorados a éstos cuando descubren su verdadera identidad.

Después nos enteramos que Charley (Ragsdale) ha acudido a terapia psicológica durante tres años, para auto convencerse de que Jerry (Sarandon) no era un vampiro si no un asesino serial. Asi es como su Dr. lo da de alta para que el chico pueda tener una vida normal.

Es por eso que Charley junto con su novia Alex (mamacita Traci Lind) van a visitar a Peter Vincent para comunicarle que éste ya esta curado. Esta reunión de amigos contagia al presente, ya que como espectadores que disfrutamos de la primera parte percibimos ese sabor ochentero del film que ya no podrá repetirse en producciones modernas.

Total que Charley lleva a su novia a su casa, no sin antes echarse un faje con ésta en su automóvil, jajaja. Pero algo o alguien persigue a Charley sigilosamente sin que éste se de cuenta, en ese momento conocemos a Regine Dandridge (Julie Carmen) la hermana de Jerry, que junto con su clan buscará la forma de vengarse del joven por la muerte de su hermano.

Asi es, Charley y Peter Vincent tendrán que enfrentar de nuevo a las fuerzas oscuras del mal, pero ¿podrá el joven y su viejo mentor salir airosos ante tan terrorífica situación?, ¿Charley sucumbirá ante los encantos carnales de Regine? Obviamente si, lo interesante es ver el desarrollo de la historia que aunque podría considerarse un refrito de la original, inserta algunos elementos que varían esta y la hacen entretenida.

Primeramente encontramos que la amenaza ahora recae en una figura femenina, por ende ésta es más peligrosa ya que nuestro héroe como cuenta con la hormona desatada la tendrá difícil. Esto trae como consecuencia que la cinta contenga varias escenas subiditas de tono pero bien resueltas, en donde se percibe erotismo por parte de nuestra vampira, de hecho el tema sexual está más cargado en ésta cinta en comparación con la original.

Segundo, ahora Charley y Peter Vincent no solo tendrán que tratar de aniquilar al muerto viviente en cuestion, si no también a sus súbditos otro vampiro, a un licántropo y por último un personaje bastante misterioso que se la pasa comiendo insectos, interpretado de manera genial por el musculoso Brian Thompson.

Como verán la amenaza es triple, lo que dota al relato de más incertidumbre, además de que como ya conocemos a nuestros personajes, ya no hace falta explorar sus motivaciones. Sin embargo aunque Fright Night 2 cuenta básicamente con la misma estructura de su predecesora, falla de manera significativa en su guión, ya que algunos segmentos de la historia se perciben confusos, como por ejemplo el personaje del psicólogo de Charley, el cual casi al final se descubre como chupa sangre y compinche de Regine.

O la venganza de esta última, la cual no es muy clara, de hecho en varias ocasiones Regine puede aniquilar a Charley y no lo hace, solo ¿pretende convertirlo en Vampiro? O ¿cual es su verdadera motivación? no queda muy claro. Asi mismo el personaje de Alex resulta bastante repulsivo ya que se la pasa desconfiando de nuestros héroes y la existencia de los vampiros.

Por otra parte el personaje del licántropo esta sobresaliente y le inyecta nuevos aires al film, su socarronería y su mala leche hacen que éste se distinga, además que el diseño y la caracterización son realmente excelentes, el hombre lobo logra inquietar cuando hace acto de presencia. Basta con ver la escena donde juega boliche con la cabeza del encargado del lugar.

Empero Regine no logra alcanzar los niveles de malicia, ni mucho menos logra perturbar al espectador como lo hizo el personaje que hizo Chris Sarandon, éste de verdad te dejaba frío con su sola presencia.

En su apartado técnico la cinta funciona, aunque se nota que la producción contó con menos presupuesto esto se nota con las imagenes y los fundidos con la pantalla. Por último debo decir que el clímax final ya no sorprende ya que es muy parecido al de la primera cinta.

Entonces para cerrar, ¿Fright Night 2 es una mala cinta? No lo creo, simplemente no hacía falta y desgraciadamente la primera parte dejo el listón muy alto para ser superada, lo que provoca en el espectador una sensación de deja vu, más sin embargo considero que el film es una rareza del género.

Por otro lado, creo también, que como filme de terror/comedia funciona bien y es superior a muchos subproductos que se hacen en la actualidad, ya que por lo menos esta cinta contiene sus dosis de gore, violencia, sexo, humor negro y situaciones políticamente incorrectas. ¡Ah! y lo más importante, logra entretener al presente algo que en la actualidad ya es mucho pedir.

p.d. Por cierto algo que si da miedo es que algunos ejecutivos ya están pensando en hacer el remake de Fright Night y hasta Un Hombre Lobo Americano en Londres, de verdad sentí un escalofrio.......

jueves, 25 de marzo de 2010

CINE DE AUTOR: DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS

TÍTULO ORIGINAL: Where the Wild Things Are
AÑO: 2009
DURACIÓN: 101 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Spike Jonze
GUIÓN: Spike Jonze, Dave Eggers (Libro: Maurice Sendak)
MÚSICA: Carter Burwell, Karen O
FOTOGRAFÍA: Lance Acord
REPARTO: Max Records, Catherine Keener, Pepita Emmerichs, Mark Ruffalo, Max Pfeifer, Madeleine Greaves, Joshua Jay, Ryan Corr, Steve Mouzakis
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Legendary Pictures / Village Roadshow / Playtone
WEB OFICIAL: http://wherethewildthingsare.warnerbros.com/
PREMIOS 2009: Globos de Oro: Nominada a la mejor BSO
GÉNERO: Fantástico. Aventuras. Drama


Primeramente me gustaría decir que el cine del señor Spike Jonze es bastante peculiar por lo que o terminas por odiarlo o definitivamente lo amas, creo que con éste autor no hay puntos medios. Con apenas dos cintas, Quisiera se John Malkovich (1999) y Adaptación (2002) con guiones de Charlie Kaufman, Jonze se ha convertido en un director a seguir tanto por su habilidad narrativa como por su particular manera de retratar la condición humana.

Ahora con éste nuevo proyecto, Donde Viven los Monstruos, Jonze sin la ayuda de Kaufman, logra una cinta hermosa visualmente, pero sobre todo profunda en su contenido y en ocasiones bastante perturbadora.

Desde la primera escena donde conocemos a nuestro protagonista, el niño Max (Max Records) se nos muestra correteando a su perro por las escaleras de su casa, disfrazado de lobo y gritando con furia, en ese momento podemos ir vislumbrando la personalidad del mismo, creo que ésta escena es importante por que describe de forma indiscutible la psique del ser humano.

Después nos encontraremos con que Max es un niño que se siente solo aun contando con su madre y hermana, sin embargo ambas no le prestan la atención que el quisiera, de hecho no es que el niño no cuente con amor, solo que siente que no es suficiente. Por lo que en ocasiones al sentirse defraudado tiene arranques de ira y se vuelve destructivo.

Cierta noche Max se encuentra en su habitación, su madre (Catherine Keener) tiene la visita de un pretendiente (Mark Ruffalo) y estan a punto de cenar por lo que el joven se siente desplazado (de nuevo se encuentra vestido con su traje de lobo) y en otro ataque de frustración muerde a su madre en el hombro, apenado y enojado escapa de su casa corriendo hasta llegar a una balsa que se encuentra a las orillas de un lago.

En ese momento Max surca las aguas, naufraga por varios días y noches, con lluvia y sol, hasta que una noche encuentra en el horizonte una isla y decide embarcar ahí. En ese momento conoce a unas criaturas extraordinarias, seres antropomorfos como de 2 metros de altura, que hablan y tienen conciencia. Uno de ellos, Carol (James Gandolfini) se encuentra destruyendo árboles, asi como unas especies de madrigueras, en ocasiones usa a sus compañeros para realizar dicha acción. Max observa escondido detrás de los árboles y queda fascinado por el espectáculo.

Momentos después es descubierto y realiza la misma acción que Carol (Gandolfini) con el cual se identifica de inmediato, sin embargo se da cuenta que lo que esta destruyendo son las casas de los demás monstruos, es por eso que uno de ellos llamado Judith (Catherine O'Hara) le reclama su acción y decide comérselo. Max al no saber que hacer en un intento por salvar su vida, les dice que no se lo pueden comer ya que es un Rey y tiene muchos poderes.

Los Monstruos con todo y sus dudas lo aceptan, en ese momento Max tendrá nuevos amigos con los que sin saber, hará un viaje interior a su propio ser, donde podrá o no darse cuenta de muchas cosas sobre si mismo.

Asi es, Jonze nos invita a realizar éste viaje, que por momentos es caótico, en otros violento, pero sin duda alguna no menos emotivo y divertido. Ya que los personajes imaginarios (o no Ud. júzguelo) son representaciones del propio Max, como dicen los que saben de psicología, el niño se conecta con su sombra, su parte oscura pues, esa que todos los seres humanos tenemos y que pocas veces exploramos.

Aquí no hay personajes buenos ni malos, no hay juicios, mucho menos moralejas, solo encontraremos a un ser humano que no sabe como manejar sus carencias emocionales. Por otro lado podemos encontrar una cinta hermosa en su apartado visual, con elementos que la convierten en una obra personal y minimalista. El diseño de los Monstruos es genial, físicamente son agradables a la vista y logran conectar con el presente, técnicamente éstos se perciben tangibles y orgánicos, ya que estan hechos a la vieja escuela (con trajes que cubren a los actores), apoyados por el mínimo uso de CGI para el rostro de los personajes, para que estos puedan transmitir sus emociones.

Además es de agradecer la elección del casting, ya que si el protagonista hubiera sido de esos niños repelentes en cuanto a su performance la cinta no funcionaria, puesto que gran parte de la hitoria recae sobre éste. De hecho la actuación del joven Max es natural y creíble además de que las voces que prestan algunos actores como James Gandolfini, Forest Whitaker o Chris Cooper dotan de personalidad a sus personajes por lo que se vuelven entrañables.

También puedo comentar que la cinta goza de una excelente banda sonora a cargo de Karen O, la cual le da un aire de inocencia a la historia y refuerza algunos momentos de la misma. Asi que no se pierdan esta excelente cinta que nos expone de una manera un tanto naif (aunque si leemos entre líneas no lo sea) aquellos recovecos del ser humano, que la mayoria de las veces no nos atrevemos a explorar por miedo a encontrar, donde viven los
monstruos.


martes, 23 de marzo de 2010

CINE DE AUTOR: W

TÍTULO ORIGINAL W.
AÑO: 2008
DURACIÓN: 131 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Oliver Stone
GUIÓN: Stanley Weiser
MÚSICA: Paul Cantelon
FOTOGRAFÍA: Phedon Papamichael
REPARTO: Josh Brolin, Elizabeth Banks, James Cromwell, Richard Dreyfuss, Thandie Newton, Ellen Burstyn, Jeffrey Wright, Toby Jones, Stacy Keach, Bruce McGill, Ioan Gruffudd, Jesse Bradford, Scott Glenn, Noah Wyle, Jason Ritter, Dennis Boutsikaris
PRODUCTORA: Lionsgate / Ixtlan Corporation / QED International
WEB OFICIAL: http://wthefilm.com/
GÉNERO: Drama Biográfico. Política


Hubo una época cuando Oliver Stone era uno de los directores norteamericanos más proposititos e incisivos en su propuesta, de hecho sus mejores trabajos o los más representativos de su filmografía son aquellos donde cuestiona y analiza la historia de su propio país, pero hay que ser muy puntuales en decir que éstos fueron realizados en una década que abarca desde finales de los 80´s hasta principios del nuevo milenio (2000).

A partir de ese momento Stone ha entregado trabajos menos inspirados o de plano bodrietes como World Trade Center(2006), es por eso que revise con cierta cautela su último trabajo basado en la vida del 43º Presidente de los Estados Unidos, George W. Bush.

Básicamente la historia nos transporta a varios periodos en la vida del mandatario (interpretado de manera espléndida por Josh Brolin) por lo que uno como espectador podría preguntarse ¿para que realizar un filme sobre uno de los presidentes más odiados en la historia norteamericana? y ¿por que no también? de la historia mundial, ya que gracias a los medios de comunicación y toda la información mediática con la que contamos, conocemos los pormenores de la administración Bush asi como sus tropiezos personales y profesionales.

Es por eso que a este cuestionamiento el director norteamericano se adentra en la psique de éste personaje para diseccionar sus motivaciones, temores, amores, etc. y asi dotarlo de humanismo. Sin embargo se antojaba difícil lograr esta misión por la imagen negativa con la que cuenta el personaje, pero gracias al oficio del propio creador puedo mencionar que sale airoso en cuanto al resultado final.

Año 2002, la primera escena que se nos muestra es a un George Bush (Brolin) solitario dentro de un estadio de béisbol vacío, se escuchan multitudes que vitorean su nombre, es por eso que esta imagen ciertamente da la sensación de un ocaso. De ahí saltamos a 1966, conocemos a un George joven con escasos 20 años el cual se encuentra enrolado en la Universidad de Yale.

Desde las novatadas en las que participo para pertenecer a la sociedad de los Skull de Yale, se notaba a un joven desmadroso y emocionalmente inestable, ya que por lo regular se metía en problemas legales de los cuales su padre, (el gobernador de Texas) George Bush padre (James Cromwell) tenía que resolver. Es por eso que éste (Bush padre) nunca le tenía demasiada fe a su hijo, por lo que siempre lo hacia menos y lo trataba como idiota.

Stone revisa los acontecimientos más representativos en la vida de Bush, desde su primer trabajo como obrero en los pozos petroleros, su primera candidatura para representante de distrito en su estado natal, Texas, la cual perdió, su paso por la fuerza aèrea, su trabajo en la campaña a la presidencia de su padre hasta la ascensión del propio Bush (Brolin) también a la presidencia de los Estados Unidos.

Sin embargo para no hacer el relato cansado o plano, Stone emplea varios saltos temporales para narrar su cinta y aunque éste recurso no es del todo original ayuda a que la película se perciba fluida y no se estanque. Por eso el director muestra por momentos la juventud del personaje mezclándolo con instantes donde éste ya es mandatario.

Aquí es donde la cinta levanta ya que Stone escudriña de manera más certera, volviéndose menos tendencioso e imparcial sobre las consecuencias del 11/9 y las acciones del mandatario emprendidas hacia el terrorismo, aunque por momentos no adivinamos si la cinta trata de defender el proceder de Bush. Esto lo comento por que cuando E.U. ataca Afganistán usa el pretexto de que Saddam Hussein cuenta con armas nucleares, según investigaciones de inteligencia de la CIA.

Para más adelante descubrir las verdaderas motivaciones de la Administración y los asesores del propio presidente, las cuales eran apoderarse de los recursos petroleros con los que cuentan los países de Irán e Irak. De hecho en el gabinete se nos muestran seres bastante oscuros y repulsivos que solo quieren el poder, por ejemplo Dick Cheney (Richard Dreyfuss) la mano derecha de Bush.

Asi mismo el mandatario es retratado como un ser manipulable por sus asesores, de hecho por momentos los personajes parecen caricaturas ya que rayan en lo absurdo, aunque creo que es el tono que les quiere dar el realizador convirtiendo la cinta en una sátira sobre la política. Esto trae como consecuencia que sintamos lástima por el personaje de George Bush, quien es solo un monigote en un gran juego de intereses del cual desgraciadamente, lo convierten en gran perdedor. Sin embargo debo admitir que la cinta en algunos pasajes que me causaron bastante risa, de hecho la cinta también cuenta con mucho humor negro.

Por otra parte la cinta también tiene pasajes escabrosos como la escena donde el Presidente es cuestionado sobre como se ve en la historia de los Estados Unidos, a lo que no puede contestar y luce un rostro desencajado. O cuando sus asesores le informan que nunca encontraron armas nucleares en Irak y ya habían derrocado a Hussein, esto solo mostró que el sistema de investigación fallo, todo ambientado en un desayuno, geniales ambas escenas.

Asi mismo no podemos pasar por alto la genial encarnación que realiza Josh Brolin como Bush, de verdad se apodera del personaje y lo carga de humanismo haciendo que el presente en ocasiones logre una identificación con el personaje, el cual a final de cuentas es un ser humano que no tomo las decisiones mas acertadas y que por ende la historia le paso la factura. Además Brolin no esta solo y es apoyado por un gran reparto que incluye a James Cromwell, Richard Dreyfuss, Elizabeth Banks entre otros.

W, es una película solvente, no es el mejor trabajo de su realizador sin embargo conserva algunos elementos que recuerdan al Stone incendiario de antaño, aunque aquí se muestre más contenido. Tecnicamente la cinta esta bien y su puesta en escena es correcta. ¿El final? De nuevo vemos a Bush (Brolin) en la cancha de béisbol, solo, con la diferencia de que ninguna multitud vitorea su nombre. Como decía John Lennon en una de sus canciones, the dream is over.

lunes, 22 de marzo de 2010

CINE TERROR: SANGRE INOCENTE

TÍTULO ORIGINAL: Innocent Blood
AÑO: 1992
DURACIÓN: 112 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: John Landis
GUIÓN: Michael Wolk
MÚSICA: Ira Newborn
FOTOGRAFÍA: Mac Ahlberg
REPARTO: Anne Parillaud, Robert Loggia, Anthony LaPaglia, Don Rickles, Tom Savini
PRODUCTORA: Lee Rich Productions
GÉNERO: Terror Vampiros


Sangre Inocente es un extraño pero no menos interesante pastiche de géneros ya que mezcla dos mundos el gansteril y el de vampiros. De hecho la cinta arranca de manera genial con una secuencia aérea que nos muestra a la ciudad de New York de noche para situarnos en el bajo mundo donde habitan otra clase de vampiros, los mafiosos de descendencia italiana.

Asi es, John Landis con éste arranque por momentos emula al notable Martin Scorsese y ese universo que el director ítaloamericano conoce también, de hecho Landis logra crear un ambiente bastante sórdido en cuanto a atmósferas y situaciones se refiere.

La historia se desarrolla cuando un gángster de poca monta es llevado ante Sallie “The Shark” Macelli (Robert Loggia), uno de los grandes capos que controlan la cuidad y que es investigado por la policía. Este ladronzuelo es descubierto haciendo negocios por su cuenta, por lo que Sallie (Loggia) le da un escarmiento y lo pone como ejemplo para que nadie se quiera pasar de listo con el, ¿cómo lo castiga? le azota un horno de microondas en la cara en varios ocasiones, realmente brutal. Para luego despachárselo con un tiro en la cabeza. Por eso comentaba la similitud que Landis tiene con el maestro Scorsese por momentos.

Sin embargo dentro de los presentes, todos mafiosos se encuentra un agente incubierto, Joe Gennaro (Anthony LaPaglia) quien lleva años investigando a Sallie para preparar evidencia y asi poder encerrar a éste. Sin embargo por el tiempo que lleva como infiltrado se ha hecho confiable, incluso logra una amistad con Tony (Chazz Palminteri) hombre importante en la organización criminal.

En otro punto de la ciudad conocemos a una chica, Marie (Anne Parillaud) un vampiro que ronda las noches para poder alimentarse, pero por azares del destino se cruza con Tony (Palminteri) y Gennaro (LaPlagia) este último le parece una persona agradable por lo cual lo descarta para su cena, empero Tony por su descortesía es elegido para saciar sus necesidades gustativas.

Esta es otra escena realmente genial en cuanto a la narrativa ya que el terror, asi como la aplicación de suspense estan bien manejados, todo apoyado en buenos Fxs y gore empleados, incluida una banda sonora a cargo de Frank Sinatra.

Pero donde la trama realmente despega es cuando Marie (Parillaud) conoce a Macelli (Loggia) y en su intento por aniquilarlo falla lo que trae como resultado que “El Tiburón” Macelli se convierta en vampiro, imaginen esa combinación un chupa sangre gángster, es hilarante.

Asi que la misión de nuestro héroe, el detective Gennaro (LaPlagia) que además es descubierto por la mafia y quieren su cabeza, es detener a Macelli, pero por suerte Marie como se siente responsable por haber convertido al mafioso en vampiro le ayudará en esta difícil misión.

Como percibirán la cinta desde su arranque nunca decae gracias al extravagante guión y una acertada dirección, además que ésta se encuentra plagada de humor negro, así como situaciones políticamente incorrectas que hacen del film un producto disfrutable e inteligente.

De hecho la cinta me pareció adelantada a su epoca y me da la impresión que pudo haber influenciado a la novela gráfica The Darkness surgida a finales de los 90´s ya que conservan similitudes en algunos puntos argumentales.

Asi mismo se nota que Landis es un conocedor y amante del género, lo podemos constatar con los pequeños homenajes que hace dentro del film con pequeños segmentos de cintas clásicas, por ahí deambulan Bela Lugosi y Christopher Lee como grandes exponentes vampíricos, hasta Sam Raimi y Frank OZ tienen cameos, toda una gozada para los amantes del cine de horror.

No por nada John Landis ha realizado uno de los grandes clásicos contemporáneos del cine de terror, Un Hombre Lobo Americano en Londres de 1981, que desde mi humilde punto de vista es su mejor obra, asi como el video musical que realizo para Michael Jackson, Thriller de 1983.

Por otra parte el film esta equilibrado entre comedia y horror, de hecho las apariciones de los vampiros y sus ataques de verdad inquietan y causan miedo, todo gracias a una buena caracterización de los mismos, esto nos indica que cuando hay talento se pueden hacer cosas creíbles, aquí con un buen maquillaje y unos Fxs cuidaditos se logra más que con los CGI muy de moda en la actualidad.

Asimismo como buena cinta de vampiros no podían faltar buenas dosis de erotismo, estas corren a cargo de la pareja conformada por Anne Parillaud y Anthony LaPaglia en una escena que está para levantar muertos, jajaja.

Como he mencionado la cinta funciona gracias al trabajo detrás de cámaras de Landis, sin embargo esta eleva su calidad gracias a sus actores principales, por ejemplo Robert Loggia como el capo de la mafia esta genial ya que logra transmitir la mala leche de su personaje, asi como perversidad pero con pequeñas dosis de humor.

La Parillaud esta más que bien en su rol de vampira atormentada y sexual, gracias a Dios la actriz no es una ñoña que se escame al realizar varios desnudos en la cinta. Anthony LaPlagia cumple con su rol de héroe y se percibe natural en este, también encontraremos a Chazz Palminteri en un pequeño papel pero que le pone sabor a la cinta ya que éste es habitual en cintas de corte gansteril.

Asi que en términos generales la cinta es un buen título de vampiros ya que por sus elementos logra ser una propuesta sólida. Sangre Inocente es de esas cintas que ya no se hacen en la actualidad y que por su propuesta plástica hacen añorar (por lo menos a un servidor) viejos tiempos, ojalá esas cintas de seudo vampiros para chavales con la hormona desatada (para no andarme con rodeos, la saga Crepúsculo) le aprendieran a cintas como ésta que se deja de tantas chaquetas mentales y se despoja de cursilerías.

jueves, 18 de marzo de 2010

THRILLER: AL FILO DE LA OSCURIDAD

TÍTULO ORIGINAL: Edge of Darkness
AÑO: 2010
DURACIÓN: 117 min.
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: Martin Campbell
GUIÓN: William Monahan
MÚSICA: John Corigliano
FOTOGRAFÍA: Phil Meheux
REPARTO: Mel Gibson, Ray Winstone, Bojana Novakovic, Danny Huston, Shawn Roberts
PRODUCTORA Warner Bros. Pictures / GK Films
GÉNERO Thriller. Intriga

Al Filo de la Oscuridad representa el regreso frente a cámaras de Mel Gibson tras siete años de ausencia, su última actuación la dio en una cinta bastante divertida y poco convencional, donde prácticamente realizaba un cameo pero mostraba su vis cómica al lado de Robert Downey Jr. en el Detective Cantante (Keith Gordon. 2003).

Aquí la incógnita que surge después de ver el resultado de este film es ¿de verdad necesitábamos a Gibson en otro thriller policiaco? Probablemente el actor/director australiano ya se encontraba aburrido por lo que decidió protagonizar éste título, el problema es que primeramente el argumento del film no sorprende ya que no es muy original y si a eso añadimos que Martin Campbell filma su trabajo con demasiada monotonía, tenemos como resultado una cinta aburrida.

Pero comencemos, la historia nos sitúa en Boston, ahí conocemos a Thomas Craven (Mel Gibson) un ex detective que se encuentra viviendo su vida a gusto, cierto día (lluvioso como en los policíacos) va a recoger a su hija a la estación del tren ya que ésta lo va a visitar.

Asi ambos van a la casa de éste (Gibson) para ponerse al corriente, sin embargo éste nota algo extraño con su hija ya que la ve vomitando en dos ocasiones, cuando la chica de verdad se siente mal le pide a su padre que la lleve al hospital y le contará en que está metida, pero cuando estan por salir de la casa, afuera solo se oye que gritan ¡CRAVEN! y con una escopeta asesinan a la chica frente a los ojos de su padre.

Debo admitir que en este punto de la cinta ésta pintaba bien, claro con todo y que el argumento ya está visto hasta el cansancio, además que el asesinato de la hija de Mel es mostrado con brutalidad y con realismo. Es por eso que uno piensa que la cinta tomará el rumbo como los títulos setenteros sobre venganzas.

Primeramente pasó por mi mente ver a Mel Gibson desquiciado, rompiendo cráneos, investigando y recavando pistas para encontrar a los autores materiales del asesinato de su hija, al fin y al cabo estos papeles le vienen como anillo al dedo al histrión.

Sin embargo fue solo un sueño calenturiento de un servidor que mamo mucho cine de acción en la década de los noventas y finales de los ochenta, ya que aquí el personaje que interpreta Gibson no se presenta tan rudo. De hecho es comprensible por la edad del histrión el cual ya rebasa los cincuenta años, pero uno pensaría si Bruce Willis con todo y sus limitaciones físicas logro entretener con su Die Hard 4.0, ¿por que Mel “Riggs” Gibson no?

Bueno pasando por alto este detalle, la trama se va transformando como un thriller de intrigas políticas, donde hay personajes poderosos del gobierno americano, compañías que fabrican armas químicas, y el ya gastado tema de la seguridad nacional que se pone en peligro la red de corrupción si Craven (Gibson) sigue investigando más sobre el verdadero motivo de la ejecución de su hija.

Pero siento decir que todo es una simple artimaña para distraer al espectador de la simpleza de la historia, y que además viene a lastrar el relato, puesto que ésta se vuelve cansino y aburrido, de hecho revise la cinta dos veces para ser más objetivo pero no, no funciona.

Asi es amigos la cinta falla en su discurso acerca de denunciar a las grandes corporaciones y los turbios manejos con algunos personajes de la política, y lo que es peor falla estrepitosamente como producto de mero entretenimiento, puesto que aunque hay escenas de acción, éstas son pocas y casi metidas con calzador. Eso si estan bien filmadas y gozan de crudeza y gore.

Asi mismo la edición de la cinta es extraña, da la impresión de que falto metraje ya que quedan muchos cabos sueltos sin resolver. Ahora bien lo que no puedo entender como es que el Sr. Martin Campbell es capaz de filmar una solvente cinta de acción como fue Casino Royal (2006) y luego entrega esta flojísima cinta, más cercana a una serie B.

De hecho la cinta la pudo haber filmado cualquier hijo de vecino como Ron Howard, esto lo comento por que al trabajo le falta personalidad.

Mel Gibson se percibe natural en su interpretación pero extrañamente falto de carisma y bastante hosco, claro no es Clint Eastwood pero su personaje no engancha, de hecho le roba la función el siempre solvente Ray Winston con su sórdido personaje, hasta tiene mejores diálogos.

Asi que si no quieren perder el tiempo viendo una pobre cinta, eviten Al Filo de la Oscuridad la cual no aporta nada al género y además representa un flojo regreso del Sr. Gibson a la gran pantalla. Lo siento Mel suerte para la próxima.