CINE DE ACCIÓN: ZONA DE MIEDO

TÍTULO ORIGINAL: The Hurt Locker
AÑO: 2008
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Kathryn Bigelow
GUIÓN: Mark Boal
MÚSICA: Marco Beltrami, Buck Sanders
FOTOGRAFÍA: Barry Ackroyd
REPARTO: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Guy Pearce, Ralph Fiennes, David Morse, Christian Camargo, Evangeline Lilly
PRODUCTORA: Summit Entertainment / First Light Production / Kingsgate Films
WEB OFICIAL: http://thehurtlocker-movie.com/
GÉNERO: Bélico. Acción. Thriller. Cine independiente.

Lo se, ya ha pasado algo de tiempo desde la última entrega de los Oscares, sin embargo no había tenido la oportunidad de expresar mis impresiones acerca de la película ganadora de tan ¿preciado? premio. Así mismo creo que es buena oportunidad para hablar de ésta, ya que hace poco surgieron unos comentarios bastante polémicos por parte de Sigourney Weaver, donde la actriz expresaba que a Zona de Miedo y su creadora Kathryn Bigelow le habían otorgado la mentada estatuilla por tener senos, dejando a un lado la parte meramente profesional de su realizadora, por lo que se trato de algo 100% sexista según Weaver.

Desde mi punto de vista me parece hasta cierto punto estúpido que alguien de la trayectoria de Weaver, que aclaro no me parece mala actríz, haga este tipo de declaraciones, aunque se comprende, ya que Cameron de algún modo es su patrón y ni modo de darle patadas al pesebre ¿no?

Sin embargo como ya analice en su momento, Avatar no funcionaba por varias razones, sobre todo a nivel argumental, que con todo y sus fastuosos efectos especiales no pueden ocultar dichas carencias, pero bueno es donde surge la incógnita ¿es mejor cinta Zona de Miedo?, ¿merecía el oscar? Trataré de contestar estas preguntas.

Zona de Miedo abre con una cita donde ya de entrada se deja claro la intención de la película, esta dice más o menos así: “La guerra es una droga”, así pasamos a una escena donde un escuadrón antibombas del ejército norteamericano, trabaja en una misión tratando de desactivar un supuesto artefacto explosivo que se encuentra en una de tantas calles desérticas de Irak.

En esos momentos conocemos al Sargento Sanborn (Anthony Mackie), que através de un robot a control remoto se acerca a la bomba para desarmarla, empero no se puede con dicho artefacto por lo que el Sargento Thompson (Guy Pearce) decide desarmar la bomba personalmente. Por tal motivo se pone el traje para protegerse y comienza a acercarse al objeto, mientras los otros miembros del equipo lo cubren ya que aunque el área ha sido acordonada, los curiosos (ciudadanos iraníes) pueden ser una amenaza en cualquier momento.

Thompson (Pierce) llega al objeto y cuando está a punto de desarmarla, otro miembro del escuadrón ve a lo lejos a un tipo con un celular, lo que significa que puede ser un sospechoso que puede detonar la bomba a control remoto.

Por tal motivo le avisan a Thompson que salga del lugar ya que corre peligro, momentos después la bomba explota y mata al Sargento, creando además daños en un radio de 30 metros. Acto seguido, en las instalaciones de la base militar norteamericana, Sanborn (Mackie) recibe los objetos personales del fallecido, el rostro del primero denota impotencia y dolor, sin embargo unos días después un nuevo miembro llega al equipo, es el Sargento Willimas James (Jeremy Renner) quien ahora tomará el lugar del fallecido Thompson.

En su primera misión James (Renner) muestra ser un tipo que no le teme a la muerte, de hecho no sigue reglas ni los protocolos, aunque por momentos arriesga a todo el equipo ( o por lo menos los pone más tensos de los habitual). Por tal motivo en un principio no se lleva bien con Sanborn ni Eldridge (Brian Geraghty), quienes solo tienen que estar en territorio hostil desarmando bombas por un periodo de 30 días, pero que gracias al recién llegado, cada día transcurrido es de vida o muerte.

En si, éste es el argumento de la cinta, la cual sigue y sobre todo muestra la vida de tres soldados que tienen que sobrevivir desarmando bombas durante un mes, sin perecer en el intento, pero lo interesante del asunto es que Bigelow, se centra por completo en la psicología de los personajes para explorar como afecta a estos la guerra.

Así mismo considero como otro acierto que la directora no se centre en dar un punto de vista particular sobre la guerra de Irak ya que no tendría caso por ser un tema ya bastante manido, por tal motivo solo expone de manera fehaciente la situación, sin etiquetar malos ni buenos y solo muestra situaciones, de hecho los personajes principales gozan de una moral bastante ambigua, no son perfectos, pero por tal motivo son humanizados.

Es por eso que lo verdaderamente importante en la cinta es la sobrevivencia, ese es el verdadero tema, por tal motivo podemos ir percibiendo como James, Sanborn y Eldridge, se van quebrando emocionalmente cada día.

Sin embargo como también se ha explorado ya en otras cintas, en Zona de Miedo se muestra la locura que produce a guerra, esta recae sobre James (Renner), el personaje principal y el más interesante de todos, este tipo necesita el peligro como una droga, sin el no puede funcionar como ser humano, sin ésta no tiene motivaciones en la vida (basta con ver la escena donde James ha regresado a casa con su esposa e hijo y le confiesa al pequeño de escasos meses, que lo que realmente más ama en la vida es estar en combate), la escena es genial y a la vez que perturbadora.


Por otra parte la cinta cuenta con grandes secuencias de acción, donde Bigelow vuelve a demostrar que sabe como montar éstas y dota de tensión las mismas, gracias también a su apartado de sonido, el cual vuelve al film más realista.

De hecho aunque la acción es uno de los puntos fuertes de la cinta, hay pequeñas escenas más calmadas que son muy importantes en el desarrollo de la historia, donde se escudriña de nuevo las psicosis por la que pasan los soldados americanos, a los cuales probablemente les importe un carajo ganar la guerra y lo único que desean es regresar a casa, además intervienen personajes secundarios que refuerzan el verdadero mensaje del relato, por ejemplo David Morse o Ralph Fiennes, representando a otros fenómenos que necesitan la guerra para subsistir.

Mención aparte merece Jeremy Renner como el desequilibrado Sargento James, el actor humaniza a través de su performance a su personaje, mostrandose contenido y creíble. Asi mismo el personaje goza de un humor bastante negro, el cual se produce en situaciones bastante absurdas, demostrando una vez más lo estúpidas que son las guerras.


Así que ¿Zona de Miedo merecía el Oscar? en comparación con la cinta de Cameron creo que si, por lo menos la cinta de Bigelow se percibe más honesta en cuanto a sus pretensiones finales, sus escaso presupuesto de 15 millones de dólares no se nota cuando uno ve el producto final, puesto que éste tiene buena factura.

Así mismo los pocos efectos especiales con los que cuenta la cinta están a merced de la historia y no al contrario. Tal vez la cinta de Bigelow no sea la octava maravilla, pero en estos tiempos sinuosos se agradece que se cuenten historias interesantes sobre a condición humana, desgraciadamente Zona de Miedo no ha sido tan vista como Avatar, producto meramente mercantilista de consumo masivo, que se escuda en una seudo filosofía pro ecologista y miles de millones de fotogramas azulosos en tercera dimensión, que eso si, cautivo a millones de incautos.

CINE DE AUTOR: SIMPATÍA POR EL SEÑOR VENGANZA

TÍTULO ORIGINAL: Boksuneun naui geot (Sympathy For Mr. Vengeance)
AÑO: 2002
DURACIÓN: 129 min.
PAÍS: KOREA
DIRECTOR: Park Chan-wook
GUIÓN: Park Chan-wook, Jae-sun Lee, Mu-yeong Lee, Yong-jong Lee
MÚSICA:
FOTOGRAFÍA: Byeong-il Kim
REPARTO Kang-ho Song, Ha-kyun Shin, Du-na Bae, Ji-Eun Lim, Bo-bae Han, Se-dong Kim, Dae-yeon Lee
PRODUCTORA:Tarantula Films
GÉNERO Y CRÍTICA:Thriller


Señoras y señores aquí les traigo otra muestra de buen cine a manos de uno de los realizadores más macizos de oriente, el señor Park Chan Wook, con éste tercer film en su carrera demuestra ser un maestro a la hora de contar historias.

Dice el propio Park que cuando buscó financiamiento para rodar Simpatía por el Señor Venganza nadie quería apoyarlo, y no es de extrañar que los productores le teman en invertir en filmes arriesgados y proposititos como es el caso, ya que la mayoría de las veces no entienden el producto final. Pero gracias a su anterior film Zona de Seguridad (2000) cinta más amena en su mensaje final, el director coreano logra materializar esta estupenda cinta.

Simpatía por el Señor Venganza, expone el tema de la venganza como su nombre lo indica, pero no solo se queda en el aspecto meramente expositivo como otras cintas como Taken (Pierre Morel, 2008) o Death Wish (Michael Winner, 1978) por mencionar algunos ejemplos, que aunque son entretenidas no profundizan en el tema. Es por ese motivo que Park Chan Wook, gracias a la elaboración de un guión cuidadísimo, además de mostrar, analiza los aspectos éticos, morales, sociales y hasta culturales de tomar la justicia por propia mano.

La cinta nos cuenta la historia de Ryu (Ha-kyun Shin) un obrero sordo mudo que trabaja en la industria de la metalurgia. Ryu no gana mucho dinero, además de contar con una hermana enferma del riñón, motivo por el cual necesita un transplante de urgencia para seguir con vida. Sin embargo además de no contar con un donador, también necesita suficiente dinero para realizar la operación, para colmo de males cierto día Ryu es despedido de su trabajo por recorte de personal, por tal motivo recibe su liquidación.

Los días pasan y la hermana de Ryu cada vez se pone peor, los dolores aumentan de intensidad, es por eso que el joven decide contactarse con unos mafiosos que trafican con órganos para que le consigan un riñón. Total que Ryu llega a la cita, entrega el dinero de su liquidación, pero las personas que le prometen el órgano humano lo sedan. Acto seguido Ryu despierta y no encuentra a nadie, ni el dinero y lo que es peor es que a sido victima de una operación clandestina donde le han extraído su propio riñón, ahora Ryu no tiene nada.

Pero por azares del destino, la vida le juega una broma macabra al joven, del hospital le comunican que ya hay un donador para su hermana, solo necesita el dinero para la operación. Ryu en su desesperación le platica a su novia Cha Yeong-mi (Doona Bae) una activista política, la situación por la que pasa, empero a la chica se le ocurre una idea, secuestrar a la hija del ex patrón de Ryu, para conseguir los recursos de la operación.

Por tal motivo Ryu y Cha secuestran a la niña, de hecho no la maltratan y la llevan a vivir a la casa del joven sordo mudo. Este no le cuenta nada a su hermana sobre el motivo por el cual vive la niña con ellos, es por eso que ésta no sospecha nada y convive con la pequeña. Por otra parte Ryu y su novia planean cobrar el rescate, que de hecho sale bien.

Pero a mitad del relato, de manera magistral la historia cambia de rumbo, ya que algunos eventos como el descubrimiento del secuestro por parte de la hermana de Ryu, provocan que ésta se suicide, razón por la cual el pago del rescate no sirva de nada y peor aún, un accidente provoca la muerte de la pequeña trayendo como consecuencia una cadena de sed de venganza por parte del padre de la menor, Park (Kang-ho Song) y también de Ryu quien busca cobrarselas a los traficantes de órganos.

Como comentaba la cinta es genial gracias a su guión, el cual no tiene fisuras por ningún lado, de hecho se puede percibir como ésta se divide en dos partes, la primera se toma todo el tiempo para presentar y explorar las motivaciones de Ryu y su novia provocando en el presente una identificación con ellos, por tal motivo sus acciones aunque no son del todo correctas no los convierte en villanos, si no en seres desesperados ante una situación extrema, la cual al final se les sale de las manos.

La segunda parte da un giro inesperado (pero coherente) para exponer la otra cara de la moneda, ya que los victimarios también son victimas (el personaje de Ryu y Park el padre que ha perdido a su hija) y sin nada que perder buscan la venganza para mitigar su dolor. Genial el dialogo que sostiene Park con Ryu, cuando el primero le explica por que debe matarlo aun sabiendo que Ryu no es una persona mala.

Asi mismo el relato cobra mayor fuerza gracias a su aspecto visual, el cual goza de preciosismo por su paleta cromática con tonos verdosos y ocres, asi como unas tomas y encuadres bastante cuidados, los cuales tienen una exquisita composición.

Por otra parte, la violencia expuesta es dura y cruenta (ejemplos claros, cuando Ryu se despacha a los traficantes con un bate de béisbol o los métodos que utiliza Park para hacer confesar a Cha, para saber el paradero de su novio, son claras muestras de ello) pero nunca son gratuitas, de hecho me atrevo a decir que aquí la violencia se torna hasta poética.

El mensaje de la cinta es duro tanto como directo, sin discursos manidos, sin lecciones, y aunque también goza de humor, ésta lleva consigo una pizca de mordacidad, ahí tenemos la escena donde un grupo de cinco jóvenes vecinos de Ryu, se masturban en una cama, en un cuarto bastante pequeño. La escena en un principio puede causar risa por lo inverosímil del cuadro, pero también nos muestra de manera fehaciente las condiciones tan deplorables como viven algunos ciudadanos marginados.

Los actores estan correctos en sus personajes y aunque éstos parecen ser bastante inexpresivos a nivel físico, es tangible como evolucionan emocionalmente en sus motivaciones conforme avanza la historia.

Por último solo me queda recomendar ésta obra maestra, que nos invita a realizar un viaje a los rincones más sórdidos y lúgubres del ser humano, exponiendo esa deshumanización que paradójicamente nos caracteriza como hombres.

CINE DE AUTOR: FANTÁSTICO SEÑOR ZORRO

TÍTULO ORIGINAL: Fantastic Mr. Fox
AÑO: 2009
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Wes Anderson
GUIÓN: Wes Anderson, Noah Baumbach (Novela: Roald Dahl)
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA: Tristan Oliver
REPARTO: George Clooney, Meryl Streep, Bill Murray, Jason Schwartzman, Owen Wilson.
PRODUCTORA: American Empirical Pictures / Blue Sky Studios / Indian Paintbrush / Twentieth Century Fox Animation / Twentieth Century-Fox Film Corporation
WEB OFICIAL: http://www.fantasticmrfoxmovie.com/


Sobresaliente cinta que ha realizado el señor Anderson, puesto que cuando escuche sobre la producción del Fantástico Señor Zorro y me enteré que la cinta era de animación quede un poco confundido.

Si bien, en las diferentes obras que ha ejecutado el oriundo de Texas ha demostrado gran imaginación, solo basta con recordar el diseño del barco el cual comandaba el genial Steve Zissou (Bill Murray) en aquella mítica comedia llamada Vida Acuática (2004) para dar muestra de esto, no podía imaginar una cinta completa con estos elementos, de hecho más que dudar de la capacidad de Anderson como realizador sentía curiosidad y puedo decir que el resultado final es una delicia tanto de fondo como de forma.

La cinta nos cuenta las andanzas de un Zorro (George Clooney) que por su propia naturaleza se dedica a robar palomas y gallinas de los granjeros que se encuentran en las inmediaciones del bosque. Cierto día lleva a su novia la señora zorro (Meryl Streep) a robar, pero las cosas salen mal y son capturados, el señor zorro (Clooney) le promete a su novia que si salen vivos de ésta, jamás volverá a robar.

Acto seguido se nos muestra al señor Zorro, ahora vive en su árbol con su actual esposa la señora zorra, han pasado 2 años (en años zorros son 12) y ya tienen un hijo, Ash (Jason Schwartzman). El Señor Zorro tiene un trabajo como columnista en un periódico, tiene una casa en un árbol y una linda esposa, sin embargo no se siente realizado por lo que añora aquellos años donde vivía con peligro robándole a los granjeros.

Por otra parte Ash (Schwartzman) en un zorro introvertido, la mayor parte del tiempo busca la aprobación de su padre, ya que éste último lo percibe como “raro”, ya que el joven Ash no es muy bueno en algunos apartados como el deporte u otras cosas. Además cierto día llega de visita un sobrino del Zorro que es inteligente y atlético por lo que Ash se siente peor.

Con todo éste panorama el señor Zorro decide volver a las andadas, por tal motivo compra una casa (árbol) cerca de las tres principales fabricas que se dedican a proveer de alimentos, desde luego le dice a su esposa que el cambio de residencia es para mejorar su situación económica para que ésta no sospeche. Los dueños de dichas empresas son Walter Boggies (Robin Hurlstone) criador de gallinas, Bunce (Hugo Guinness) criador de patos y Franklin Bean (Michael Gambon) dueño de una productora de licores de manzana.

Por tal motivo el señor Zorro une fuerzas con Badger (Bill Murray) una zarigüeya un tanto torpe que arregla las instalaciones hidráulicas de las casas y que como característica principal tiene que se desconecta del presente en algunos momentos difíciles (jajajaja). Y asi comienzan los desmanes por parte de éste par(que luego se vuelve trío), los cuales de noche salen a saquear dichas granjas, ataviados con unas máscaras de ladrón (jajaja).

Pero lo que no sabe el zorro es que con éstas acciones pondrán en peligro a su comunidad, puesto que los granjeros ahora ya no van a solapar las gracias de éste último, por tal motivo harán todo lo posible por capturar y aniquilar al zorro.

Asi es como Wes Anderson compone una sencilla pero inteligente historia, logrando un producto exquisito a nivel visual y narrativo, ya que dentro de tan infantil propuesta su discurso es hasta cierto punto incendiario (al menos desde mi particular visión note una denuncia hacia el capitalismo desmedido). Empero dejando fuera tal mensaje, la cinta funciona como un entretenimiento sólido, sin mensajitos manidos y mucho menos moralejas facilotas.

Por otra parte el montaje (como el uso de excelentes maquetas) el diseño de personajes, la fotografía y la animación en stop motion, (que tan bien dominaba el maestro Ray Harryhausen y que gracias a Dios no han dejado morir los Estudios Aardman ni el señor Burton) son una delicia, de hecho es de agradecer que Anderson no haya sucumbido hacia lo que esta de moda, el uso desmedido del CGI, razón por la cual su cinta se percibe más orgánica y tangible a nivel sensorial.

Mención aparte merece el estupendo casting que pone las voces a tan disfuncionales y divertidos personajes, comenzando por George Clooney, que gracias a su versatilidad dota de desenfado a su personaje, Meryl Streep está genial como la esposa del zorro aportando sobriedad y porte a este, Schwartzman es Schwartzman aun siendo una marioneta (de Schwartzman la mayoría de las veces he tenido la sensación que no actúa y siempre es el mismo, aquí pasa lo mismo con su Ash, jajajaja).

Pero los que se llevan la función, al menos un servidor asi lo percibió, son Bill Murray como Badger, el actor compone un personaje melancólico, torpe, pero sobre todo divertido y no menos entrañable, de esos que Murray domina hasta dormido. El otro es Willem Dafoe como la rata, el actor está genial y pasado de rosca, además de que por ahí también encontramos a otro actor fetiche de Anderson prestando voz, Owen Wilson.

Por tal motivo no deben perderse Fantástico Señor Zorro, película que no le pide nada a los productos que realiza la Pixar, ya que puede gustar tanto a chicos como a grandes, ya que además contiene ese rico abanico psicológico muy característicos en los personajes que tanto le gustan al director norteamericano. Y como cereza en el pastel, el film cuenta con un humor bastante ácido marca registrada del señor Anderson y una exquisita banda sonora.

CINE DE AUTOR: LOS ABRAZOS ROTOS

TÍTULO ORIGINAL: Los abrazos rotos
AÑO: 2009
DURACIÓN: 125 min.
PAÍS:ESPAÑA
DIRECTOR: Pedro Almodóvar
GUIÓN: Pedro Almodóvar
MÚSICA: Alberto Iglesias
FOTOGRAFÍA: Rodrigo Prieto
REPARTO: Penélope Cruz, Lluís Homar, Blanca Portillo, José Luis Gómez, Rubén Ochandiano, Tamar Novas, Ángela Molina, Chus Lampreave, Kiti Manver, Lola Dueñas, Mariola Fuentes, Carmen Machi, Kira Miró, Rossy de Palma, Alejo Sauras, Dani Martín, Carlos Leal, Asier Etxeandía
PRODUCTORA: El Deseo S.A.
WEB OFICIAL: http://www.losabrazosrotos.com/
GÉNERO: Drama. Romance Melodrama.


El cine del señor Almodóvar siempre me ha parecido propositivo tanto como emotivo, dentro de sus sencillas pero no menos interesantes historias encontramos por lo regular personajes lacerados física o emocional mente, éstos son el motor de sus historias, las cuales gozan de ese toque único que solo el director manchego les sabe dotar.

En Los Abrazos Rotos no es la excepción, aunque al igual que en otras producciones, Almodóvar impregna el film de misterio, amor, drama, sensualidad y un toque de comedia. La cinta nos cuenta la vida de Mateo Blanco (Lluis Homar) un director cinematográfico, que dirigió infinidad de cintas allá por los años noventas, sin embargo por un accidente pierde la vista, por tal motivo ya no puede realizar su labor detrás de cámaras.

Sin embargo decide proseguir con su carrera como guionista, por lo que cambia de nombre, ahora se hace llamar Harry Caine. La personalidad de Harry (Homar) es la de un tipo desenfadado y culto, su ceguera no lo limita a vivir como le plazca. Pero cierto día cuando se entera a través de un periódico que un importante empresario llamado Ernesto Martel (José Luis Gómez) ha muerto, la noticia logra perturbar a Harry.

De hecho no entendemos el por que de esto, por alguna razón que no conocemos estos tenían una conexión, motivo por el cual damos un salto en el tiempo casi 20 años atrás para conocer a Lena (Penélope Cruz) la asistente de Martel (Gómez), la mujer pasa por un momento difícil en su vida puesto que su padre se encuentra moribundo pues sufre de cáncer.

Lena (Cruz) además de tener el trabajo administrativo en ocasiones actúa, por tal motivo cuando se convierte en la mujer de Martel, este último le produce una película donde Lena es la actriz principal y el director es Mateo (Homar).

Desgraciadamente para Martel, Lena se enamora de Mateo por lo que se produce un apasionante triángulo amoroso, donde la traición, la venganza y el resentimiento son los ejes de la historia.

Almodóvar vuelve a demostrar ese gran amor que tiene por el cine, y Los Abrazos Rotos no es la excepción ya que el autor inserta algunos elementos que convierten a la cinta en metacine, como ya lo hiciera en menor medida con su trabajo Hablé con Ella (2002). Esto lo menciono por que las intenciones del autor son bastantes claras en cuanto a su postura sobre el quehacer cinematográfico, no es coincidencia que sus personajes principales provengan de éste medio.

Asi mismo, el desarrollo de la trama con sus diversas aristas y personajes se entrelazan de tal forma que la historia va in crescendo, para desembocar en el descubrimiento de varios secretos que guardan algunos de los personajes.

Por éste motivo la cinta goza de buen ritmo y la utilización de los saltos temporales que en un principio se pueden percibir un tanto confusos, a medida que la trama avanza, sirven para dar forma a este emotivo e interesante puzzle.

De igual forma como ya es costumbre en los trabajos del director español, la puesta en escena, asi como la fotografía (excelente por cierto) de Rodrigo Prieto, juegan un papel importante en la historia, no podría imaginar una cinta de Almodóvar sin sus colores vibrantes, ni su churrigueresca escenografía.

Por otra parte, como mencionaba en un inicio, los personajes gozan de profundidad en cuanto a sus motivaciones, estos se transforman, crecen, por lo que no son simples marionetas, igualmente éstos no gozarían de humanidad si no fuera por el acertado casting. Primeramente tenemos a la nueva “chica Almodóvar” Penélope Cruz, que como hiciera en Volver (2006) entrega una correcta actuación, lo que demuestra que entre más alejada de Hollywood se encuentre, mejor desempeño como actriz demuestra, además que su papeles no son tan desgraciados.

Los que secundan a la Cruz estan al mismo nivel de ella, aunque resaltaría la labor de Lluis Homar ya que el personaje que interpreta es uno de los más complejos. Lo único que podría reprochar un poco del film es que algunos personajes los percibí como meros distractores para dotar a esta de más intriga, asi como su resolución que se siente un poco tardía.

Sin embargo todos los elementos mencionados con anterioridad hacen de Los Abrazos Rotos un excelente film, el cual dicho sea de paso contiene las manías, debilidades y gustos del director, convirtiendo su obra en un lenguaje cinematográfico con un sello muy característico, pero no autocomplaciente.

Asi que no se pierdan Los Abrazos Rotos, cinta que propone y plantea una historia de amor madura y llena de matíces, al mismo tiempo que se despoja de dramatismos chapuceros, logrando que al que ésto escribe le haya gustado.

ASESINO NINJA

TÍTULO ORIGINAL: Ninja Assassin
AÑO: 2009
DURACIÓN 99 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: James McTeigue
GUIÓN: Matthew Sand, J. Michael Straczynski
MÚSICA: Ilan Eshkeri
FOTOGRAFÍA: Karl Walter Lindenlaub
REPARTO: Rain, Naomie Harris, Rick Yune, Ben Miles, Shô Kosugi, Togo Igawa, Numan Acar, Richard van Weyden
PRODUCTORA: Dark Castle Entertainment
GÉNERO: Acción Artes marciales. Gore


El cine de Ninjas fue bastante prolífico allá por los años ochentas, sus características como tal eran, malos guiones, muchas de las ocasiones coreografías y escenarios cutres, violencia y sexo gratuito, asi como actores de segunda como Michael Dudikoff quien protagonizó infinidad de estos subproductos siendo el titulo más famoso en su filmografía, El Ninja Americano (Sam Firstenberg, 1985), aunque como dato curioso Dudikoff nunca llego a dominar las artes marciales, ni las histriónicas (jajajaja), es por eso que la mayoria de estos filmes entran en la categoría de serie B.

Aunque debo aceptar que estos truños cinematográficos eran divertidos por su jocosa ejecución, todavía recuerdo al mentado Ninja Americano (Dudikoff) tratando de acertar alguna patada a los ninjas malos (jajaja) que además los diferenciabas por que sus vestimentas eran rojas, azules, moradas y demás tonos afeminados, cuando uno supone que los ninjas visten de negro para desaparecer o camuflajearse a las sombras, jajajaja. En estas producciones también deambulo el actor de serie b por excelencia, Chuck Norris.

Asi mismo, el estudio cinematográfico por excelencia que producía estos productos era la Cannon, gran inventora e impulsora de grandes carreras como la del mencionado Norris, Jean Claude Van Damme o el gigante Lundgren.

Total que éste género murió entrando los noventas, pero por si alguien necesitaba otra de ninjas, pues aquí esta Asesino Ninja dirigida por el solvente James McTeigue (al menos en su anterior filme V de Venganza asi lo demuestra) y producida por los excrementables hermanos Wachowski.

Sin embargo no todo es tan terrorífico como parece, como comentaba a la cinta le tenía un poco de fe por su realizador. Asesino Ninja abre con un prólogo sensacional, por mucho lo mejor del film, donde un anciano se encuentra tatuando a un Yakuza, este tipo se encuentra con su banda de malandrines.

Sin embargo las luces del lugar se apagan, el viejo tatuador se asusta y los jóvenes e ingenuos Yakuzas mofándose del anciano le preguntan por que se ha alterado. El anciano les responde que es por la presencia de un Ninja, empero los mafiosos no creen, ya que piensan que los ninjas solo son una leyenda de siglos pasados, pero en ese momento una luz resplandeciente sale de la oscuridad y decapita a uno de los hombres.

Acto seguido los demás, ahora ya aterrorizados sacan sus pistolas y comienzan a disparar a discreción, más sin embargo no pueden con la amenaza, la cual es por mucho más implacable. Asi somos testigos de cómo varias extremidades entre brazos, piernas, y muchos litros de sangre hacen acto de aparición, para finalizar la secuencia con una carnicería humana, donde el único sobreviviente es el anciano, el cual ve a los ojos al asesino.

El anciano sin saber que hacer solo le dice al Ninja: ¡Eh contado tu historia por cincuenta años!, para momentos después perecer ante el asesino.

Asi pasamos hasta las oficinas centrales del FBI, que se encuentran en Alemania, ahí la agente especial Naomie Harris (Mika Coretti) investiga misteriosos asesinatos, donde el móvil principal es la falta de luz en las escenas del crimen, asi como la falta de evidencias físicas. Pero dentro de todo esto, Harris (Coretti) sospecha que el responsable de todo esto es un Clan de Ninjas que ha trabajado durante decadas a la sombra de la sociedad y autoridades, ¿qué como sacó tan descabellada conclusión? Pues por que ha investigado (no se sabe de donde pero le atino).

En otro punto de la ciudad conocemos a Raizo (Rain) un joven bastante reservado, pero que pronto descubrimos gracias a varios flashbacks que es un Ninja, ya que estos nos cuentan su vida desde su niñez hasta su etapa adulta y el difícil entrenamiento, asi como vejaciones por las que paso dentro del Clan a manos de su Maestro.

Por tal motivo Raizo tendrá que enfrentar al Clan del cual escapo, para vengar la muerte de un ser amado y limpiar su honor, ya que la policia cree que este es el responsable de los asesinatos ocurridos.

A grandes rasgos este es el argumento de este entretenido film, que aunque no llega a niveles cutres (como las cintas Ninja de antaño) si tiene muchas fallas en su guión, ya que algunos cabos que quedan sueltos se resuelven de manera arbitraria o simplemente no se solucionan. Por otra parte los personajes son topicazos y gozan de nulo desarrollo a nivel emocional, por lo cual el único que esta más dibujado en cuanto a motivaciones es Raizo.

Asi mismo el personaje de la agente Harris es el más despreciable ya que se la pasa tomando decisiones estúpidas, por poner un ejemplo, Raizo le dice que no se baje del auto puesto que corre peligro y lo primero que hace la mujer es bajarse del auto. Pero se comprende ya que la historia tiene todos los clichés del género.

Sin embargo como apuntaba en un inicio, la cinta se salva de la quema gracias a una dirección acertada por parte de McTeigue, quien demuestra de nuevo que sabe montar buenas secuencias de acción, ya que éstas son trepidantes tanto como emocionantes. Asimismo las coreografías estan bien planificadas y gracias a Dios no llegan a niveles de exageración como los mostrados en la saga Matrix, por lo que dentro de su ficción se perciben creíbles.

Asi mismo, en su apartado visual la cinta esta correcta gracias a una fotografía oscura, asi como los encuadres y tomas utilizadas. Sin embargo lo que también caracteriza a este titulo es su violencia gráfica, la cual llega a niveles sublimes por el uso correcto del gore (lo mejor). Otro punto que me pareció correcto es el planteamiento místico que se da sobre los Ninjas, ya que en el enfrentamiento final estos solo aparecen como sombras casi imperceptibles.

Además encontramos algunos guiños a otras cintas, como cuando el Jefe del Clan le aplica a Raizo el golpe de los cinco puntos para hacerle explotar el corazón, asi como ocurriera en Kill Bill (Quentin Tarantino, 2003-2004). Es por eso que considero que éstos elementos hacen que la cinta funcione ya que se despoja de pretensiones.

Por último, los actores estan correctos en sus papeles, ninguno destaca pero cumplen su cometido. Asi que solo recomendaría Asesino Ninja para los amantes del gore y las cintas de acción a ritmo de karate y estética cómic, los demás absténganse ya que podrían considerar este título como un bodrio.

CINE DE CULTO: THE BLUES BROTHERS

TÍTULO ORIGINAL: The Blues Brothers
AÑO: 1980
DURACIÓN: 132 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: John Landis
GUIÓN: John Landis & Dan Aykroyd
MÚSICA: Elmer Bernstein & Varios
FOTOGRAFÍA: Stephen M. Katz
REPARTO: Dan Aykroyd, John Belushi, Henry Gibson, Carrie Fisher, James Brown, Kathleen Freeman
PRODUCTORA: Universal Pictures
GÉNERO: Musical. Comedia


The Blues Brothers es de esas películas que uno puede ver infinidad de veces y nunca aburren (en mi caso asi pasa), ya que ésta funciona por varios motivos, siendo el principal que no se toma demasiado en serio, y si a eso agregamos un reparto espectacular, pues los ingredientes bien cocinados nos dan como resultado una excelente comedia.

Jake Blues (John Belushi) acaba de salir de la cárcel, por tal motivo su hermano Elwood Blues (Dan Aykroyd) lo recoge para llevarlo a su antiguo barrio, de hecho lo lleva a la Iglesia para que cumpla la promesa que hizo. Esta consiste en dar gracias al Señor, ya que los Hermanos Blues crecieron en el orfanato, que dicho sea de paso esta subsidiado por unas monjas bien buena onda, jajaja.

Total que los Blues al llegar a visitar a la Madre Superiora, esta les pone una regañada de aquellas que le ponen a uno las madrecitas cuando uno esta chaval, por tal motivo el buenazo de Jake (Belushi) comienza a maldecir, y se gana al igual que Elwood (Aykroyd) unos cuantos golpes con una regla, de esos que son tan usados por las monjitas buena onda, jajaja.

Sin embargo entre tanto desmadre y socarronería por parte de los Blues, la Hermana le comunica que el orfanato será vendido a la Alcaldía de la Ciudad de Chicago, puesto que deben 5000 dólares por concepto de impuestos, es por eso que la religiosa les encarga a este par que les ayude, ya que se supone que los hermanitos tienen una deuda con Dios por haberlos ayudado en su infancia, a lo que Jake se rehúsa, lo que desata la furia de la madrecita y los manda al carajo, hasta levita la mentada monja, jajaja.

Sin embargo Elwood cree que deben ayudar por lo que trata de convencer a Jake para que cambie de opinión, por eso lo lleva a la misa que oficia el Reverendo Cleophus James (James Brown) el cual da la ceremonia a ritmo de soul. Pero el Reverendo ésta tan inspirado, que logra mover en ese seco y casi muerto corazón de Jake algunas fibras (hasta se abre el cielo y una luz celestial ilumina a este, jajajaja) por lo que Jake se convence de ayudar al orfanato.

Asi los hermanos Blues tendrán la misión de volver a juntar a la Banda para realizar el mayor número de conciertos y asi recaudar la cantidad de 5000 dólares, para salvar a los niños que viven en el orfanato.

Además ¿qué puede salir mal si los Blues estan en una misión de Dios? Pues casi todo, pero eso es lo divertido del film ya que un suceso bastante estúpido librará que los hermanos Blues sean perseguidos por unos ineptos policías, un detective con sobrepeso (John Candy), un clan de nazis idiotas, y hasta una banda de country, jajaja.

Sin olvidar a una ex novia resentida (Carrie Fisher) la cual intentará a toda costa eliminar al sarcástico, pero bonachón Jake, aunque esto incluya usar todo tipo de armamentos desde lanza llamas, bazookas, metralletas y demás artefactos bélicos.

Asi es como John Landis vuelve a dar en el clavo, ya que éste director es experto en manejar con maestría la comedia, y en este caso la combina con algunas escenas de acción bien filmadas. De hecho el clímax final que se desarrolla en la ciudad de Chicago está tan bien planificado, que en ocasiones parece que estamos presenciando alguna escena de la cinta de William Friedkin, Contacto en Francia (1971).

Asi mismo Landis y Aykroyd demuestran tener un sentido del humor bastante negro en cuanto a la elaboración del guión (lo que se agradece), ya que la cinta esta llena de situaciones de éste tipo, desde la presentación y desarrollo de personajes, como la aparición de Ray Charles (el tipo se mofa de su ceguera) o la inserción de un clan nazi, por mencionar algunos ejemplos.

Por tal motivo la cinta goza de un ritmo trepidante, por lo tanto esta se va como agua y no se hace pesada, aun cuando sobrepasa las dos horas de duración.

Por otra parte la pareja protagónica goza de una química inigualable, por lo que uno como espectador solo puede disfrutar de las andanzas y desmanes de este par, asi mismo los apartados musicales también son de lo mejor del film, ya que por ahí pasan músicos de la talla de James Brown, Ray Charles, Steve Cropper, Donald Dunn, Matt Murphy, etc. que además brindan uno que otro número musical, para deleite del respetable.

Asi que en términos generales The Blues Brothers es una buena cinta para disfrutar con los amigos, con unas buenas pizzas y unos refrescos de cola, no cuenta con ningún mensaje profundo ni mucho menos, pero no pretende más que entretener y esa es su mayor virtud, puesto que lo logra.

Asi mismo cuenta con un humor en ocasiones bastante inocente, pero algunas situaciones y chistes gozan de mordacidad, lo que hace a ésta comedia un producto con más calidad que la comedietas que se hacen actualmente. Asi que, larga vida a los Blues Brothers y su misión de Dios.

David Cronenberg´s SPIDER

TÍTULO ORIGINAL: Spider
AÑO: 2002
DURACIÓN: 98 min.
PAÍS: CANADA
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: Patrick McGrath (Novela: Patrick McGrath)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Peter Suschitzky
REPARTO: Ralph Fiennes, Miranda Richardson, Gabriel Byrne, Lynn Redgrave, John Neville, Bradley Hall, Gary Reineke, Philip Craig, Cliff Saunders, Tara Ellis, Sara Stockbridge, Arthur Whybrow
PRODUCTORA: Capitol Films / Artist Independent Network / Grosvenor Park
WEB OFICIAL: http://www.spiderthemovie.com/
PREMIOS 2002: Festiva de cine fantástico de Sitges: Mejor Director
GÉNERO: Drama


De nuevo el maestro David Cronenberg explora la psique de ese ser tan complejo llamado hombre, ahora con la variante de no exponer como tanto le gusta al director (y a un servidor), las alteraciones y mutaciones de la carne humana, pero no por ese motivo deja de ser fascinante el estudio que plantea el director canadiense con ésta cinta llamada simplemente Spider.

En ésta historia, ambientada en Londres de los años setentas, conocemos a un tipo (Fiennes) que ha salido de su aislamiento durante casi 30 años de una institución psiquiatrita, el hombre llega en tren y recorre a pie su antiguo barrio para finalmente llegar a otra institución que tiene como fin reincorporarlo a la sociedad.

De esta forma Cronenberg nos lleva junto con su protagonista al mismísimo infierno personal por que ¿qué hay peor que perder la razón? simplemente volver a encontrarla. Asi, la cinta nos muestra varios pasajes de la vida de Spider donde podemos identificar su sufrimiento interno, un amor enfermizo hacia su madre y las vejaciones que sufre a manos de su abusador padre.

Empero ¿hasta que punto lo que se muestra es verdad? en un inicio no lo sabemos, esa es la grandeza del relato y de Cronenberg que sabe como ir metiendo al espectador en éste sórdido cuento, ya que aunque la cinta cuenta con un ritmo lento, éste nunca es gratuito o por deficiencia en la ejecución, ya que si nos ponemos a analizar con cautela, el director nos va soltando pequeñas pistas de lo que va a ocurrir.

Por otro lado la actuación del señor Fiennes es espectacular, el actor inglés compone a un ser lleno de sufrimiento, el cual esconde un oscuro secreto detrás de esa locura, por ese motivo Fiennes se despoja de su personalidad a base de modismos, cambios en la graduación de su voz y hasta su forma de caminar. Basta con ver la escena donde Spider (Fiennes) esta a punto de armar uno de esos juegos de mesa, un rompecabezas para ser más exacto, pero no puede por que algunas piezas no encajan, en ese momento el tipo se desquicia y manda todo a volar.

Esta escena es genial, por que previamente el personaje que interpreta Fiennes había comenzado por hilar algunos acontecimientos de su vida que no recordaba, por lo que el armado del rompecabezas es una proyección de la facturación emocional del propio Spider.

Asi mismo Gabriel Byrne esta más que correcto y dota de humanidad a su personaje, de hecho se percibe la mano de Cronenberg en la dirección de actores, ya que Byrne esta contenido y aunque su personaje por momentos es repulsivo, se puede percibir que es más vitud del guión y no por la actuación del histrión, que muchas veces se pasa de rosca en sus performance.

Miranda Richardson como el objeto sexual (no me mal interpreten, cuando vean la cinta comprenderán) en cuestión, esta genial ya que la actriz consigue dotar a sus personajes de personalidad, toda una proeza. Por otro lado, la partitura compuesta por Howard Shore es magnífica, sin esta la cinta no lograría transmitir con tal fidelidad el viaje emocional que hace su protagonista, la música es perturbadora y en ocasiones emotiva.

Además la puesta en escena, asi como la fotografía son inquietantes. Asi que ¿que más puedo decir de esta excelente cinta?, hablar más de su trama solo echaría a perder la experiencia que el respetable debe correr el riesgo de vivir.

Para finalizar debo aclarar que el cine de David Cronenberg, no es para todos los gustos, muchos lo odian, otros tantos (me incluyo) lo adoran, lo seguro es que su cine es inclasificable e incendiario, éste señor no busca quedar bien con nadie, probablemente le importe un carajo lo que La Academia piense de su obra (extrañamente esta cinta asi como la actuación de Fiennes fueron ignoradas en su momento) la cual no creo que entiendan de que van sus películas, pero que importa, Cronenberg ya esta más allá de premios superfluos.

CIENCIA FICCIÓN: EL CAMINO

TÍTULO ORIGINAL: The Road
AÑO: 2009
DURACIÓN: 112 min.
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: John Hillcoat
GUIÓN: Joe Penhall (Novela: Cormac McCarthy)
MÚSICA: Nick Cave
FOTOGRAFÍA: Javier Aguirresarobe
REPARTO: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Charlize Theron, Robert Duvall, Guy Pearce
PRODUCTORA: Dimension Films / 2929 Productions
WEB OFICIAL: http://www.widepictures.es/theroad/
GÉNERO: Drama Futuro post-apocalíptico. Road Movie


Siempre he pensado que el cine, ese medio audiovisual y gran descubrimiento para la humanidad, que comenzó con los hermanos Lumiére, sirve para contar historias. Asi mismo es un vehículo para expresar deseos, anhelos, ilusiones y demás necesidades que hacen del hombre un ser único.

Sin embargo a últimas fechas el cine ha sido usado (o tomado como rehén) para convertirse en un medio donde se muestran espectáculos banales, llenos de fastuosidad, pero faltos de originalidad, inteligencia y peor aún, de entretenimiento.

Asi es, parece que el planteamiento que hace el maestro Cronenberg en varios títulos de su excelsa filmografía se ha hecho realidad, el hombre ha perecido ante los avances tecnológicos (al menos en el cine) por lo que cada vez ese gran órgano humano, llamado cerebro pierde millones de neuronas ante productos tan desdeñables, pero asombrosos y faltos de alma a nivel técnico. Sin embargo dentro de tanta oscuridad, siempre se puede encontrar una pequeña luz de esperanza, ya que directores comprometidos con su visión logran sacar productos de calidad.

Es por ese motivo que la cinta de John Hillcoat, es como una bocanada de aire fresco en estos tiempos lúgubres, ya que sin tantos recursos, un guión solvente y unos actores soberbios logran un interesante film.

El Camino, nos plantea un presente apocalíptico, el planeta tierra ha comenzado a perecer sin una explicación concreta o determinante, por lo que es el primer acierto del film, ya que ésta omisión queda abierta a especulaciones por parte del espectador.

Asi conocemos a un hombre (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) quienes atraviesan a pie los caminos construidos por el hombre, ahora convertidos en vestigios de una civilización moderna, en busca de alimentos y combustible, ya que el cataclismo arrazo con todo. La muestra fehaciente de esto son los momentos donde observamos como los árboles muertos caen al vacío, lo que causa verdadero escalofrió.

Además, por lo que nos narra el hombre (Mortensen), utilizando el recurso de la voz en off, sabemos que existen algunas tribus de personas que cazan a quien se ponga en su camino, ya que por la escasez de alimentos algunos se ha convertido al canibalismo.

Es asi con este panorama que uno se pregunta ¿cual es la misión de este hombre en un mundo desvastado? La respuesta parece simple, la sobre vivencia suya y la del chico (Smit-McPhee), aun cuando el panorama es desolador, éste hombre dentro de si tiene fe de que el día de mañana algo cambiara, aunque muchas veces en ese doloroso y peligroso camino flaquea, por lo que se ponen a prueba sus motivaciones, ideales, creencias e incluso el propio amor.

Asi mismo puedo mencionar que el relato toma mayor contundencia, gracias a su apartado visual, el cual es excelente por la magnifica fotografía de Javier Aguirresarobe, lo que provoca que el film se perciba más orgánico. Por otra parte el director John Hillcoat, vuelve a demostrar que sabe sacarle provecho a las locaciones como lo hiciera con su opera prima, La Propuesta (2005) ya que los caminos y poblados abandonados, que se muestra en su mayoria desérticos, se convierten en un personaje más en esta épica.

Mención aparte merecen los actores, Viggo Mortensen demuestra que es uno de los actores más capaces de su generación, el tipo en ocasiones logra más con una mirada que cuando recita sus parlamentos, asi mismo transmite la angustia, temor y frustración por la que pasa su personaje, con su sobria pero no falto de emoción preformace.

Por otra parte el joven Kodi Smit esta a la altura de la situación y consigue buena química con Mortensen, por lo que la relación padre hijo es creíble. De hecho las mejores escenas y más emotivas del film se presentan cuando éste par interactúa.

Para muestra basta con ver la escena donde el Hombre le explica a su hijo que si en algun momento determinado ya no encuentran comida, tendrán que usar la pistola, la cual cuenta con dos balas una para el y la otra para su primogénito, escalofriante ¿verdad?

Asi mismo el personaje del niño funciona como contrapunto del propio hombre (Mortensen) y de la horrible situación que se vive en la historia, ya que el chico representa de algun modo las virtudes con las que cuenta la humanidad en un mundo desolado.

El Camino es un film duro y a la vez conmovedor (más no sensiblero), honesto en su planteamiento,minimalista e intimista, pero sobre todo profundo y lo mejor es que su final queda abierto, por lo que provocará en el espectador varios cuestionamientos a nivel filosófico, religioso o inclusive moral.

Su ritmo es pausado pero no aburrido, además que cuenta con varios momentos llenos de verdadera tensión y un climax que no tiene desperdicio.

Para finalizar, no me queda más que recomendar esta excelente cinta que muestra de manera acertada la condición humana.

CINE DE ACCIÓN: MARCADO PARA LA MUERTE

TÍTULO ORIGINAL: Marked for Death
AÑO: 1990
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Dwight H. Little
GUIÓN: Michael Grais & Mark Victor
MÚSICA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Ric Waite
REPARTO: Steven Seagal, Joanna Pacula, Basil Wallace, Keith David, Tom Wright, Elizabeth Gracen, Jimmy Cliff, Bette Ford
PRODUCTORA: 20th Century Fox
GÉNERO: Acción


Hace mucho, mucho tiempo, en una galaxia no muy lejana existían héroes de acción, Sly, Schwarzenegger, Willis y el gran Eastwood, unos tipos duros que se encargaban de mantener el orden del universo, estos ídolos, cumplían la labor que ahora realizan en la gran pantalla los Iron man, Batman, Spiderman y demás héroes de historieta.

Sin embargo también existían otros héroes, esos que no eran tan pesados como los mencionados arriba, pero que ponían su granito de arena para equilibrar las fuerzas del bien (jajajajaja) como Van Damme, Lundgren, Norris y Seagal.

Este último se caracterizo por llegar al estrellato ya madurito, cuando protagonizo su primer éxito de taquilla, Nico en 1988 (Andrew Davis) puesto que ya contaba con 37 años.

Steven Seagal era un desconocido hasta ese momento, sin embargo por su forma diferente de actuar (si se le puede decir, ya que Seagal nunca sonríe y tiene cara de palo) y más aún por sus violentas técnicas de pelea donde rompe brazos, cuellos y demás extremidades, el señor de la coleta se hizo famoso, llenando de algún modo ese pequeño hueco que no hacía falta en el cine de acción cutre.

Asi es como un servidor, con apenas nueve añitos se hizo seguidor de éste héroe, disfrutando de algunos de sus mejores cintas las cuales en mi humilde opinión, fueron la mencionada Nico, Difícil de Matar (Bruce Malmuth. 1990), Furia Salvaje (John Flynn, 1991) y la cinta en cuestion Marcado para la Muerte, ya que después de estas con la llegada de Alerta Máxima en 1992, el señor Seagal comenzó a ganar peso y lo peor, se ablando, lo que provoco que después de éste periodo, su carrera se fuera al caño, la cual de por si no era muy singular.

Eso si después de esto el señor Seagal se convirtió en el rey de subproductos sacados directo a video, donde llena las estanterías de los videoclubs con material de dudosa calidad, pero eso ya es otra historia.

Es por eso que he decidido analizar Marcado para la Muerte, ya que el cine del señor Seagal por muy malo que sea por lo menos entretenía, además que su servilleta tiene una pequeña debilidad por lo cutre.

Comencemos, el agente John Hatcher (Seagal) junto con su compañero (no importa como se llame ya que siendo un personaje bastante tópico morirá a los cinco minutos de comenzar la cinta) investigan a un grupo de narcotraficantes en la frontera de México. De hecho Hatcher captura a uno de los malos, interpretado por el siempre indispensable en este tipo de producciones Danny Trejo, quien les indica el lugar donde ha de realizarse la operación de compra venta.

Como es de esperarse la operación se realiza en un prostíbulo de cuarta (pues asi lo marca el guión) pero cuando Hatcher y compañía estan por cerrar el trato algo sale mal y son descubiertos, esto provoca una balacera donde nuestro héroe sale ileso, pero también es la excusa para que el buenazo de Steven rompa unos cuantos brazos, faltaba menos. Y como mencionaba su compañero cae en cumplimiento de su deber.

Acto seguido Hatcher regresa a Estados Unidos, ahí antes de hacer cualquier cosa pasa a una Iglesia a confesarse con un cura, pues nuestro héroe se siente perturbado por tanta violencia que ha vivido (jajaja) es por eso que el cura hijo de puta, le recomienda a Hatcher que se retire y asi encontrará la tranquilidad.

Asi John Hatcher (Seagal) le comunica a su jefe que ya no quiere saber nada de nada de su trabajo, que ya esta hasta los cojones de tanta violencia y ha decidido retirarse. Por lo que su jefe le dice (escupiendo uno de los diálogos más tópicos del género) que se tome unas vacaciones, que lo piense bien, ya que el es su mejor hombre. Sin embargo Seagal esta decidido y renuncia.

Es por eso que John regresa a su antiguo barrio a visitar a su familia, pero se da cuenta que ésta comunidad ya no es la misma, ya que las calles estan llenas de droga, gracias a unos narcotraficantes jamaiquinos que además son muy violentos y por si fuera poco tienen como líder a un brujo llamado Screwface.

Por ese motivo nuestro héroe tendrá que romper su promesa de no fracturar mas extremidades y cargarse a cuanto malo de malolandia se cruce en su camino de la manera más cruenta posible, ya que además tiene motivos más fuertes que la impartición de justicia, los malos se han metido con su familia y eso si, Hatcher no lo va a permitir, éstos jamaiquinos han cometido el error más grande de sus vidas, jajaja.

Como podrán ver éste es el pobre pero entretenido argumento de la cinta, que además sirve como excusa mediática para mostrar el mayor número de escenas donde se expone violencia gratuita, ya que dentro del repertorio del señor Seagal para aniquilar a sus enemigos encontramos desde golpes en la cabeza con instrumentos varios, fracturas en manos, piernas, cuellos, brazos y cualquier parte del cuerpo que se puede quebrar.

Asi mismo el gran Hatcher hará muestra de sus habilidades de supervivencia ya que demostrará tener más vidas que un gato, puesto que con todo y que lo emboscan logra salir airoso y sin un solo rasguño.

Técnicamente la cinta es normalita, los encuadres y secuencias de acción estan bien resueltas. Además el film cuenta con una atmósfera opresiva, gracias a una fotografía oscura y sucia. Por otra parte el film contiene, sexo, violencia (lo dije otra vez) y muchas palabrotas, asi como ¿Su mensaje final?, que importa, esto es anarquía.

Por último hay que mencionar que la cinta no funcionaria si no estuviese su protagonista, ya que éste le brinda ese aire cutre marca registrada Seagal, con sus características inigualables, como son su mirada penetrante, su rostro inexpresivo (en cualquier situación, ya sea que violen a su mujer o muera su perico, Seagal no cambia de registro) su voz tenue arrojando diálogos lacónicos, advirtiendo que ya te cargo el payaso y por último y no menos importante sus técnicas de Aikido para hacer justicia.

Es por eso, que por sus pocas pretensiones y su excesiva violencia, Marcado para la Muerte es ya un clásico del cine acción cutre, si no basta con ver el enfrentamiento final entre Hatcher y Screwface donde al pobre capo de la mafia primero le matan a su hermano gemelo, decapitándolo con una katana.

Pero a este le va peor, ya que Seagal primero le mete unos cuantos golpes, después le da varios llegues en el rostro con la katana, para luego sumirles los ojo con los dedos de las manos (genial) y rematar con un quiebre de columna, para luego (si, faltaba más) dejarlo caer al vacío varios pisos de un edificio.

Y todavía el señor Seagal cierra la cinta con un dialogo casi surrealista cargado de humor negro, donde hace referencia a los gemelos malos de la mafia: “espero que no sean trillizos” no se puede pedir otro final, jajaja.