CINE TERROR: REGRESO A SALEM´S LOT

TÍTULO ORIGINAL: A Return to Salem's Lot
AÑO: 1987
DURACIÓN: 101 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Larry Cohen
GUIÓN: Larry Cohen, James Dixon (Personajes: Stephen King)
MÚSICA: Michael Minard
FOTOGRAFÍA: Daniel Pearl
REPARTO: Michael Moriarty, Ricky Addison Reed, Samuel Fuller, Andrew Duggan, Evelyn Keyes, Jill Gatsby, June Havoc, Ronee Blakley, James Dixon, Tara Reid, Brad Rijn
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Larco Productions
GÉNERO: Terror


Cierto día que salía de la oficina, un tanto harto de las actividades laborales y de escuchar algunas pláticas bastante estúpidas y banales por parte de mis compañeritas (no abundare en el tema ya que me castra hablar de eso), pues decidí relajarme un poco y como no contaba con mucho dinero, más que escasos cincuenta pesos en mi bolsillo, decidí darme una vuelta a un viejo video club donde el mayor atractivo del lugar es la venta y cambio de películas XXX, pero no me mal interpreten, ese día no tenía ganas de ver porno, jajajaja.

Es que además en ese sitio se venden viejas cintas de formato vhs en 10 pesitos y varios títulos de dvd, pero recalco su fuerte o lo que mantiene el negocio son los filmes del famoso mete y saca. Total que fui a la sección de los olvidados vhs, la mayoría empolvados, con portadillas maltratadas, creadme que estuve casi una hora escudriñando en los estantes para ver si de pura casualidad aparecía algo interesante, cuando de pronto me tope con Regreso a Salem´s Lot, su portadilla de película de terror de serie b atrajo mi atención de inmediato, entonces la tome y cuando leo que la dirige Larry Cohen (creador de la trilogía It´s Alive) pues no lo pensé dos veces, la compre y rápidamente como si de Kowalski se tratara tome mi auto (un caribe modelo 82) y me fui para mi casita a degustar de este titulo, ya saben, vampiros, los años ochenta, serie b ¿Qué más puedo pedir?

Ahora si, entrando en materia, antes de comenzar debo hacer una aclaración, este título no gustará a muchos, ya que, punto número uno: como toda cinta de serie b esta adolece de presupuesto, razón por la que sus efectos especiales son bastante cutres y no hay muchos que mostrar.

Segundo punto: la trama se puede percibir con algunos agujeros en su guión, motivo por el cual hace de esta cinta un titulo muy flojito y se puede apreciar más como una curiosidad, por lo que se convierte en un objeto de culto para un sector de cinéfilos amantes del género vampírico como lo es su servilleta.

Sin embargo y ante todo la premisa resulta algo interesante (mas no su ejecución), ya que la historia nos plantea (como en muchas cintas) la existencia de estos seres entre nosotros los mortales, claro, escondidos y viviendo como parásitos en nuestra ¿civilizada? sociedad, razón por la que pasan desapercibidos escondidos en un pueblo abandonado de E.U. llamado Salme´s Lot.

La historia se centra en un tipo llamado Joe Weber (Michael Moriary) un fulano sin escrúpulos el cual se encuentra grabando un documental en alguna selva lejana del Amazonas, en dicho lugar presenciamos como el sujeto graba un sacrificio, su camarógrafo impactado ante las crudas imagenes que esta viendo (supuestamente) por un momento deja de enfocar la escalofriante escena, motivo por el cual Joe se encabrona y toma la cámara para seguir documentando los eventos. Sin embargo un bote se acerca al lugar y espanta a los nativos por lo que estos se alejan y el trabajo de meses de investigación de Weber queda estropeado.

La razón de la aparición de los hombres que ingresaron abruptamente en la selva es que llegaron para avisar a Joe (Moriarty) que su hijo se encontraba grave de salud, por este motivo el hombre regresa de inmediato a Estados Unidos, solo para descubrir que su ex esposa lo engaño, ya que su hijo Jeremy (Ricky Addison Reed) esta bien, solo que la mujer se quiere deshacer de el, y se lo deja a Joe. Total que Joe y su retoño, un verdadero hijo de puta (pues es castrante hasta la saciedad por su pinche comportamiento) pues toman un viaje camino a un pueblo en donde Joe paso su infancia. ¿El por que? que carajo importa, asi de buenas a primeras el sujeto que se supone es un ojete sin sentimientos acepta como si nada a su desconocido hijo y se van a una cabaña, jajajaja, además, adivinaron, llegan a Salem´s Lot lugar de donde es el hombre.

Pero cuando arriban al dichoso pueblo, este luce vacío, sus calles, edificios y casas se encuentran en perfecto estado, pero ni un alma, solo un par de policias y el tipo que atiende la gasolineria, empero lejos de perturbar a nuestro par protagónico, estos llegan a la cabaña abandonada.

Asi pasan las horas tratando de poner orden al mugriento lugar, hasta que anochece, por lo que ya cansados de tanto aburrimiento, Joe y Jeremy vuelven al pueblo y ¡oh sorpresa! este se encuentra lleno de vida (es un decir pues todos los habitantes son vampiros, jajajajaja), parejas recorren las calles, los niños asisten a clase en la escuela y otros tantos realizan diversas actividades. Es asi en este punto de la historia que Joe (Moriarty) conoce al Juez Axel (Andrew Duggan), el chupa sangre macizo del pueblo, el cual le hace saber a nuestro protagonista que conoce su trabajo y esta interesado en que este le haga un documento en donde plasme casi en un estudio social y hasta antropológico la existencia de los vampiros, todo a través de una Biblia.

Asi como pueden leer, la historia parece interesante ¿no? imaginen hacer un documento donde se explique desde que época coexisten estos seres en la tierra, como han evolucionado y como se han adaptado a las diferentes epocas, incluso como la propia economía mundial los ha afectado, ¿que posiciones sociales ocupan? o saber ¿que los motiva a seguir viviendo a escondidas? todos estos cuestionamientos de verdad resultan interesantes, sin embargo se dejan de lado y nunca se profundiza, lo que ocasiona que la cinta se vuelva por varios momentos muy aburrida.

Incluso la interacción de Joe con el Juez daba para más ya que estos llevan una relación cordial hasta que el primero se niega a escribir el documento, razón por la que usan a Jeremy (el hijo de Joe) para chantajearlo, sin embargo este aspecto donde el niño comienza a sentir cierta fascinación para convertirse en vampiro resultaba interesante, también de abandona e incluso se percibe que a Joe le importa un carajo lo que le pase a su hijo.

Sin embargo la cinta despunta para su tercio final donde hace aparición otro personaje interpretado por el mítico actor y director Samuel Fuller (les juro después de ver a este señor pasandosela pipa en esta cinta hasta me he mandado hacer una playera con su foto) este hombre tal vez sea más recordado por trabajar en peliculas de Win Wenders y Jean Luc-Godard, por lo que aqui se infiere que Fuller le hace un favor a Cohen.

Van Meer (Fullen) es un cazador de nazis que llega buscando a un tipo y llega a Salem´s Lot, pero se encuentra con Joe y este le cuenta el lio en el que se ha metido, por lo que decide ayudar a este a exterminar a los vampiros.

Es por este motivo que lo verdaderamente interesante y hasta divertido es ver como Joe (Moriarty) y Van Meer (Fullen) van casa por casa eliminando a los no muertos, armados de estacas y agua bendita, pero no se emocionen mucho ya que como comentaba a un inicio la cinta carece de efectos especiales por lo que la representación de los seres colmilludos (oh, se me olvidaba, aqui ni siquiera cuentan con colmillos los vampiros) se reduce a unos cuantos efectos hechos con prótesis de latex bastante chafonas, por lo que se hace uso de un montaje rapido cuando se muestran estos para que no se noten tanto las carencias.

Asi mismo, parece que la mayor cantidad de presupuesto se dejo para el enfrentamiento final entre Joe y el Juez, donde este último luce su feo rostro y garras de vampiro (jajajaja).

De los personajes puedo comentar que estos son más planos que una hoja de papel y sus motivaciones, asi como sus actos son en ocasiones bastante incoherentes (por ejemplo cuando nuestro protagonista en vez de estar preocupado por la integridad de su vástago pues se lo han llevado, prefiere ponerle al mete saca con una antigua novia que ahora es vampiro), y si a esto le aunamos que las interpretaciones rayan en lo mediocre (a excepción de Fullen, que insisto se la pasa de cotorreo), pues tenemos una cinta bastante jocosa y cutre.

Por tal motivo esta cinta de vampiros no cuenta con sangre, ni ¿colmillos? y de terror solo tiene una pizca, asi como unos personajes con poco carisma. Asi que solo puedo recomendar esta cinta para los fervientes seguidores del género vampírico e incluso puedo asegurar que más de uno se sentira decepcionado, ya que la cinta de Cohen solo puede apreciarse y valorarse como un intento fallido (tal vez si hubiese tenido la socarroneria de Evil Dead el resultado sería más satisfactorio), pero como curiosidad morbosa funciona. Ahora solo me falta conseguir la primera cinta, la cual comparada con esta resulta una obra de arte.

CINE DE CULTO: VANISHING POINT

TÍTULO ORIGINAL: Vanishing Point
AÑO: 1971
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Richard C. Sarafian
GUIÓN: Guillermo Cabrera Infante
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: John A. Alonzo
REPARTO: Barry Newman, Cleavon Little, Dean Jagger, Victoria Medlin, Paul Koslo, Robert Donner, Timothy Scott, Charlotte Rampling, Gilda Texter
PRODUCTORA: 20th Century-Fox
GÉNERO: Acción Road Movie


En una soleada y calurosa tarde de verano, un automóvil blanco cruza a toda velocidad la autopista, mientras un helicóptero lo persigue. En otra toma asistimos como en un poblado varias personas esperan algo o a alguien, los sheriffs del lugar se notan angustiados, dos tractores son acomodados para bloquear la entrada del pueblo. Después, vemos a lo lejos como el potente y veloz auto blanco se aproxima, sin embargo su conductor, un hombre solitario avista el obstáculo que le han puesto, razón por la cual antes de llegar, frena su hermoso automóvil y se desvía hacia el desierto.

Ya lejos del alcance de las patrullas y el helicóptero que lo perseguían, nuestro protagonista (Barry Newman) desciende del auto, mira fijamente el paisaje y sonríe, empero su gesto denota todo menos alegría. Este es el inicio de esta excelente y emocionante cinta, ya de entrada los acontecimientos que acabo de narrar nos meten de lleno en la historia, ya que se nos plantean varias incógnitas como ¿Quién es el hombre al que persiguen?, ¿Por qué o de que escapa?, pero no se preocupen amigos que gracias a varios saltos temporales el realizador Richard C. Sarafian nos irá revelando poco a poco los detalles de quien es el misterioso hombre que pilotea el ya mítico Dodge Challenger Blanco 1970.

El hombre en cuestion se llama simplemente Kowalski (Barry Newman) un sujeto instrospectivo que trabaja para otro fulano que vende autos, por este motivo Kowalski maneja los autos por todo E.U. entregando estos. Cierta noche nuestro héroe entrega un auto con su patrón, y de inmediato pide el siguiente encargo, su jefe le comenta que se vaya a descansar ya que se ve cansado, empero este último se niega y le insiste en llevarse otro auto. Por tal motivo Kowalski (Newman) toma el Ford blanco y sale rápidamente, sin embargo antes de tomar su ruta hacia San Francisco (lugar donde debe llevar la unidad) pasa a surtirse de anfetaminas con un viejo amigo.

Pero cuando Kowalski hace la compra, se le ocurre la maravillosa idea de apostar con su camarada toda la mercancía con la que cuenta, el otro sujeto le pregunta que le ofrece y el protagonista sentencia que entregara el auto antes de la 13 horas del día lunes (tomando en cuenta que en ese momento son las tres de la mañana y nos encontramos en la ciudad de Colorado), a lo que el sujeto de primera impresión se ríe de incredulidad, pero acepta, si Kowalski pierde pagará doble por la mercancía, pero si gana esta será gratis.

Ok, leyendo el argumento este podría parecer algo escueto, pero creadme cuando les digo que lo verdaderamente acojonante es el desarrollo del mismo, ya que mantener una cinta donde intervienen en su mayoria persecuciones en auto durante casi hora y media podría resultar tedioso e incluso sin chiste, empero el buen manejo, asi como diseño y planificación de las secuencias de acción, como estan bien realizadas hacen que la cinta mantenga siempre el acelerador hasta el fondo, provocando que el espectador quiera más y más, se los aseguro.

Además otro factor que hay que resaltar es que la cinta se grabo a principios de los años 70´s, epoca en la que se utilizaban Stunts para realizar las maniobras de acción (bastante peligrosas por cierto), logrando incluso emocionar más que las técnicas artificiosas del cine actual, el cual esta enfermo de tanto efecto hecho por computadora lo que le resta veracidad y emoción a las cintas.

En Vanishing Point uno puede percibir la velocidad, el peligro, incluso la agitación de estar dentro del auto, todo gracias también a las soberbios tomas que realiza el director (ya sean panorámicas, dentro, por encima, a un costado o por detrás de auto), no por nada Quentin Tarantino decidió realizar su propia cinta sobre autos veloces y hace un pequeño homenaje a la cinta de Sarafian, como a las de Peckinpah en su cinta Death Proof (2007), por tal motivo somos testigos de como el director norteamericano utiliza un auto igual al que aquí maneja Barry Newman, toda una gozada, ya que el propio Tarantino filma en condiciones similares (poco presupuesto) su cinta, echando mano de verdaderos Stunts, los cuales ya son leyendas en el cine.

Sin embargo lo que también hace interesante el film de Sarafian, es que este nos muestra las motivaciones de su protagonista, del cual conforme avanza la historia vamos descubriendo que es solo un hombre normal, que ha sufrido en su miserable vida y está en busca de su verdadera libertad, la cual no encontró en otros trabajos (fue ex soldado en Vietnam, corredor de autos y hasta Detective en la ciudad de NY) actividades donde trato de encontrar el significado de su existencia, pero que lejos de hallarla, solo halló miseria y tristeza. Es por este motivo que manejar el Dodge Challenger a toda velocidad por algunos estados de la nación significa un grito de libertad.

Obviamente esto le causará problemas con la ley, motivo por el que será perseguido por infinidad de patrullas de varios condados a los largo de su viaje (¿existencial?), sin embargo este acontecimiento también hará de Kowalski (Newman) un símbolo para todos los oprimidos, ya que su persecución es transmitida por radio a través de otro renegado, un representante de otra clase social, un locutor afro americano que además es ciego, llamado Super Soul (Cleavon little) que al enterarse de dicho evento (pues tiene intervenida de manera clandestina la frecuencia policíaca) decide ser los ojos de nuestro protagonista durante su frenético traslado para ayudarlo a burlar los cercos policíacos que lo esperan en cada condado. Incluso Super Soul ha bautizado a Kowalski como “el último héroe americano”

¿Recuerdan la toma donde Kowalski sonríe casi al principio de la cinta? Pues el final nos aclara el por que de este gesto, la cinta cierra de una manera magistral con un final nihilista, pero más que correcto para lo que acabamos de presenciar.

Vanishing Point me ha dejado con un buen sabor de boca, son de esas cintas que se te quedan en la mente aun después de haber quitado el dvd, ya que aunque podría tomarse como una cinta más de acción, esta cuenta con un mensaje muy honesto, que dicho sea de paso nos recuerda que la libertad esta en nosotros mismos y nadie, pero nadie no la puede quitar.

MARTIN SCORSESE: ¿QUIÉN LLAMA A MI PUERTA?

TITULO ORIGINAL: Who's That Knocking at My Door?
AÑO: 1968
DURACIÓN : 90 min.
PAÍS. E.U.
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Martin Scorsese
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Michael Wadleigh (B&W)
REPARTO: Harvey Keitel, Zina Bethune, Ann Collette, Lennard Kuras, Michael Scala, Harry Northup, Tsuai Yu-Lan, Saskia Holleman, Bill Minkin
PRODUCTORA: Trimod Films
GÉNERO Y CRÍTICA: Drama

Uno de mis directores favoritos en sin duda el Sr. Martin Scorsese (el otro es Clint Eastwood) del cual tuve mi primer acercamiento a su filmografía, con la cruda y violenta Taxi Driver (1976) y posteriormente la fabulosa Toro Salvaje (1986). Con esas dos obras cinematográficas el señor Scorsese se convirtió en un referente (para mi) de buen cine, por lo que he visto la mayoría de sus filmes. Es por eso que he decidido revisar su primer largometraje, el cual plantea las inquietudes y manías del director ítaloamericano, y marca la pauta de lo que serían sus posteriores trabajos.

Desde el comienzo de ¿Quién llama a mi puerta?, Scorsese nos muestra una gran secuencia donde una señora prepara un pastel de carne, posteriormente ella les sirve la comida en la mesa a unos niños. En esta escena aparecen varios símbolos religiosos (los cuales serán una constante en el film), como santos y cirios, exponiendo de alguna manera las creencias del director.

Después asistimos otra toma en donde se nos muestra a varios jóvenes en la calle, ahí conocemos a nuestro protagonista, J.R. (Harvey Keitel) quien se encuentra con otros chicos, y en una especie de ritual golpean y patean a otros dos jóvenes. Estas primeras imágenes nos revelan el entorno social, religioso y psicológico de J.R. un joven de descendencia italiana que vive en Nueva York (la amada ciudad de Scorsese) y que coexiste de manera despreocupada con sus amigos. Sus actividades consisten en beber, conocer mujeres y apostar.

Sin embargo cuando J.R. se encuentra platicando en el bar con amigos, como si de un sueño se tratara presenciamos otra escena donde el joven (Keitel) plática con una chica (Zina Bethune), ella es una mujer independiente, con estudios, es a final de cuentas todo lo contrario a las mujeres que ha visto J.R. por tal motivo se siente atraido hacia ella y comienza una relación amorosa algo extraña entre ellos, empero la mujer guarda un oscuro secreto que podría poner en riesgo la relación de ambos.

Conforme avanza la trama Scorsese nos presenta esta imposible historia de amor, con saltos temporales, que en algunos tramos de la cinta, hacen que esta se perciba bastante onírica por sus atmósferas y situaciones. Todo plasmado con una soberbia fotografía en blanco y negro.

El primer encuentro entre J.R y la chica es por demás interesante, ya que la plática que sostienen los protagonistas, es sobre las películas de John Wayne y el genero Western (clara referencia del cine que le gusta al director), por lo que uno infiere que el personaje de J.R. es de algun modo el alter ego de Scorsese.

Asi mismo, el director convierte a su amada ciudad en otro personaje más, con esas largas caminatas que hacen sus protagonistas por las calles y barrios de la misma. Por tal motivo su aspecto visual es una delicia, ya que los paneos y encuadres que realiza un joven Scorsese dotan de versatilidad y dan un toque de modernidad a la cinta, aunque en otros tramos la cinta desprende una estética formal.

Importante también es su apartado musical, ya que esta cuenta con una selección de canciones, donde destaca The End de The Doors, la cual refuerza aquella escena donde J.R. exorciza sus demonios internos con unas mujerzuelas (como las llama el protagonista). Cabe hacer mención que dicha escena es un punto importante en la película, ya que nos muestra la verdadera naturaleza de su protagonista, como sus miedos, frustraciones, anhelos, etc. y como no podría ser de otro modo este fragmento esta lleno de gran poder visual y narrativa.

Por otro lado debo destacar la interpretación de un jóven Harvey Keitel, que logra transmitir la frustración y confusión que siente su personaje, el cual no termina por sentirse pleno en su relación con la chica. Asi mismo Zina Bethune, llena de humanidad a su personaje, con una interpretación muy natural, mostrando a una mujer segura de si misma.

Para finalizar solo debo decir que esta cinta es una gran presentación de Scorsese como cineasta, donde muestra su gran capacidad como narrador visual, a través de un amor imposible, donde cuestiona las creencias morales, religiosas y las desigualdades de género. Y nos presenta a su personaje (el perdedor, inadaptado y en ocasiones violento) el cual será un referente en sus siguientes filmes los cuales también gozarán de ese aire de pesimismo.

Asi que próximamente subire el segundo largometraje de este maestro de la cinematografía, llamada simplemente, Boxcar Bertha (1972), con la intención de transmitirles la fascinación que causa a un servidor la obra de este señor.

FILM NOIR: ASUNTOS PENDIENTES ANTES DE MORIR

TÍTULO ORIGINAL: Things to Do in Denver When You're Dead
AÑO: 1996
DURACIÓN: 117 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Gary Fleder
GUIÓN: Scott Rosenberg
MÚSICA: Michael Convertino
FOTOGRAFÍA: Elliot Davis
REPARTO: Andy García, Christopher Walken, Christopher Lloyd, Gabrielle Anwar, Steve Buscemi, William Forsythe, Bill Nunn, Treat Williams, Jack Warden, Fairuza Balk
PRODUCTORA: Miramax International
GÉNERO: Thriller. Intriga


"Las cosas son como son"
-Jimmy "el santo"

Recuerdo que cuando contaba con 17 años acababa de egresar de la preparatoria, en esa epoca las cosas a nivel personal eran un tanto turbias para un servidor, ya que uno se enfrenta a tomar la decisión más importante en la vida (dicen los padres), decidir ¿que jodidos quieres ser para toda tu vida?, o lo que es igual, ¿que carrera elegir estudiar en la Universidad?

En lo personal yo no tenía muy claras mis ideas, incluso ninguna profesión me llamaba demasiado la atención , por tal motivo cuando realice el examen para ingresar a la UAA, este lo desempeñe sin mucha motivación, ¿el resultado? una baja calificación que me excluyo por completo para escoger la carrera de Comunicación, Diseño Gráfico e incluso Trabajo Social (¡no lo puedo creer! pensé ser trabajador social, jajaja). Total que como no quede aceptado pues me dedique a algo que siempre me había atraído, el dibujo y el cine, actividades que no me remuneraron nada a nivel económico (incluso tenía que invertirle dinerito) pero si en lo personal.

Por tal motivo viví seis meses de pura flojera (pensarían algunos) antes de conseguirme un trabajo, ¿en que los invertí? Pues por lo regular cada tercer día acudía al videoclub cercano a mi casa a rentar dos o tres títulos para ocupar mis ociosos días, de hecho no recuerdo muchas de las cintas que vi, incluso puedo asegurar que algunas fueron bodrietes, sin embargo hubo otras que eran la neta del planeta, descubrí a Kubrick, Scorsese o Carpenter, por mencionar algunos directores, y en esa epoca recuerdo que vi un filme que me gusto mucho (con todo y que no sabía de lenguaje cinematográfico), ya que la historia era acerca de un grupo de personajes perdedores, unos mafiosos fuera de lo común.

La cinta en cuestion es Asuntos Pendientes Antes de Morir y trata sobre un ex gánster llamado Jimmy “El Santo” Tosnia (Andy García) hombre que como abandono los negocios turbios, con los ahorros que gano se encargo de fundar una empresa de apoyo a enfermos de sida, negocio que no le rinde muchos frutos a nivel económico, sin embargo lo mantienen dentro de la ley y le da satisfacciones personales.

Empero la vida de Jimmy (García) sufrirá un vuelco que lo hará regresar al camino del hampa cuando el gángster de la ciudad de Denver, un parapléjico conocido simplemente como el hombre (magistral Christopher Walken) le hace un último encargo a “el Santo”. Este consiste en darle un pequeño sustillo a un dentista, ¿la razón? este fulano va a casarse con una antigua novia del hijo del “Hombre” (Walken), una mujer a la que amo y lo abandono cuando conoció al doctor, por este motivo el vástago (un hombre de cuarenta y tantos) se viro, o sea se volvió loco, razón por la que se comporta como un chico vagando por las calles del barrio.

Como Jimmy no se puede negar, ya que el Hombre lo tiene agarrado de los cojones (pues ha comprado la hipoteca del negocio de su negocio) termina por aceptar con una condición, reunir a su antiguo grupo de hombres. El Hombre (Walken) acepta y les pagará cincuenta mil dólares por el encargo, sin embargo le aclara a Tosnia (García) que solo quiere que asusten al tipo, que esto no se trata de un trabajo.

Asi Jimmy va en busca de sus camaradas, ellos son Piezas (Christopher Lloyd) le dicen asi por que sufre una extraña enfermedad que provoca que varias partes de su cuerpo se caigan a pedazos (JAJAJA) trabaja en un cine porno poniendo esta cintas (osea que esta hasta los cojones de tanta cojedera, jajaja) también esta Franchise (William Forsythe) la mano derecha de Jimmy, el tiene varios crios y vive tranquilamente con su mujer, Easy Wind (Bill Nunn) un hombre negro de físico imponente y Bill “Crítico” (Treat Williams) asi le dicen ya que pierde con facilidad la calma y es de gatillo rápido, además no se lleva bien con Easy ya que en la cárcel hubo un mal entendido que incluia comer excremento, jajaja.

El hecho es que Jimmy y sus compañeros planean el asunto, sin embargo el plan que parecía tan sencillo sale mal, ya que Bill “Critico” se pone loco y en vez de darle una golpiza al dentista termina por matarlo, por si fuera poco, como la situación se sale de control, Piezas por accidente le dispara a la chica (la ex novia, la cual se encontraba en la escena y la mata. Ahora Jimmy tendrá que explicarle al Hombre (Walken) los motivos por los que cometieron este atroz error.

Sin embargo, el Hombre sentencia a Jimmy y sus amigos, con uno de los castigos más horribles que hay entre mafiosos el famoso “trigo sarracano” lo cual significa una muerte dolorosa y lenta, por ejemplo que te metan un disparo en el culo y te desangres lentamente. Por este motivo Jimmy pide clemencia por sus amigos, ya que el es el culpable directo. Empero el Hombre (Walken) solo les da 48 horas a Jimmy y sus amigos para que salgan de la ciudad ya que este ha contratado a el Señor Ssssh (cojonudo Steve Buscemi) un asesino a sueldo que acabara con ellos si los encuentra.

Es con este planteamiento que el director Gary Fleder compone una hermosa historia sobre amistad, amor, violencia, lealtad y sobre todo nos muestra como algunas situaciones que se presentan en la vida “son como son” y no se puede hacer más que aceptarlas por muy desagradables que sean. Por otra parte otro factor que hace que la cinta se vuelva atrapante, es la riqueza narrativa, la cual se toma todo el tiempo para presentarnos y desarrollar a sus numerosos personajes, los cuales al estar bien definidos se vuelven entrañables, aunque estos sean unos perdedores, a los cuales aunque se les da una segunda oportunidad no saben como aprovecharla y solitos trazan su propio destino.

Y claro la cinta se torna más interesante gracias al reparto y sus solventes actuaciones, por una parte, Andy García que en esos momentos se encontraba en gran momento hace una interpretación bastante natural y creíble, transmitiendo humanidad y credibilidad. Pero me gustaría resaltar las pequeñas pero grandiosas apariciones de Christopher Walken, Christopher Lloyd y Steve Buscemi, actores que para el que esto escribe son casi de culto, estos señores por muy poco espacio que aparezcan en pantalla, devoran con su presencia la misma.

Por ahí también aparecen un contenido William Forsythe y Treat Williams quien entrega las mejores escenas de humor negro y escupe diálogos que aun quedan en mi memoria, la escena donde Bill “Crítico” golpea cadáveres (pues trabaja en una funeraria preparando a los difuntos) como si fueran costal de boxeo, esto con el único fin de descargar su estrés jajajajaja, o cuando expresa que no le tiene miedo al asesino a sueldo que lo va ir a buscar y suelta la frase “ellos son Japon y yo soy Godzilla” son ejemplos para descojonarte de risa jajajaja.

A si pues considero que esta cinta es una excelente obra, ya que contiene elementos de cine noir, personajes entrañables y sobre todo una historia que atrapa desde su inicio, ya que se desarrolla de forma pausada, pero nunca aburrida, solo le pondría un inconveniente y este sería la relación amorosa de Jimmy (García) con Dagney (Gabrielle Anwar).

Desgraciadamente en su momento Asuntos Pendientes Antes de Morir, paso sin pena ni gloria ya que fue opacada por otros títulos de trama similar como Sospechosos Comunes (Bryan Singer, 1995) o la sobresaliente Jackie Brown (1997) del siempre controvertido Quentin Tarantino, empero es un titulo al que hay que rescatar del olvido y darle una segunda oportunidad. Para finalizar debo comentar que probablemente las imágenes que he subido en esta reseña puedan resultar de mala calidad (disculpas de antemano), ya que como no conseguí ninguna en la red, pues tuve que sacarles fotos directamente del televisor y de mi viejo vhs.

CINE DE AUTOR: LA HUIDA

TÍTULO ORIGINAL: The Getaway
AÑO: 1972
DURACIÓN: 122 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Sam Peckinpah
GUIÓN: Walter Hill (Novela: Jim Thompson)
MÚSICA: Quincy Jones
FOTOGRAFÍA: Lucien Ballard
REPARTO: Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson, Sally Struthers, Al Lettieri, Slim Pickens
PRODUCTORA: First Artists presents a Solar / Foster-Brower Production
GÉNERO: Acción Road Movie


¿Qué pasaría si dos colosos de la cinematografía unen sus talentos? Uno de ellos es un director bastante controvertido en la historia del cine por el uso de la violencia como medio de expresión en sus cintas y el otro es uno de los actores norteamericanos más carismáticos de la epoca de los 70´s y mediados de los 80´s. Me refiero a Sam Peckinpah y Steve McQueen quien con esta cinta refrendan su camarería profesional, puesto que ambos personajes habían trabajado antes en la cinta Junior Bonnie (1972). Pero respondiendo a la pregunta que planteo al inicio, el resultado es una excelente cinta de acción que sin embargo en su epoca no fue valorada como debía (como le sucede a algunas joyitas).

Bueno, el caso es que La Huida nos cuenta la historia de Doc McCoy (Steve McQueen) un experto en robos bancarios que se encuentra purgando una condena de 10 años en la cárcel, ahí el hombre a pedido en varios ocasiones que le otorguen libertad condicional, ya que durante cuatro años ha presentado buena conducta, sin embargo el director de la prisión, Jack Beynon (Ben Johnson) mueve sus influencias para que esto no suceda y como consecuencia le niegan esto a McCoy (McQueen), ¿la razón? Beynon (Ben Johnson)tiene un trabajito para nuestro desafortunado protagonista.

Incluso aunque Doc (Moqueen) sabe las intenciones del Director, esta ocasión no puede negarse más y le dice a su esposa, Carol (Ali MacGraw) que arregle las cosas con este para salir de prisión, de tal modo que cuando el hombre es liberado, también es advertido por Beynon (Ben Johnson) que en 24 horas será contactado por sus hombres para darle los detalles del golpe que planea que haga el (McCoy).

Asi pues, McCoy ya fuera de la cárcel tiene que aceptar este último trabajo a cambio de su libertad, por lo que con la ayuda de Carol planea el asalto, pero tendrán un inconveniente, ya que Beynon pondrá a dos de sus hombres para que acompañen a este par para asegurar los 500 mil dólares del robo. Como se puede inferir las cosas saldrán mal, ya que aunque la ejecución del golpe sale bien, cuando Doc (McQueen) va a repartir el dinero con los hombres de Beynon, uno de estos, llamado Butler (Al Lettieri) por su ambición provoca un enfrentamiento en el que McCoy le dispara y lo da por muerto, empero este solo queda mal herido y es el encargado de seguir al matrimonio para recuperar el dinero.

Es con este panorama que los McCoy con todos los pronósticos en contra, deberán llegar a la frontera de México para escapar, ya que la policia, Butler (Lettieri) y los hombres de Beynon los quieren bien muertos y lo peor es que quieren su dinero.

Como pueden leer el argumento de la cinta es hasta cierto punto básico y sencillo, pero lo que hace de este titulo un deleite, es primeramente el diseño de los personajes, ya que aunque nos encontramos con los tópicos del género estos se perciben creíbles, por ejemplo el personaje que interpreta de manera excelsa Steve McQueen es el típico perdedor que tiene una segunda oportunidad para triunfar en su fútil vida, el cual aunque elige el camino correcto para librar sus delitos, las circunstancias lo llevan de nuevo al camino de la trasgresión, universo en el que se mueve como pez en el agua y donde demuestra que es el mejor, aunque tenga que dejar una estela de muerte en su camino. Por tal motivo, el McCoy de McQueen es tan rico a nivel psicológico, ya que sus motivaciones son bastante turbias, pero comprensibles, por tal razón nos encontramos ante otro antihéroe, con el que incluso el presente llega a sentir empatia y se demuestra de nuevo que a Peckinpah le atraen estos personajes.

Por otra parte el personaje que interpreta Ali MacGraw rompe los estereotipos de la mujer en peligro, ya que esta tiene un papel de peso en la historia, incluso podremos ir percibiendo como este se va transformado conforme la trama avanza, pero al final su naturaleza violenta, al igual que la de Doc (McQueen) devela por que no pueden separarse. Y por último tenemos al malo, el malísimo de la función, un genial Al Lettieri que es de lo mejor del film, ya que funge como un perro de caza, el cual les respira en la nuca a nuestros protagonistas a cada paso que dan.

Cabe hacer mención que este personaje es bastante ruin, basta con observar cuando llega mal herido a atenderse a una clínica veterinaria y usa como objeto sexual a la mujer del médico, para después viajar con estos en busca de los protagonistas. Lo que desemboca en una relación bastante enfermiza por parte de la mujer, ya que al final como venganza a su marido (el veterinario) esta se enamora de algún modo de su raptor e incluso sostienen relaciones sexuales frente al frustrado sujeto, el cual al final termina por suicidarse, cosa que le importa poco a la exmujer de este y el villano, ya que estos se vuelven cómplices en esta violenta aventura. Por tal razón este arco argumental es muy interesante, e incluso nos muestra otra perspectiva sobre la naturaleza humana.

Ahora bien, el segundo aspecto que hace que la película sea una obra maestra del cine de acción, es sin duda la forma en que Sam Peckinpah rueda las secuencias en donde intervienen proezas con autos o tiroteos (el clímax en el hotel es lo mejor que he visto en este aspecto y tiene su aire a Western) y sobre todo es un genio a la hora de crear tensión (la secuencia del tren te mantiene pegado a tu asiento), el hombre comprende el lenguaje a través de las imágenes, razón por la cual los fotogramas que presenciamos son un ejercicio narrativo exquisito, esto gracias a que el director sabe como manejar su cámara, el tipo la inserta donde otros fulanos ni siquiera sueñan (ojala Michael Bay viera esta cinta para que sepa como se hacen las cintas de acción) en medio, arriba, adelante, etc. Y lo mejor, el director norteamericano vuelve a usar la violencia gráfica como objeto en el cual sustenta su discurso.

Tal vez para muchos La Huida solo signifique una cinta más de acción , sin embargo al visionar este añejo titulo me doy cuenta que hacen falta tipos como Peckinpah y McQueen en la actualidad, ya que en ellos la violencia y lo políticamente incorrecto sabe a gloria, sobre todo si las nuevas generaciones tienen como referentes a tipos como Robe Cohen, Nicolas Cage, Will Smith o Vin Diesel, los cuales cuando comparamos sus trabajos con el del par mencionado arriba nos parecen juegos de niños.