CINE DE CULTO: EL AUTO

TITULO ORIGINAL: THE CAR
AÑO: 1977
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Elliot Silverstein
GUIÓN: Elliot Silverstein
FOTOGRAFÍA:
REPARTO: James Brolin, John Marley, John Rubinstein, Roy Jenson, Kathleen Lloyd, R.G. Armstrong, Kim Richards, Elizabeth Thompson
PRODUCTORA: UNIVERSAL
GÉNERO Y CRÍTICA: TERROR. SERIE B


Cuando decidí ver este titulo, esperaba advertir otra road movie con algún asesino sobre su auto haciendo de las suyas. Ya que tenia todos los elementos que me atraen en una cinta de horror, un pueblo alejado de la civilización, un cuerpo policiaco sin experiencia para afrontar una serie de asesinatos, la estética y la mala leche de su argumento. Sin embargo me tope con la sorpresa de que el film también cuenta con algunas dosis sobrenaturales, cosa que hace de este film una curiosidad.

La historia trata de un automóvil negro, que literalmente es conducido por el mismísimo Demonio, este viaja a través de las autopistas matando a quien se cruce en su camino. Hasta que llega a un apacible pueblo para aterrorizar a los habitantes del mismo.

El conductor jamas se ve, de hecho como espectadores en algunas tomas subjetivas podemos ver desde el interior de auto y descubrir que nadie lo maneja

Claro en la historia no puede faltar el héroe en turno, el honesto sheriff, Wade Parent (James Brolin) que intentará a toda costa detener al mencionado auto.

Este es el sencillo argumento de esta cinta de serie b, que por su planteamiento ofrecía una premisa interesante, pero en su desarrollo queda a deber, de hecho esta cinta tiene algunos paralelismos con otras cintas, al menos a mi me pareció, una es Duelo a Muerte (Steven Spielberg, 1971) y Christine (John Carpenter, 1983).
Y es que el arranque de la cinta tiene gancho, podemos ver a una pareja de jóvenes que viajan por carretera en bicicleta, instantes después aparece un Lincoln negro, su aspecto es amenazante, el sonido de su motor, todo ello causa temor.

De repente el auto atropella a las dos jóvenes victimas para huir sin un rumbo aparente.

Las secuencias donde interviene el auto estan bien filmadas, y algunas en su diseño son creativas, por ejemplo cuando el sedan negro embiste a dos patrullas. Estos aspectos son lo más rescatable del filme, ya que cuando el auto hace acto de presencia logra transmitir terror.

Empero, cuando este no aparece en pantalla, la cinta se vuelve un tanto aburrida y sosa, ya que el director trata de hacer una exploración más profunda de los personajes, este intento de explicar las motivaciones de los mismos no llega a ningún lado (ya que no aportan nada a la trama), de hecho se percibe como una forma de rellenar el metraje. Asi mismo, lo que también le echaría en cara es el poco o nulo gore empleado en las escenas de los atropellos, creo que con un buen manejo de este la cinta ubiese llegado a otros niveles.

Visualmente la cinta esta bien resuelta, y aprovecha los desérticos paisajes en los que se desarrolla la historia. La musica empleada pues, es la típica de la época y en ocasiones refuerza lo que estamos viendo.

Como mencionaba, donde la cinta cojea es cuando aparecen los personajes (humanos) ya que estos hacen de monigotes, teniendo como única finalidad ser ultimados por el auto poseído.

Solo un poco, el personaje de James Brolin luce más esbozado, aunque no deja de ser bastante tópico, es el típico héroe atormentado por situaciones personales, honesto, etc. representa el lado bueno del ser humano. Es por eso que es el único que podrá vencer a este ente diabólico con la ayuda de otras personas y con mucha inteligencia.

El Auto, es una peliculilla curiosa y entretenida, su planteamiento puede parecer un disparate, pero por su correcta factura y algunos momentos realmente memorables (la escena en el garage con el Sheriff Wade) se deja ver.

Para finalizar comentar que este tipo de cintas crearon un subgénero, del cual hasta nuestros días sigue presente, tal vez en menor medida, basta con ver el homenaje que hizo Tarantino con su divertida y cruenta Death Proof (2007).

CINE DE CULTO: RETO A MUERTE

TÍTULO ORIGINAL: Duel (TV)
AÑO: 1971
DURACIÓN: 91 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Steven Spielberg
GUIÓN: Richard Matheson
MÚSICA: Billy Goldenberg
FOTOGRAFÍA: Jack Marta
REPARTO: Dennis Weaver, Tim Herbert, Lou Frizzell, Jacqueline Scott, Eddie Firestone, Lucille Benson, Gene Dynarski
PRODUCTORA: Universal Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA:Intriga. Road Movie.


Reto a Muerte, viene a ser el segundo largometraje para televisión de un joven Steven Spielberg, el cual en esos momentos buscaba un sitio en la industria cinematográfica. Como bien comentó el director en alguna entrevista, trabajar en televisión no le gustaba mucho, sin embargo le sirvió para foguearse en proyectos que mas delante lo llevarían a embarcarse en lo que significo su primer éxito en taquilla, Tiburón (1975) y marcaría el nacimiento del blockbuster como lo conocemos en la actualidad.

Son varios los aspectos que hacen de Reto a Muerte una cinta interesante, tanto como emocionante y mucho más angustiante. Primeramente encontramos un guión eficaz a cargo del escritor Richard Matheson, también creador de la famosa novela Soy Leyenda.

El relato se podría considerar minimalista ya que nos econcontramos con el antihéroe, David Mann (Dennis Weaver) un hombre común y corriente que viaja a través de una de las muchas autopistas del país de las barras y las estrellas, con el fin de cerrar un negocio. Sin embargo en su trayecto se cruza con un camión cisterna, al que decide rebasar, lo que ocasiona que este lo tome como una especie de ofensa.

Este acto desencadena una pesadilla para Mann (Weaver), el cual será asediado por la monstruosa mole de metal durante todo su viaje, un viaje que pone en riesgo su existencia, y que solo con valor e inteligencia podrá sortear.

Son básicamente tres elementos los que mantienen la historia, el hombre que debe afrontar las dificultades que se le presentan, la amenaza (el camión), el cual definirá las decisiones por parte del héroe. Y por último y no menos importante, el escenario donde interactúan los dos anteriores, y que mejor que las carreteras desérticas y solitarias tan comunes, tan familiares para el espectador. Provocando que uno sienta empatia por Mann, cualquiera de nosotros ha viajado por carretera, es por eso que el terror y desesperación que vive el personaje se sienten reales.

Como he comentado el guión es efectivo, pero gracias a la visión de su director la cinta se torna vibrante, es como si nos subiéramos a una montaña rusa, hay momentos de tensión, luego encontramos otros tranquilos y de nuevo angustia y terror.

Spielberg hace lo que mejor sabe, sus secuencias de acción estan bien filmadas, uno las ve y sabe lo que esta pasando, no perdemos detalle de nada. Basta con ver las primeras tomas subjetivas, que nos dan la sensación de ir dentro del automóvil, bastante originales. Asi como sus encuadres y la composición de los mismos son acertados, pero sobre todo, el director tiene la certeza de dotar a la cinta de buen ritmo.

Asi mismo en períodos muy puntuales de la historia, se hace una exploración del personaje principal, para conocer sus motivaciones, resuelto con pequeñas escenas, como la de la gasolinera y el restaurante.

Por otro lado el camión es verdaderamente amenazador y se percibe como un ente vivo, gracias a que nunca vemos al conductor, solo se nos muestran las manos al volante o la palanca, en otras ocasiones solo el calzado del conductor. Es como si el mismísimo Demonio condujera la mole de metal, la cual en su defensa delantera conserva varias placas, visiblemente de otros autos, como si de trofeos se tratara.

Por último la elección Dennis Weaver como el antihéroe me parece acertada, aunque dota al personaje de patetismo, tal vez para darle más realismo a este.

Por lo demás puedo decir que Reto a Muerte es una cinta efectiva, que logra transmitir emociones y goza de buena factura gracias a su joven director, y un buen guión. El resultado es satisfactorio a pesar de contar con un escaso presupuesto.

Película que da muestras de la capacidad creativa de su director, en la que se percibe más honesto y menos sensiblero que en sus últimos trabajos.

Para finalizar dedico este post a mi buen amigo George, fiel admirador de Spielberg, que en sus propias palabras lo llama el Rey Midas.

COMEDIA: ¿HACEMOS UNA PORNO?

TÍTULO ORIGINAL: Zack and Miri Make a Porno
AÑO; 2008
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: Kevin Smith
GUIÓN: Kevin Smith
MÚSICA: James L. Venable
FOTOGRAFÍA: David Klein
REPARTO: Seth Rogen, Elizabeth Banks, Jason Mewes, Gerry Bednob, Traci Lords, Katie Morgan, Craig Robinson, Tom Savini, Jeff Anderson, Brandon Routh, Justin Long, Anne Wade, Jennifer Schwalbach Smith, David Early, Mattt Potter, Ricky Mabe
PRODUCTORA: The Weinstein Company / View Askew Productions / Blue Askew
WEB OFICIAL: http://www.hacemosunaporno.es/
GÉNERO Y CRÍTICA:Comedia.


¿Hacemos una porno? Es el regreso de Kevin Smith después de dos años de ausencia detrás de cámaras, en esta comedia el director trata de plantear una tesis acerca del cine porno, sin embargo el resultado no ha sido del todo satisfactorio y se queda a medio gas.

Zack (Seth Rogen) y Miri (Elizabeth Banks) son amigos desde la infancia, se ven como compinches y nunca se han sentido atraídos sexualmente. Zack (Rogen) trabaja como mesero en una cafetería, es un tipo con pocas aspiraciones y se toma la vida muy Light.

Miri (Banks) también tiene un empleo similar, y aunque es un poco más responsable que su compañero, este par no es lo suficientemente maduro para afrontar las responsabilidades que se les presentan, sobre todo las económicas.

Pero llega un momento en que estos dos treintañeros, no pueden solventar sus gastos, los que incluyen la renta de su departamento, la luz, el agua, la calefacción. Y si a eso añadimos que Zack gasto sus últimos dólares en una vagina de de carne que compro por Internet (jajaja) para masturbarse, pues la situación se puso peor.

Sin embargo este par para sentirse mejor, decide acudir a la reunión de exalumnos de su generación del bachillerato. Ahí se encontraran con compañeros que han tenido una vida mejor en aspectos económicos, lo que les refleja que quiza no han tomado las mejores decisiones y han desperdiciado un poco su vida.

Zack es un tipo regordete, guarro y vale madrista, por lo que se la pasa bebiendo cerveza e insinuándose a sus ex compañeras durante toda la reunión. Miri por su parte ve a un ex galán, Bobby Long (Brandon Routh) y se le insinúa, lo que no sabe es que este tipo bien parecido es gay y va con su novio Brandon (Justin Long) este último, es actor al igual que Bobby (Routh) de películas porno gay, jajajaja. Cabe mencionar que este segmento donde aparece Brandon Routh y Justin Long como pareja es genial, ya que los actores no tienen ningún enfado en burlarse de si mismos.

Asi pues nuestra pareja protagonista analiza su situación después de la reunión y como estan quebrados, a Zack (Rogen) se le ocurre una grandiosa idea, como converso un poco con Brandon (Long) sobre las ganancias de producir y distribuir porno, decide hacer su propia película porno con Miri (Banks) y asi salir de su precaria situación económica.

En este momento la trama realmente comienza, y es donde Smith trata de abordar ciertos temas un tanto espinosos para algunos sectores de la sociedad moderna, desde su punto de vista muy peculiar. Como por ejemplo la sexualidad como producto de consumo en masas, asi como también se cuestiona a una sociedad cada vez más hipócrita (que usa la moral a su conveniencia), la igualdad de géneros, el amor, etc.

Y aunque el tono de la cinta es desmadroso, el análisis no llega a ser tan mordaz como uno quisiera, aunque hay momentos gloriosos, como por ejemplo las referencias que hace el director a la saga Star Wars, cuando los protagonistas buscan una trama para su cinta. Como muchos sabrán, algunas cintas xxx basan sus historias y estética (algunas bastante cutres) en cintas famosas y lo trasladan a su mundo. Aquí los protagonistas planean grabar una versión porno de La Guerra de las Galaxias.

Al final por problemas de distinta índole, no pueden hacer la de Star Wars, pero Zack (Rogen) no se da por vencido y ambienta la cafetería donde labora como set para filmar la ansiada película. Aquí la cinta vuelve a repuntar ya que las situaciones que viven sus personajes, son bastante divertidas, por ejemplo, cuando se muestra la planificación de las escenas sexuales que tendrán sus actores, que si abra sexo anal, que si sexo oral, etc. O el reclutamiento de actores para la cinta, algunos personajes son bastante peculiares.

Asi mismo la cinta se sostiene gracias a su pareja protagónica, la cual muestra gran química en pantalla, de hecho los actores lucen naturales en sus roles. De Seth Rogen, pues hace lo mismo de siempre, mostrándose como un tipo desmadroso. La que me causo una impresión bastante grata fue Elizabeth Banks, que se percibe fresca y se nota que se divierte en su rol.

Asi como los personajes secundarios, que estan correctos y refuerzan la labor de los protagonistas. Los diálogos son otro punto fuerte en la cinta, ya que algunos son bastante mordaces y ácidos en determinados momentos.

Lo que no acaba de convencerme mucho es su desenlace de la cinta un tanto cursi y melosa, ya que aunque se adivinaba desde su desarrollo por donde van los tiros, uno esperaría algo menos convencional.

Por otro lado la historia avanza con algunos baches, lo que provoca que el film pierda ritmo y se vuelva un tanto tedioso en algunos pasajes del mismo, esto lo podría achacar al guión, que para mi gusto es alargado sin necesidad.

Podría decir que ¿Hacemos una Porno? Es una cinta entretenida, con sus momentos gloriosos, pero que resulta hasta cierto punto blanda en su mensaje final. Y aunque no llega a niveles tan estúpidos como las cintas de American Pie, el producto final se percibe no tan redondo como uno quisiera.

CINE DE ARTE: EL CHICO

TIULO ORIGINAL: The Kid
AÑO: 1921
DURACIÓN: 50 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Charles Chaplin
GUIÓN: Charles Chaplin
MÚSICA: Película muda / Versión restaurada: Charles Chaplin
FOTOGRAFÍA: Rollie Totheroh (B&W)
REPARTO:Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Carl Miller, Tom Wilson, Henry Bergman, Lita Grey
PRODUCTORA: Charles Chaplin Productions / First National Picture
GÉNERO Y CRÍTICA: Comedia. Drama. Pobreza. Película muda.


Pues si he demorado un poco para subir otra reseña, ya saben como son estas fiestas navideñas, pero bueno, para no caer en las típicas y tópicas recomendaciones de estas temporadas, he decidido traerles a ustedes una cinta que desde mi punto de vista es un logro cinematográfico, una cinta si se puede decir pequeña, pero a su vez monumental, tanto en su forma pero aún más en su fondo.

Una cinta despojada de grandilocuencias, la cinta en cuestión es El Chico (The Kid), dirigida e interpretada por el mítico Charlie Chaplin.

La cinta nos cuenta la historia de una mujer (Edna Purviance) que da a luz a un varón, sin embargo como el padre no se hace responsable, la mujer decide abandonar al pequeño a su suerte. Pero para suerte del pequeño bebe, es hallado por un simpático y siempre bonachón Vagabundo (Charlie Chaplin) que en un principio trata de deshacerse de él.

Empero, el Vagabundo encuentra una nota en los ropajes del infante que dicen “amen y cuiden a este bebe” y asi el buen corazón de nuestro protagonista decide adoptar al bebe. Pasan cinco años, el vagabundo y el chico viven en un pequeño edificio, un cuarto, donde se encuentra la cama, una pequeña estufa, y una mesa que funge como comedor.

El vagabundo y el chico se han adaptado, tienen roles bien definidos, mas que como padre e hijo, son como camaradas. Hay buenos momentos de humor durante todo el film, a cargo del chico y Chaplin, de los que se percibe una buena química. Basta con ver la secuencia donde el vagabundo y el chico, salen a trabajar.

El chico rompe las ventanas de las casas por donde transita, corre para ocultarse, y momentos después el vagabundo pasa por la misma casa, con ventanas nuevas y mastique. En ese momento las personas salen a ver el desastre y aprovechan que va pasando el protagonista, para que les ponga ventanas nuevas. Lo que no esperaban nuestros tramposos amigos, es que por el barrio un policia los descubre, lo que provoca que estos escapen, geniales de verdad los momentos de humor.

Esta es un muestra de las situaciones con las que cuenta la cinta, por otro lado los gags empleados por Chaplin son bastantes divertidos y les aseguro que no dejaran de reírse. Pero no todo es regocijo y la película, dentro de su guión cuenta con un conflicto, ese que han de enfrentar y resolver nuestros protagonistas, para tener un desenlace más o menos feliz.

Cabe hacer mención que el ritmo de la cinta es bastante fluido, y aunque en momentos muy específicos la historia se torna más tranquila (por la exploración de personajes) la cinta tiene una calidad narrativa eficaz.

Asi mismo cuando uno ve El Chico, puede notar que su apartado visual no se percibe caduco, de hecho los encuadres, asi como las tomas utilizadas y su puesta en escena se aprecian actuales. Otro aspecto destacable es su musicalización, esta se compone de varias piezas musicales clásicas, ya que tratándose de cine mudo, había que apoyarse en la música para reforzar los aspectos emocionales que se quieren resaltar en la historia.

Pero sobre todo lo que hay que destacar es la interpretación de Chaplin, como el eterno vagabundo de gran corazón, sus muecas, sus gesticulaciones, asi como su lenguaje corporal dotan al personaje de humanismo. Asi como la interpretación del chico, el niño es convincente, te hace reir, por momentos casi llorar, que buen actor es.

Como comentaba en un principio, la cinta se despoja de pedanterías en su mensaje, percibiéndose honesta. Esta de más decir que Charlie Chaplin fue, una gran influencia para muchos comediantes, como Cantinflas, aquí en México, que deja ver mucho el estilo del comediante inglés, solo adaptándolo a su cultura y mexicanizándolo.

Asi que si quieren disfrutar de una buena película para estas fechas, donde todo es amor y bondad (y mucho consumismo). Y se encuentran hartos de las mismas películas que pasan cada año, disfruten de The Kid, cinta que no defraudara, ni a chicos, ni a grandes. De hecho a mi pequeña de dos años, le ha gustado.

CINE TERROR: HALLOWEEN 2

TÍTULO ORIGINAL:H2 (Halloween II)
AÑO: 2009
DURACIÓN; 101 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Rob Zombie
GUIÓN; Rob Zombie
MÚSICA: Tyler Bates
FOTOGRAFÍA: Brandon Trost
REPARTO: Scout Taylor-Compton, Tyler Mane, Malcolm McDowell, Brad Dourif
PRODUCTORA: Dimension Films / The Weinstein Company
WEB OFICIAL: http://www.halloween2-movie.com/
GÉNERO Y CRÍTICA: Terror. Secuela

Debo confesar que la primera parte de Halloween, dirigida por Rob Zombie, me pareció correcta, sus atmósferas, encuadres, la violencia empleada como recurso narrativo, etc., pero sobre todo el planteamiento que hace Zombie en la primera mitad de la cinta explicando el origen de Michael Myers, puesto que lo demás era casi una calca del trabajo que había realizado Carpenter.

Esto era comprensible puesto que Zombie al hacer el remake de aquella mítica película, no podía variar mucho el contenido por respeto a la misma y su personaje principal. Ahora dos años después, el director norteamericano tiene libertad creativa y se desprende de los tópicos de la saga, imprimiendo su visión personal sobre el icónico Michael Myers.

Como resultado H2 es un tanto despareja y extraña por momentos, pero tiene ciertos elementos que hacen que este slasher sea sobresaliente, por lo que no la consideraría una mala cinta.

H2 arranca momentos después del desenlace de la primera, presenciamos como se llevan a Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) al hospital por las heridas que ha sufrido por el cruento ataque de Michael Myers (Tyler Mane). Asi mismo nos hayamos con que el cuerpo de Myers es llevado al forense, ya que parece estar muerto.

Pero como es de esperar Michael (Mane) no esta muerto, ha sobrevivido a la ráfaga de disparos que le propino la policia (¿Cómo? No importa, aquí la lógica se deja de lado) y se despacha a uno de los hombres que van en el camión, le corta la cabeza con un vidrio, desde esta escena ya podemos ir viendo el gore empleado, cabe mencionar que este esta bien realizado.

La ventaja que tiene esta cinta con otros slashers, es que Zombie se toma en serio lo que esta contando y le imprime componentes que hacen que el espectador en todo momento se sienta incomodo, esto lo logra apoyándose en su aspecto visual, ya que el director crea atmósferas opresivas apoyándose en la iluminación con una paleta en verdes y ocres, asi como la musica utilizada.

Por otra parte creo que es un acierto que Zombie haya utilizado el formato en 16 mm, ya que este deja un grano más notorio en la cinta, por lo que hay una sensación de suciedad en todo el film, acentuando un ambiente mal sano y lúgubre, característico en el cine del director.

Es por eso que H2 se percibe como una pesadilla desde que inicia, conforme avanza la trama, asi mismo los ataques de Myers cada vez son más cruentos y salvajes, para muestra esta el ataque en el hospital y en un table dance, realmente perturbadores.

Otro punto favorable, es la representación de Michael Myers, el cual en algunos segmentos del filme aparece sin la mascara, luciendo una cabellera y barba larga (muy parecido a Rob Zombie) esto muestra un poco su perfil psicológico, asi como sus motivaciones. Myers se transforma cuando se pone la máscara, no dice ninguna palabra pero cuando ataca, ahora podemos percibir una especie de gemido volviendo a Michael más salvaje.

La incursión del personaje de Sheri Moon Zombie como la madre de Myers, fue muy cuestionada cuando leí sobre el film, sin embargo cuando uno ve y entiende la propuesta del director encaja bastante bien. Deborah Myers (Moon Zombie) aparece en el subconsciente de Myers, por lo que la cinta se vuelve bastante onírica.

Asi mismo la exploración del personaje de Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) es de lo mejor, ella es el eje de esta historia. Han pasado 2 años desde los ataques que sufrió, por lo que su vida no es la misma, tiene pesadillas con Myers, de hecho parece que presencia los asesinatos de este, como si estuvieran conectados mentalmente.

Hasta este punto H2 funciona bastante bien, en su aspecto narrativo y visual, pero lo que viene a lastrarla, es el personaje del Dr. Loomis (Malcolm McDowell) este no encaja en la trama, de hecho termina por ser un fastidio. Lo que Loomis representaba en la saga original (la eterna Némesis de Myers) aquí termina por ser un ser repulsivo que lucra con la desgracia y el dolor de las victimas de Haddonfield, cuando publica un libro sobre los acontecimientos.

O quizá la intención de Zombie era mostrar otra cara del ser humano con el personaje del Dr. Loomis (McDowell) el ser humano convertido en monstruo, sucumbiendo ante los placeres mundanos, y cuestionarnos ¿quien es más monstruo Myers o Loomis? Debo decir que esta fue mi interpretación, pero no termina de encajar por completo el personaje que realiza Malcolm McDowell.

¿El desenlace? mejor veanla ustedes mismos ( queda abierto a varias interpretaciones), eso si huele a continuación, de la cual ya se contempla estrenarla en 3D, en la que también puedo decir ya no estará Zombie al frente del proyecto y creo que esta bien, el director necesita embarcarse en proyectos más personales para que pueda explotar su visión al 100 %, y nos regale otra joyita como Los Renegados del Diablo (2005), aunque esta cinta no le ha salido nada mal, pero como mencionaba al principio, la cinta es despareja por los bajones de ritmo y en un primer visionado se percibe extraña.

H2 es una cinta recomendable, muy por encima de las peliculitas de terror para adolescentes que se vienen haciendo desde hace tiempo, es cruda y violenta, y no solo eso, trata de ofrecer tridimensionalidad a sus personajes para que no sean simples monigotes. Asi que lo siento Jason Voorhess, este enfrentamiento lo gano Michael Myers, ya que Halloween 2 es por mucho mejor cinta que Viernes 13 el inicio.