EL RINCON DE HARRISON

CIENCIA FICCIÓN: GIGANTES DE ACERO

2012-02-06T15:10:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Real Steel
AÑO: 2011
DURACIÓN: 126 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Shawn Levy
GUIÓN: Leslie Bohem, John Gatins, Dan Gilroy, Jeremy Leven (Historia corta: Richard Matheson)
MUSICA: Danny Elfman
FOTOGRAFÍA: Mauro Fiore
REPARTO: Hugh Jackman, Dakota Goyo, Evangeline Lilly, Anthony Mackie, Kevin Durand, Hope Davis, James Rebhorn, Marco Ruggeri, Karl Yune, Olga Fonda, John Gatins
PRODUCTORA: DreamWorks SKG / ImageMovers / Angry Films
GÉNERO: Ciencia Ficción.

Es muy recurrente que la industria cinematográfica vierta sus exaltaciones discursivas e ideológicas a través de filmes donde el deporte funciona como metáfora para resaltar ciertas virtudes o hazañas humanas, ejemplos encontramos muchos, ahí se haya aquella divertida The Mighty Ducks (Stephen Herek, 1992) donde Emilio Estévez interpretaba a un júnior que después de ser sentenciado a prestar servicio social gracias a un comportamiento destructivo, es el encargado de capitanear un equipo de jockey formado por un grupo de chicos marginados los cuales gracias a valor y coraje logran ser campeones de una pequeña liga. Por supuesto el film de la Disney cuenta con los ingredientes perfectos que balancean por dosis iguales drama, romance y heroicidad por lo cual la cinta se descubre como una afortunada historia de redención y se descubre como uno de los títulos menos costrosos de la factoría del ratón Miguelito, provocando que el titulo protagonizado por Estévez gozara de gran aceptación y por ende la obligada secuela menos afortunada.

El fútbol soccer también ha tenido sus contrapartes fílmicas con aquella Victory de John Huston (1981), cinta ambientada en la segunda guerra mundial donde un grupo de soldados de la resistencia nazi que se encuentran confinados en un campo de guerra se juegan la vida en un partido contra el equipo teutón. Cabe hacer mención que tanto el argumento como el casting es para jalarse los pelos (jajaja) pues aquí podemos ver a un Sylvester Stallone en pleno ascenso al estrellato junto a un Michael Caine que se come al interprete de Rambo con una actuación casi en automático, y la cereza en el pastel es poder ver actuar junto a este par al astro futbolista brasileño, Pele. Ya por último y para no extenderme demás pues los ejemplos son innumerables, citare el film de John G. Avidsen de 1976 llamado Rocky, cinta que se ha vuelto ya un referente en la cultura popular que ha perdurado con los años en el inconsciente colectivo de millones de cinéfilos de todo el mundo, y con el cual se pueden encontrar inmensidad de similitudes al titulo que protagoniza Hugh Jackman, ya que sin lugar a dudas el boxeo sirve en demasía como vehículo para representar aspectos netamente existenciales y se acomoda a la perfección para contar historias de exoneración.

Pero comencemos, Gigantes de Acero nos cuenta la historia de un futuro no muy lejano en donde los deportes han evolucionado de tal manera que ahora estos son realizados por enormes robots (por lo menos su servidor a si lo infiere pues solo se muestra este aspecto en el boxeo), todo en afán de saciar las exigencias de un espectador que busca más y más adrenalina por lo cual ahora las peleas pugilísticas las realizan esos gigantes de acero hasta que alguno de los contrincantes quede despedazado. Es así como conocemos a Charlie Kenton (Hugh Jackman) un ex boxeador fracasado que se dedica a viajar a través de la nación norteamericana para enfrentar a su mal trecho robot por unos cuantos miles de dólares, sin embargo la mayoría de las veces las cosas no salen del todo bien pues la ambición económica de nuestro amigo y sus malas decisiones lo llevan a terminar con su androide deshecho al tiempo que siempre se ve sumergido en peleas y perdidas económicas.

Pero cierto día cuando regresa a casa para tratar de arreglar lo que queda de su último robot (que fue despedazado cuando lo enfrentó contra un toro en un rodeo) con la ayuda de su novia Bailey (Evangeline Lilly), recibe la noticia de su ex esposa ha muerto y la patria potestad de su hijo Max (Dakota Goyo) es solicitada por su cuñada Debra (Hope Davis) la cual esta casada con un prominente hombre (James Rebhorn) quien decide encargarse de su sobrino. Por supuesto a Charlie (Jackman) le interesa un cojón lo que suceda con su vástago y decide entregarlo a su cuñada por una considerable cantidad de dinero para poder adquirir otro robot y regresar al negocio, por lo cual se arregla con el esposo de esta, pero solo existe una condición y esta es que Charlie cuide de Max (Goyo) por un mes mientras sus nuevos progenitores se encuentran de vacaciones.

Como el respetable podrá inferir el tiempo que pasaran juntos padre e hijo servirá para conocerse y encontrarse a si mismos, todo esto enmarcado a través de un viaje que los protagónicos realizan a través de varios estados cuando acompañan en cada lucha al pequeño Atom (el cual descubre en un deshuesadero de robots el propio Max) un robot de primera generación que no cuenta con el suficiente “poder” para vencer a adversarios más fuertes que el, pero que a comparación de estos esta dotado de algo más que no tienen los otros, corazón; aspecto que lo hará ganar cada enfrentamiento que afronta por lo cual comenzará a ganar cierta reputación en los pequeños circuitos de boxeo, hasta que gracias a esto el disfuncional trío tenga en sus manos la oportunidad de competir por el campeonato de boxeo profesional en contra del gran Zeus (jajaja ¿padre de Apollo?), el más poderoso e invencible armatoste creado por una de las más avanzadas empresas tecnológicas de la epoca.

Si bien la premisa es algo sencilla y muchas veces vista (con todo y que la escribieron cuatro sujetos) son las motivaciones y diseño de personajes donde el filme del muchas veces autocomplaciente director Shawn Levy (Una Noche en el Museo 1 y 2) logra funcionar, y es que es de agradecer que los guionistas no quieran tomarle el pelo al respetable con situaciones maniqueas o lacrimógenas, algo muy recurrente en filmes de esta índole, por ejemplo su servidor recuerda aquella ochentena y cutre cinta llamada Halcón (Menahem Golan, 1986) donde Stallone interpretaba a un camionero que viaja de estado en estado compitiendo en un torneo de vencidas al lado de su hijo (al cual también se le murió la madre) para obtener un preciado premio, donde a final de cuentas el discurso sobre lo verdaderamente importante se viene a bajo gracias a un tratamiento de guión pueril y manido, y por supuesto a una de las peores interpretaciones de Sly, provocando que dicha cinta sea de lo peorcito de su filmografía.

En cambio en la cinta que protagoniza el siempre carismático Hugh Jackman podemos descubrir a personajes que si bien no dejan de ser algo arquetípicos por lo menos se encuentran dotados de pathos, por ejemplo Charlie Kenton es un sujeto lleno de grandes defectos y carencias emocionales lo que hace que dicho personaje se perciba como un verdadero hijo de puta, el cual basa su moral en ganancias económicas, pero que sin lugar a dudas debajo de aquella careta de tipo rudo e inexpresivo se encuentra un hombre con anhelos y sueños rotos los cuales quedan al descubierto cuando su hijo Max se los refleja a través de su propia experiencia, o como hubiera dicho el buen Jor-El (Marlon Brando) “el padre se convierte en el hijo y el hijo se vuelve el padre”.

De ahí que la relación entre estos (padre e hijo) y su obvia evolución se perciba natural con todo y que esta no se desarrolla de forma sencilla pues los personajes chocan y tiene desencuentros gracias a sus experiencias, y aunque al final encontremos una resolución positivista, hay que señalar que este aspecto no los despoja de su identidad. Y esto nos lleva a resaltar otro aspecto positivo y este es la química que logran entre si Jackman y el joven Dakota Goyo, pues el primero logra componer otra de esas actuaciones que tanto se le acomodan (las de sujetos con cierto dejo de valemadrismo pero humano) al tiempo que demuestra que su espectro actoral esta más allá de encarnar a Wolverine.

Por otra parte Dakota Goyo como Max Kenton logra entregar una digna interpretación como el hijo autosuficiente y resentido, el cual hay que resaltar por lo menos no resulta fastidioso como sucede en otras cintas donde hay niños. Y por último Evangeline Lilly funciona correctamente como el interese amoroso de Charlie (Jackman). Ahora bien en el apartado técnico y visual debo decir que me resulto acertado el planteamiento de la época ya que el futuro que se esboza resulta bastante próximo y por ende realista, gracias también a una implementación de tecnología futurista en demasía sutil; y por supuesto el diseño de los robots es otro aspecto que igualmente ayuda mucho ya que estos logran destilar gran personalidad aun y cuando son seres inanimados controlados por computadora que no necesitan hablar para transmitir tal o cual emoción.

Pero sin lugar a dudas debo resaltar que Levy logra balancear por partes iguales drama y acción, y es este segundo aspecto el que lleva al film a otro nivel, sobre todo cuando se nos presentan esas excitantes peleas entre robots las cuales se encuentran impregnadas de emoción y audacia, sobre todo ese enfrentamiento final que significa el punto álgido del film que se da entre Rocky y Apollo, ¡perdón, perdón! Entre Atom y Zeus (jajaja), pelea que goza de una de las coreografías boxísticas más realistas y emocionantes que su servidor haya visto desde Rocky Balboa (Stallone, 2006). Por supuesto que las comparaciones que uno pudiera hacer entre Gigantes de Acero y la cinta de Avildsen pueden resultar enfadosas pero inevitables pues estas se parecen en fondo pero diferentes en forma, empero hay que acotar que el film de Shawn Levy sale bien librado por tener identidad propia y descubrirse como una propuesta honesta. Sin embargo su servidor solo encontró en la banda sonora de Danny Elfman tal vez el punto más flojo de todo el proyecto, pues esta resulta demasiado genérica.

Así que ya para finalizar diré que recomiendo Gigantes de Acero como una sólida cinta de entretenimiento familiar la cual aunque parezca una sencilla historia de redención guarda entre líneas aspectos humanos en demasia lúgubres y complejos que hacen del film una obra madura, la cual revela como principales virtudes un guión cuidado y un carismático protagónico. ¡Ah! también recomendada para los que estén cansados de ver a Stallone interpretando al buen Rock por enésima vez, jajaja.

JEAN-CLAUDE VAN DAMME EN: JUEGO DE ASESINOS

2012-01-30T18:39:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Assassination Games (AKA Weapon)
AÑO: 2011
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Ernie Barbarash
GUIÓN: Aaron Rahsaan Thomas
FOTOGRAFÍA: Phil Parmet
MUSICA: Neal Acree
REPARTO: Jean-Claude Van Damme, Scott Adkins, Kevin Chapman, Ivan Kaye, Valentin Teodosiu, Alin Panc, Serban Celea, Michael Higg s, Kristopher Van Varenberg, Bianca Van Varenberg
PRODUCTORA: Motion Picture Corporation of America (MPCA) / Mediapro Studios
GÉNERO: Acción.

“La mejor arma para un enemigo es otro enemigo”

-Friedrich Nietzsche.

Una boda se celebra dentro de un elegante recinto, ahí una hermosa novia se prepara para dar su discurso y agradecer a su padre por hacer su sueño realidad al realizar dicho evento (en esos momentos el respetable se da cuenta que el padre de la novia es algún jefe de la mafia rusa pues se encuentra custodiado por varios guardaespaldas), instantes después un mesero trata de acercarse a la mesa principal para servir más champaña, sin embargo los guardias lo detienen para revisar que este no lleve consigo algún tipo de arma pues cuidan celosamente la seguridad de su jefe. Acto seguido cuando el hombre es revisado y no representa aparente peligro, se le es permitido acercarse para seguir con sus deberes por lo cual se aproxima al canoso sujeto y trata de servirle otra copa, empero el empleado solo consigue derramar el liquido en las ropas de este causando que el mencionado se enoje y lo eche del lugar, sin embargo después asistimos que esto fue solo una artimaña del misterioso hombre para eliminar al capo ya que después descubrimos que los familiares de la víctima comienzan a gritar cuando se dan cuenta que al hombre le han rebanado la garganta y su sangre se vierte en su propia humanidad, todo esto ante la mirada atónita de los invitados.

Momentos después el asesino huye del lugar tranquilamente y más tarde se encuentra con el hombre que paga por sus servicios, en ese instante conocemos a Vincent Brazil (Jean-Claude Van Damme) un frío y calculador sujeto que basa su ética moral dependiendo de que tan grande sea el monto de la paga que reciba. Mientras tanto en otro punto de la ciudad, unos corruptos agentes de la Interpol planean liberar a uno de los mas peligrosos mafiosos de Rumania que se encuentra confinado en prisión, un sujeto llamado Polo Yakur (Ivan Kaye) principal capo de las drogas y asesino, esto para usarlo de carnada y así poder dar con el paradero de Roland Flint (Scott Adkins), un ex agente de la propia corporación que desapareció con varios millones de dólares. Y es que tanto Flint como Polo tienen un pasado escabroso pues el segundo fue el encargado de dejar en estado de coma a la esposa del primero cuando el mafioso y su banda violaron y golpearon a la mujer del agente en una operación que salió mal, por lo cual Roland Flint después de los hechos se esfumó junto con su esposa Anna Flint (Bianca Van Varenberg) para salvaguardar sus vidas, sin embargo no olvida el evento y se las tiene guardadas a Yakur.

Sin embargo ahora que Polo esta libre, los agentes Godfrey (Michael Higgs) y Schell (Kristopher Van Varenberg) suponen que al enterarse Flint de esto saldrá de su escondite para matar a su antiguo enemigo y vengarse por lo que le hizo a Anna, por lo cual aprovecharan para atraparlo con el objetivo que este les de el dinero con el que huyo, sin embargo la ecuación no saldrá como todo se había planeado ya que otro contratista también ha enviado a Brazil (Van Damme) para eliminar al recién salido capo por lo cual inevitablemente se desatará el infierno cuando Flint (Adkins) y Brazil (Van Damme) se enfrenten, pues el primero quiere eliminar a Polo por venganza y el segundo busca el mismo objetivo para cobrar una buena cantidad de efectivo.

Como podrán darse cuenta con todo y que el argumento parece demasiado tópico y enredado, pues es inevitable al visionar Juego de Asesinos recordar filmes como Asesinos de Richard Donner(1995), El Mecánico (Simon West, 2011) con Jason Statham, e incluso aquella cinta donde vuelve a repetir el propio Stataham (pues esta de moda, jajaja) con De Niro y Clive Owen llamada Asesinos de Élite (Gary McKendry, 2011), filmes que basan su argumento en la interiorización y la exploración de la ética y moral de los hombres que desarrollan el tan peculiar oficio de matar por dinero, debo decir que sorprendentemente el film de Ernie Barbarash funciona gracias a que el tratamiento del guion se desenvuelve por capas, esto quiere decir que durante los primeros treinta minutos la cinta se toma el tiempo para exponernos las personalidades y motivaciones de los protagonistas con el objetivo de que conozcamos su psicología y saber por que actúan de tal o cual manera, para conforme avance la historia estos puedan ir tomando determinados arcos argumentales (cosa que pocas veces acontece en productos de serie b sacados directamente a formato casero); de ahí que cuando llega el inminente enfrentamiento y la posterior alianza entre asesinos, este evento no se siente del todo forzado e incluso se descubre como un legítimo leit motiv.

Por tal motivo esta cinta deja un poco de lado las secuencias de acción por lo cual aquel que espere ver a un duro Van Damme hacer gala de sus habilidades físicas quedará un tanto decepcionado al ver que el histrión belga ha cedido la estafeta a Scott Adkins (nuevo ídolo de las cintas de acción de serie b caseras) para ponerle algo de movimiento y violencia a una historia de traiciones y desencuentros. Sin embargo esto no es del todo negativo pues nos da la oportunidad de visionar de nueva cuenta a un Jean-Claude más maduro a nivel interpretativo por lo cual esa deshumanización y ambigüedad que transmite su personaje se ve reflejada a través de una interpretación sobria, así como a la implementación de diálogos que no le toman el pelo al espectador, y sobre todo un rostro pétreo que demuestra que los años no han pasado en vano en el actor de Kickboxing, el cual dicho sea de paso ha dejado de ser aquel chicuelo que soñaba con conquistar Hollywood. Además que la química entre Van Damme y Adkins represente otro de los puntos álgidos de la cinta, sin embargo también encontramos aspectos que hacen que la misma destile cierta mediocridad, y estos son indudablemente esa plantilla de actores secundarios que le restan credibilidad a los parlamentos y a ciertas situaciones, la prueba más fehaciente es sin lugar a dudas el que interpreta el propio hijo de JCVD, Kristopher Van Varenberg, pues uno nunca se traga la idea que este tío es un agente de la Interpol y menos que es corrupto.

Incluso y aunque la interpretación del actor Ivan Kaye como el villano en turno no esta del todo mal, este no logra ese punch que pudo haberle dado algún actor más conocido como por ejemplo un Michael Madsen, lo que nos lleva a otro de los problemas del film, un ínfimo presupuesto, el cual probablemente no alcanzó para convencer a Madsen para participar en dicho proyecto pues el actor norteamericano es asiduo a trabajar en producciones que van de la serie B a la Z, (jajaja). Como también se ve reflejado en algunas de las locaciones, como por ejemplo aquel cuarto de hotel amueblado con un archivero y una computadora que se nos pretende vender como legítima oficina de la Interpol en donde se desarrollan los planes para atrapar a Flint.

Bueno, pero con todos estos inconvenientes aun así el director Ernie Barbarash logra ingeniárselas para dotar a su film de cierto estilo visual que roza el noir, gracias a una elección de locaciones naturales de alguna ciudad de Rumania (país donde resulta más rentable la realización de cintas que en los propios Estados Unidos) y a la implementación de una fotografía que encuentra en una iluminación dura y varios encuadres constreñidos a los rostros de sus protagónicos un lenguaje que valida la propuesta, amén que se agradece la no utilización de una cámara frenética y la implementación desmedida de flashbacks que en aras de querer dotar a las cintas de acción de cierta originalidad y realismo, solo consiguen desesperar al espectador.

Ya para finalizar solo diré que recomiendo Juego de Asesinos para incondicionales de Van Damme, en lo concerniente a su servidor puedo decir que me ha gustado un poco más que Operación Peligrosa (Isaac Florentine, 2008) y un tanto menos que Soldado Universal Regeneración (John Hyams, 2009), sin embargo agradezco el intento de Jean-Claude por comprometerse a interpretar personajes más complejos a nivel actoral, al tiempo que dicha cinta prepara la antesala para el regreso del actor belga a las salas de cines con su participación en The Expendables 2 (Simon West, 2012) al lado de viejas glorias del cine de acción y nuevos "talentos" como el propio Scott Adkins, quien también tendrá una aparición en la cinta que esteraliza Stallone. Y se cierra el círculo.

DC UNIVERSE: RED

2012-01-23T17:24:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Red

AÑO: 2010

DURACIÓN: 111 min.

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Robert Schwentke

GUIÓN: Jon Hoeber, Erich Hoeber (Cómic: Warren Ellis)

FOTOGRAFÍA: Florian Ballhaus

MUSICA: Christophe Beck

REPARTO: Bruce Willis, John Malkovich, Morgan Freeman, Helen Mirren, Karl Urban, Mary-Louise Parker, Brian Cox, Richard Dreyfuss, Rebecca Pidgeon, Ernest Borgnine

PRODUCTORA: Di Bonaventura Pictures / Summit Entertainment

GÉNERO: Acción.

De un tiempo para acá ese mudillo tan maravilloso que es el cine (y otras veces un tanto costrosa) nos ha mostrado producciones en las cuales se retoman héroes de la vieja guardia para revivir viejas glorias con el objetivo de atraer nuevos públicos, al tiempo que los fieles y nostálgicos seguidores disfrutan como niños esa baza que parece negarse a la extinción, para esto tenemos la muestra más clara y mediática con Sylvester Stallone y sus The Expendables (2010) de la cual ya se encuentra próximo el estreno de una secuela que promete más espectáculo que la original el siguiente verano, sin embargo este aspecto no es del todo nuevo en realidad ya que si uno hace un poco de memoria descubrirá que hasta el mismísimo John Wayne siguió interpretando papeles de héroe a la edad de 62 años (lo que le generó varias críticas sobre todo cuando aun realizaba algunos Westerns) como también lo hiciera el rudo Lee Marvin con 62 primaveras a cuestas en aquella su última actuación en la cual acompañara a Chuck Norris en Delta Force (Menahem Golan, 1986).

Por tal motivo no es de sorprender que actores consagrados e incluso que nunca habían participado (o casi nunca) en producciones del tan mancillado género de acción como John Malkovich, Morgan Freeman o Helen Mirren (como es el caso de este film), ahora voltean a este para participar en tan socorridos ejercicios cinematográficos que tienen como fin primordial brindar una visión posmodernista del propio filtrado a través de un lenguaje plástico vanguardista; de ahí que la mencionada cinta RED (Retirados Extremadamente Peligrosos) entre en esta clasificación. ¿Pero de que va esta adaptación cinematográfica de la novela gráfica de la DC Comics? La historia nos cuenta la vida de Frank Moses (Bruce Willis) un tranquilo sujeto que vive placenteramente en un suburbio de Cleveland, el cual se encuentra jubilado y por ende cuenta con mucho tiempo libre, el cual utiliza en ejercitarse por las mañanas al tiempo que entabla una extraña relación vía telefónica con una mujer llamada Sarah (Mary Louise-Parker) por las tardes, una oficinista que trabaja en el departamento de jubilaciones y es amante de las novelas románticas que vive en Kansas City.

El hecho es que Frank (Willis) decide ir a conocer personalmente a Sarah para saber si su relación puede funcionar, sin embargo sus planes “cambiaran solo un poquito” cuando una noche un grupo de élite ingrese a su casa para asesinarlo sin motivo aparente, pero para sorpresa de éstos (y del propio espectador) el viejo hombre elimina a todos los agentes de forma expedita y posteriormente planea buscar a Sarah, pero antes de esto visita a un viejo amigo llamado Joe Matheson (Morgan Freeman) quien se encuentra confinado en un acilo para ancianos para advertirle que alguien quiere eliminarlos, es en ese momento que descubrimos que tanto Frank como Joe (Freeman) son agentes jubilados de la CIA; acto seguido Frank viaja a Kansas City para encontrarse con Sarah, empero dicho encuentro no es del todo romántico pues el hombre rapta a la chica (jajaja) y la lleva consigo para investigar quien esta detrás de la misión que ordeno asesinarlo, es por esto que el ex agente Moses vuelve a reunirse con sus antiguos colegas Joe (Freeman), Marvin Boggs (John Malkovich), Victoria (Helen Mirren) e Ivan Simanov (Brian Cox) para que lo ayuden en esta nueva misión.

Sin embargo la misión no será tan simple ya que el joven agente William Cooper (Karl Urban) encargado de arrestar al Moses le ira pisando los talones a cada paso que da, empero conforme avance la trama (y aumenten los cadáveres, jajaja) descubriremos que el propio agente Cooper es también un peón más en este intrigante puzzle que guarda una sórdida conspiración en la cual esta involucrado el vicepresidente de Los Estados Unidos de América. Como podrá darse cuenta el respetable, la premisa que plantea el guión de Jon y Erich Hoeber puede no resultar del todo nueva pues esta recurre a clásicas tramas argumentales de espionaje donde agentes se convierten en renegados del sistema que los hizo y deben limpiar su nombre, ejemplos tenemos la Saga Bourne (2002-2007) e incluso la última aventura del 007, Quantum of Solace (Foster, 2008); pero aquí el guión infiere sobre esas actividades ilegales que el gobierno norteamericano ha realizado desde que se fundo la CIA allá por el año de 1947 (fechorías que se documentaron durante los años setentas en un expediente secreto conocido como Las Joyas de la familia, el cual vio la luz pública treinta años después), de ahí que el argumento utilice como mcguffin la misión que Los Estados Unidos ejecutó en Guatemala en los años 50 de las cuales fueron participes los agentes que ahora buscan ser eliminados por la propia agencia en la que trabajaron pues al parecer saben demasiado.

Sin embargo y como comentaba esto solo se vale como una excusa para que el director Robert Schwentke despliegue una serie de proezas visuales convirtiendo el film en una hazaña a nivel plástico (haciendo bastante justicia a la estética de cómic), dotando al mismo de un ritmo trepidante en donde el espectador no tiene la oportunidad de confirmar que el diseño de personajes es a todas luces tópico, empero esto no debe tomarse como un defecto pues la concepción de los mismos funciona bastante bien en el universo planteado tanto por los guionistas y director, por lo cual presenciar los diversos pasajes donde interviene Willis y compañía peleando mano a mano o utilizando alguna arma de fuego se agradecen de sobre manera, sobre todo cuando el respetable ve con cierto gozo como Helen “The Queen” Mirren le dispara a un grupos de agentes del servicio secreto con una poderosa metralleta.

Importante también es decir que con todo y que las secuencias de acción estan bien montadas (la pelea que sostiene Bruce Willis y Karl Urban en el interior de las oficinas de la CIA es de lo mejor del film) es el carisma y química entre los grandes actores lo que permite al espectador que estos se vuelvan creíbles, y por ende al respetable le concierna lo que pasa con ellos (y es que los momentos que incluyen cierto drama son bien llevados por estos y no se perciben sobrados), por ejemplo John Malkovich esta genial como el sicótico Marvin (hilarante la escena donde sale gritando detrás del vicepresidente de los Estados Unidos con una bomba amarrada a su pecho, (jajaja), Morgan Freeman aporta esa sobriedad y elegancia a su personaje con su sola presencia, Hellen Mirren esta excelente como la letal Victoria, Brian Cox en su pequeño papel no lo hace nada mal y Bruce Willis esta en su línea de John McClean.

Por otra parte los actores más jóvenes como Karl Urban y Mary Louise-Parker no desentonan a sus contrapartes maduras, y por último fue una sorpresa para su servidor volver ver frente a pantallas al mítico Ernest Brognine en un pequeño papel y descubrir a Richard Dreyfuss como el malvado Alexander Dunning, el villano en turno. Sin embargo solo podría achacar como aspecto perjudicial o inverosímil la relación que se da entre Frank (Willis) y Sarah (Mary Louise-Parker) ya que esta se desarrolla de manera bastante pueril y uno nunca termina de tragarse semejante arco argumental. Ya para finalizar puedo decir que RED es una recomendable cinta de acción que tiene como mayor aliciente un acojonante elenco (suficiente motivación para ver el film ¿no?), un ritmo y una plástica visual atractiva, al tiempo que su falta de seriedad sobre si misma y las grandes dosis de humor negro hacen que esta se descubra como un film honesto y que si bien no pasará a los anales del cine de acción, por lo menos no le toma el pelo al espectador (¿alguien se acuerda de Fast Five?).

EL FUERA DE LA LEY de Clint Eastwood

2012-01-18T17:13:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Outlaw Josey Wales
AÑO: 1976
DURACIÓN: 135 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Clint Eastwood
GUIÓN: Phil Kaufman & Sonia Chernus
FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees
MUSICA: Jerry Fielding
REPARTO: Clint Eastwood, Chief Dan George, Sondra Locke, John Vernon, Bill McKinney
PRODUCTORA: Warner Bros / Malpaso Company
GÉNERO: Western.

-Josey Wales: ¿Eres tu Diez Osos?

-Diez Osos: Yo soy.

-Josey Wales: Yo soy Josey Wales.

-Diez Osos: Eso he oído, eres el caballero gris. No quisiste la paz con los federales, puedes marcharte.

-Josey Wales: No lo creo…… no tengo a donde ir.

-Diez Osos: Entonces morirás.

-Josey Wales: Vine aquí a morir contigo, o a vivir contigo. Morir no es lo más duro, lo duro es vivir. Todo lo que amábamos ha sido masacrado o violado. Las personas viven juntas, no los gobiernos. Los gobiernos te engañan siempre. He venido a hablar o a luchar, como lo desees. Vine para que sepas que mi palabra de muerte es cierta, así como mi palabra de vida. Los hombres pueden vivir juntos sin matarse entre ellos.

-Diez Osos: Es una pena que los mentirosos estén a cargo de los gobiernos. Los comanches ven el hierro en tu palabra de muerte y el hierro en tu palabra de vida, ningún papel puede contener el hierro, debe venir de los hombres. La palabra de Diez Osos lleva hierro de vida y muerte. Es bueno que los guerreros se encuentren en la batalla de la vida o de la muerte……….. que sea la vida.

Como muchos lectores sabrán el género western es uno de mis favoritos ya que como he explicado anteriormente éste lejos de mostrar solo hombres rudos y mal humorados enfundando pistolas para demostrar su virilidad, implícitamente ahonda de manera fehaciente en aspectos tan complejos como es la naturaleza del propio ser humano por lo cual visionar parte de la obra de Sam Pekinpah, John Ford, Sergio Leone, Don Siegel y por supuesto la del propio Eastwood es adentrarse en un universo netamente paradójico (claro muy diferentes las obra de estos autores tanto en fondo como en forma), donde lo hermoso choca con lo brutal convirtiendo esta experiencia sensorial en un viaje lleno de lirismo, de ahí que los protagónicos, esos seres llenos de adversidades geográficas, con avances tecnológicos arcaicos y sobre todo con una cultura insipiente, además tengan que coexistir con su propia bestialidad humana en aras de la búsqueda de una frágil y falaz civilidad.

De ahí que el propio Clint nos haya regalado para la posteridad cintas como Los Imperdonables (1992), El Jinete Pálido (1985) y por su puesto ésta cinta llamada El Fuera de la Ley, donde el otrora actor/realizador nos cuenta la cruenta historia de un Estados Unidos en post guerra civil (año de 1865 aproximadamente) en el que los habitantes de los estados peleaban entre si defendiendo una libertad manida, atestando un ambiente lleno de asesinatos a los que no estuvieran de acuerdo con La Unión (agrupación creada por algunos senadores de Los Estados Unidos para controlar a los rijosos), desgracia que sufre el granjero Josey Wales (Clint Eastwood) una desoladora mañana de otoño cuando los botas rojas (mercenarios al servicio de la Unión) liderados por el sádico Terrill (Bill Mckinney) irrumpen en la propiedad del hombre solo para presenciar como le arrancan la vida a su esposa e hijo, mientras el queda mal herido ante la impotencia de no poder salvarlos; motivo por el cual cuando Wales despierta mal trecho se encuentra con que un grupo de rebeldes que también han sufrido los abusos de los legionarios se están organizando para derrocar a la Unión, por lo cual Josey se les une para vengar las muertes de sus seres queridos.

Sin embargo aun y cuando Josey Wales participa en incontables batallas en contra del ejercito opresor, este no logra resarcir el dolor y pena que le ha causado la perdida de su familia por lo cual cuando parece que la guerra ha terminado y los diferentes frentes rebeldes que peleaban por su libertad se rinden ante el gobierno, Josey decide quedarse solo como un nómada sin motivación alguna, empero sus acciones harán que el gobierno lo convierta en un fugitivo cuando nuestro protagonista descubra que el supuesto acuerdo que ofrece la Unión con los rebeldes es solo una emboscada para eliminarlos, por lo cual Josey en un intento de frustrar dicho embuste mata a varios soldados de la legión, operación que le ha costado que le pongan precio a su cabeza en todo territorio norteamericano. Es por este motivo que Josey Wales busca huir a México para evadir a los botas rojas quienes quieren su cabeza, sin embargo en su camino el duro y pétreo Josey (Eastwood) irá conociendo infinidad de gente a la cual ayuda en su largo viaje, lo que irá engrandando la leyenda que se ha forjando alrededor de su persona y paradójicamente aun y cuando el héroe busca de algún modo la muerte, descubrirá que sus acciones le deparan lo contrario.

Cuando uno visiona en primera instancia El Fuera de la ley imagina encontrar una historia de venganza con un Clint Eastwood regio y expedito eliminando cuatreros a diestra y siniestra (sobre todo por como se desarrollan los primeros momentos), sin embargo conforme avanza la cinta descubrimos que tanto el planteamiento de personajes como el guión nos llevará por un sendero donde el film busca profundizar en aspectos más intrínsecos provocando que el discurso final se vuelva atemporal y se perciba despojado de grandilocuencias (gracias a un inteligente guión de Phil Kaufman), por lo cual incluso la época y entornos geográficos en los cuales se sitúan los eventos y donde encontramos paisajes áridos y desoladores, se descubran como aspectos narrativos que refuerzan de forma solvente la metáfora sobre la condición humana que nos quiere transmitir el Eastwood director (no por nada su servidor siempre ha pensado que los buenos western contienen algún ápice de misticismo y existencialismo).

Por lo cual no es casualidad que la interpretación que entrega Eastwood se perciba en demasía lacónica, provocando que su personaje se vuelva bastante rico en matices psicológicos, aun y cuando la figura de este también pueda percibirse en demasía ambiguo (aspecto que llevaría al siguiente nivel en el Jinete Pálido, al volver al personaje del reverendo casi una figura etérea); de ahí que el histrión oriundo de San Francisco componga una de las mejores actuaciones de su carrera pues aunque en la mayoría del film veamos a un Eastwood mal encarado, frunciendo el seño y escupiendo tabaco, estos artilugios sin lugar a dudas dotan de humanidad al personaje de Wales volviéndolo entrañable. Como también se perciben honestos los diferentes personajes que convergen con el protagónico, por ejemplo los indios piel roja como Leon Watie (interpretado con gran naturalidad por Chief Dan George) y Luz de Luna (Geraldine Keams), quienes se unen en primera instancia a Wales, y por último el imponente Diez Osos (Will Sampson) con el cual el inquebrantable héroe sostiene la conversación más importante que supone el punto neurálgico del film por su discurso ideológico cargado de gran estudio crítico y lleno de lirismo.

Y es que hay que acotar que dichos personajes estan tratados con gran respeto y dignidad por lo cual se encuentran despojados de manierismos baratos evitando con esto ser simples arquetipos, asi como también sucede con los papeles de Paula Treuman (como la abuela Sarah) y Sondra Locke (como Laura Lee) los cuales muestran de manera correcta el papel de la mujer de esa epoca. Tal vez el único personaje que podría considerarse algo arquetípico sea el Terrill de Bill Mckinney (el cual parece un perro rabioso que le respira en la nuca a Wales y sus aliados), sin embargo dicho planteamiento de este villano también podría interpretarse como la materialización de todos los males que aquejan a la humanidad, pues este sujeto es ambicioso, sádico, violento y amoral, por lo cual no desentona en absoluto en este extraordinario relato. Y por último el personaje de Al (John Match) es de algún modo la representación del espectador, ya que este solo ve con impotencia como se desarrollan los eventos sin poder hacer nada.

En lo concerniente al apartado visual hay que decir que Eastwood resuelve con solvencia el film, dotándolo de una imagineria visual y narrativa llena de poesía, con esos majestuosos paisajes en tonos ocres y rojizos enmarcados en espectaculares panorámicas, las cuales dan una sensación de ensueño gracias también a una fotografía naturalista que corre a cargo de Jerry Fielding. Por otro lado esta preciosidad que el director plantea a nivel plástico se contrapone con la crudeza con la que Eastwood encuadra ciertas escenas, como por ejemplo aquella en donde Laura Lee (Sondra Locke) esta apunto de ser ultrajada sexualmente por una banda de cuatreros, o el mismo inicio de la cinta donde se nos muestran las atrocidades que comete la Unión en contra de la familia Wales.

Asi mismo debo resaltar que las secuencias donde intervienen tiroteos estan filmadas con gran pulso por lo cual El Fuera de la ley cumple en este apartado como cualquier Western cojonudo (sobre todo el tercer acto final donde Eastwood se despacha a los malos con ayuda de su familia adoptiva, genial). Ya para finalizar diré que usted no debe perderse esta exquisita cinta del maestro Eastwood, ya que dentro de ese minimalismo plástico y discursivo que se plantea el film, podemos encontrar una épica existencial que se vuelve universal y por ende atemporal, la cual además contiene un carismático protagonista, algunas dosis de humor negro y una banda sonora que cierra con broche de oro esta producción que por momentos no veía la luz cuando Phil Kaufman (guionista y director en un principio) abandonó el proyecto por diferencias creativas, hasta que el propio Clint le retomo para convertirlo en un clásico del cine.

ROCKY IV de Sylvester Stallone

2012-01-12T18:13:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Rocky IV
AÑO: 1985
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Sylvester Stallone
GUIÓN: Sylvester Stallone
FOTOGRAFÍA: Bill Butler
MUSICA: Vince DiCola
REPARTO: Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers, Brigitte Nielsen, Tony Burton, Michael Pataki, Dolph Lundgren
PRODUCTORA: United Artits
GÉNERO: Drama. Acción.

“Quizás lo único que pueda hacer es aguantar todos sus golpes, pero para vencerme tendrá que matarme, para matarme tiene que tener valor para ponerse delante de mí y para eso también tendrá que estar dispuesto a morir. No se si está preparado para hacerlo. No lo sé.”

-Rocky Balboa (Sylvester Stallone)

Recuerdo con gran nostalgia aquellos viajes dominicales que su servidor realizaba con su hermano y su padre en uno de los tantos y gigantescos mercados callejeros de interminables caminos de una ciudad de México ya muy lejana, donde uno encontraba infinidad de chucherias como juguetes importados de segunda mano, videojuegos, un sinfín de comida y por supuesto no podía faltar la tan añeja venta de material cinematográfico clandestino en el por ese entonces funcional formato vhs y hasta beta (ahora ya rudimentarios y casi extintos) de aquellos lejanos años ochentas y noventas, donde los peculiares casetes tenían en su frente el nombre del titulo rotulado con plumón en una etiqueta que nos informaba vagamente el contenido de la cinta. El hecho es que comprar dicho material era un ejercicio casi antropológico cuando de buscar tal o cual titulo se trataba, y aun más difícil cuando se es un chaval de 10 u 11 años al cual le prohíben el acceso a cierto material, es asi como su servidor pudo visionar cintas como aquella aterradora cinta de hombres lobo llamada Aullido (Joe Dante, 1980), la compleja y erótica El Amante de Jean Jacques Annaud (a escondidas por supuesto, jajaja) e infinidad de títulos de Van Damme como la cutre Cyborg (Albert Pyun, 1989) y muchas cintas del buen Stallone.

Bueno el punto al que su servidor quiere llegar con estas melancólicas disertaciones es que fue en una de esas adquisiciones clandestinas que mi padre nos compro a mi y a mi querido hermano Rocky IV, tal vez la entrega más estrambótica y excesiva de la saga, cinta en la cual se pierden por completo los rasgos que dieron identidad al personaje creado por el propio Stallone (aspectos que intentara rescatar en la fallida quinta parte), más sin embargo también hay que decir que con todo lo pueril y absurda que pueda resultar en su discurso, también es indudable que es por mucho la más entretenida (no por nada mi hermano la veía casi a diario, jajaja) pues este film casi se convierte en un comic en movimiento, con toda esa estética videoclipera, la inserción de aspectos netamente comerciales de la epoca (encuadres a tales o cuales marcas y exposición de tecnología como el robot que sale en el film) y por supuesto una banda sonora que se ha vuelto de culto hacen de Rocky IV una de esas cintas que su servidor guarda con cierto cariño.

Pero vayamos por partes, la cinta inicia mostrándonos una peculiar imagen en la cual asistimos como un par de puños metálicos, ataviados con guantes de boxeo se colisionan entre si provocando una gran explosión, cabe hacer mención que dichas fundas llevan consigo la bandera de Los Estados Unidos de América y la bandera de La Unión Soviética (con esto el espectador ya puede imaginarse por donde van los golpes a nivel narrativo, jajaja), instantes después asistimos a los últimos minutos de la batalla que sostiene Balboa (Stallone) en contra de Clubber Lang (la peor pesadilla que Rocky haya conocido hasta el momento, y tal vez el personaje peor trazado de la saga por cierto) para que después de tres insípidos rounds el Semental Italiano se alce de nueva cuenta como el triunfador indiscutible de los cuadriláteros (mientras la pieza musical “Eye of Tiger” engalana dicha secuencia de heroicidad), en gran parte a la ayuda que le ofreció su amigo Apollo Creed (Carl Weathers) con aquellos duros y homo eróticos entrenamientos que sostuvieron ambos gladiadores en la playa (jajaja). Momentos después nuestro protagonista regresa a casa donde lo espera su amada esposa Adrian (Talia Shire), el pequeño Rocky (Rocky Krakoff) y su cuñado Paulie (Burt Young) para festejar el cumpleaños de este último.

Mientras esto sucede se anuncia en las noticias que el campeón amateur de boxeo originario de la Unión Soviética, Iván Drago (Dolph Lundgren) ha llegado al país de las barras y las estrellas para enfrentarse con el campeón de dicho país, empero Rocky ya se ha retirado y al parecer no tiene ningún interés en dicho enfrentamiento, sin embargo Apollo Creed (Weathers) quien lleva más tiempo en el retiro aun sigue añorando sus viejas glorias, motivo por lo cual decide enfrentar a Drago para demostrarse primeramente que no es un viejo y por supuesto para enseñarle a los rusos que ser americano es lo más cool que pueda existir (como nos lo hiciera saber el abuelo del soul James Brown con su canción Living in América).

Obviamente Rocky desaprueba la loca idea de Apollo y no muy convencido termina por apoyarlo para que luche contra el ruso, sin embargo la pelea de exhibición saldrá bastante mal cuando el poderoso atleta soviético mate al ex campeón norteamericano dentro del cuadrilátero al mostrar todo su poderío asestando varios golpes mortales a este, haciendo que la pelea se convierta en una masacre para un mal trecho Creed que cae derrotado ante la mirada atónita de Balboa y los centenares de asistentes que presenciaban tan mórbido espectáculo; motivo por lo que ahora Rocky tendrá que volver a ponerse los guantes (y los calzoncillos de Apollo, jajaja) para enfrentar su reto más difícil al viajar directamente al gélido infierno que significa el corazón de Rusia, con el único objetivo de vengar la muerte de su mejor amigo y exponer al mundo de una vez por todas que Los Estados Unidos son la única potencia legítima en el mundo, faltaba más.

Como el lector podrá darse cuenta el discurso neurálgico que el film plantea es a todas luces aborrecible, empero lo que hace pasable dicho ejercicio cinematográfico (para otros más solo un menjurje) es sin lugar a dudas esa nimiedad y hasta inocencia con la que Stallone plantea un evento tan importante como lo es la Guerra Fría, convirtiendo dicho suceso en una mera anécdota la cual llega solo a compararse con un panfleto político (¿que esperaban ni que fuera Kubrick?) que agradecerán encarecidamente los devotos a la administración Reagan, y por supuesto odiaran las demás partes del conflicto involucradas, incluyendo a gran parte de la comunidad internacional (jajaja), no por nada un año después el director de origen finlandés, Aki Kaurismâki realizo un cortometraje de 8 minutos llamado Rocky VI para satirizar y expresar lo que pensaba de la cinta de Stallone (obviamente no simpatizaba con la visión de Sly, jajaja).

Pero dejando de lado el discurso ideológico de Rocky IV, lo que la vuelve entretenida es sin lugar a dudas esa edición y ritmo trepidante que emplea Stallone para contarnos esta misión casi suicidad del protagonista, y es que está muy claro que el film se encuentra dividido en dos partes claramente diferenciables, por una parte encontramos una primera mitad que se nos plantea como una drama, el cual esta desarrollado con bastante prisa y por ende no ahonda mucho en las motivaciones de los personajes pues al parecer el Stallone guionista infiere que como ya los conocemos pues no necesita perder mucho tiempo en este aspecto (ahora los personajes son más arquetípicos que en anteriores entregas), de ahí que Apollo Creed (Weathers) ahora sea el personaje sacrificado en aras de ensalzar la figura del protagónico, es asi como dicho personaje queda eliminado de la saga de manera casi hasta insultante pues el Apollo de esta entrega esta más exagerado, ahora es más narcisista y odioso por lo que incluso el respetable hasta siente una leve satisfacción cuando Drago (Lundgren) se lo despacha.

Por otra parte Iván Drago (un Lundgren que se hiciera famoso por este papel) esta representado de tal forma que parece una maquina sin sentimientos ni emociones, como si los rusos fueran seres fríos e indiferentes, no por nada hasta los métodos que utilizan estos para preparar físicamente a Drago muestran indiscriminadamente la implementación de tecnología y químicos como queriendo decirnos que ellos son los malos de la película, los sujetos que tienen en su poder las bombas nucleares (jajaja). Por lo demás tanto Talia Shire como Burt Young (haciendo de Patiño), siguen en su línea y pues estan ahí para cobrar unos cuantos miles de dólares al igual que Tony Burton y Brigitte Nielsen (la señora de Stallone por aquellos años) como Duke y Ludmilla respectivamente.

Ahora pasando al desarrollo de la segunda mitad y verdadero entretenimiento del film, es aquí donde el espectador se emociona con aquellos videos clips que nos presenta Stallone tratando de armar una obra coherente a nivel visual y narrativo, motivo por lo que pasaran a la posteridad esos pequeños videos como No easy way out (tema de Robert Tepper) donde un desconsolado Rocky maneja solitariamente su deportivo de noche, recordando a su amigo Apollo, o aquellas míticas pistas llamadas Training Montage de Vince Dicola y Hearst on Fire de John Cafferty, las cuales se encargan de enmarcar el duro entrenamiento que Rocky mantiene en terrenos soviéticos, donde el héroe vence adversidades como el clima y el celoso resguardo de agentes pertenecientes a la KGB que observan celosamente los rudimentarios métodos que emplea éste para vencer al héroe ruso; al tiempo que Drago hace lo mismo pero con métodos más avanzados como si un deportista del futuro de tratase.

Claro que todo esto solo es un preámbulo para el platillo principal, la pelea final entre Drago y Rocky en esos dieciocho brutales, sangrientos y dolorosos rounds (filmados con gran solvencia por cierto, y bien coreografiadas los cuales sin lugar a dudas rozan el gore) donde Balboa además de enfrentar al gigantesco gladiador también tiene que vencer a un público hostil que lo quiere ver muerto, para posteriormente doblegar a golpes a su oponente (faltaba menos) y cerrar con ese manido y no menos edulcorado discurso que escupe nuestro protagonista donde nos dice que todos podemos ser amigos por ser iguales, no importando la nacionalidad, por lo cual los cientos de rusos que miraron el espectáculo al final se convencen de las palabras del buen Rock (jajaja).

Ya casi para finalizar diré que la dirección de Stallone dista mucho de las primeras entregas, haciendo de esta la más comercial a nivel plástico. Así que solo diré que si, por muchos aspectos Rocky IV puede resultar una bazofia para muchos espectadores (opinión muy válida) sin embargo a más de dos décadas de su estreno debo acotar que ésta cinta aun me sigue emocionando y entreteniendo, pues he encontrado en ella un placer culpable que aunque usted no lo crea ahora me resulta aun más fascinante, pues encuentro en ella un compendio de expresiones socio culturales propias de una época irrepetible dignas de análisis (la llegada del videoclip como expresión cultural gracias al nacimiento de MTV en 1981, por ejemplo) que aun sigo decodificando con el paso del tiempo, aseveraciones que Umberto Eco ya adelantara en su obra Apocalípticos e Integrados, la cual plantea que según la experiencia y bagaje de cada individuo, este procesará tal o cual mensaje según su experiencia, y aun más importante que toda obra o expresión cultural puede ser diseccionada.

ASI PASA CUANDO SUCEDE de Woody Allen

2012-01-08T17:23:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Whatever Works
AÑO: 2009
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Woody Allen
GUIÓN: Woody Allen
FOTOGRAFÍA: Harris Savides
MUSICA: Varios
REPARTO: Larry David, Evan Rachel Wood, Henry Cavill, Patricia Clarkson, Michael McKean, Ed Begley Jr., Cassidy Gard, Lyle Kanouse, Steve Antonucci, James Thomas Bligh, Chris Nunez
PRODUCTORA: Sony Pictures / Wild Bunch / Gravier Productions
GÉNERO: Drama. Comedia.

Gracias a Dios (como si existiera dicho ente etéreo, jajaja) pude visionar por fin Whatever Works o como la bautizaron aquí en México, Asi pasa cuando sucede, la obra previa que Allen filmara antes de Conocerás al Hombre de tus Sueños y que inexplicablemente viera la luz mucho después en formato casero que aquella última obra que el genio neoyorkino realizara en Inglaterra (en gran parte a las distribuidoras), y debo decir que como sucede la mayoría de las veces con la obra del buen Woody la espera valió la pena ya que quien quiera pasar hora y media disfrutando de buen cine encontrará en esta cinta a un Allen en plenitud creativa e intelectiva (aspectos que nunca se han ido realmente), retomando de nuevo esos pathos que tanto lo han interesado durante la mayor parte de su filmografía y que ha vertido a través de sus diversos alter egos, como ahora es el caso del genial Larry David (co creador de Seinfeld y guionista de Saturday Night Live) quien queda como anillo en esta divertida e incisiva comedia romántica.

La historia comienza mostrándonos a varios sujetos que comen y charlan en una banquita de las afueras de un pequeño restauran neoyorquino, allí los hombres mantienen una intensa charla en donde sobresalen ciertas disertaciones sobre si la religión es de verdad un aspecto benéfico para la sociedad, o en su defecto es solo una creación que solo los poderosos utilizan para manosear las conciencias de los individuos. Como es obvio tres de los sujetos sostienen que esta tiene más gracias para los seres humanos que defectos, sin embargo en ese momento el único sujeto que esta en desacuerdo arremete contra estos argumentando que no es que la religión este mal, que incluso sus preceptos como los del marxismo son honorables empero tienen una gran falla que no fue considerada por sus creadores, pues estos códigos éticos son manidos por los gusanos (los hombres, carcajadas de un servidor) que solo ven por sus intereses, en ese momento el protagonista se levanta y se dirige directamente al espectador explicando que los hombres con lo que habla no entienden nada.

Es asi como el respetable conoce a Boris Yellnikoff (Larry David) nuestro protagónico, un ex profesor de mecánica cuántica bastante misántropo y mal humorado que odia las relaciones interpersonales (se divorcio de su mujer aun cuando era una dama refinada e intelectual por considerar que su relación era demasiado perfecta, jajaja) el cual considera que la humanidad es un simple despojo de seres limitados en sus capacidades intelectivas (Boris estuvo nominado al premio Nóbel, según el) y por si fuera poco además es hipocondríaco, dicho de otra manera, Boris es la concentración de las personalidades de Gregory House (Hugh Laurie), Sheldon Cooper (Jim Parsons) y probablemente un poco de Alan Moore (jajaja), un sujeto que nadie quisiera como amigo, ¿pero el respetable se preguntará a que se dedica tan iracundo personaje? Pues nuestro distinguido amigo después de tratar de suicidarse por no encontrar más motivación en su vida, solo obtiene una gran cojera por lo cual ahora cobra unos dólares por enseñar ajedrez en el parque a niños a los que considera menos que monos (jajaja).

Sin embargo la horrenda personalidad de Boris cambiara (solo un poco) cuando cierto día llegue a su vida una joven llamada Melody (Evan Rachel Wood), una chica que le pide asilo para pasar la noche ya que acaba de inmigrar a la gran ciudad, pues aparentemente huye de un pasado turbio (es hija de un matrimonio adinerado con cierto fanatismo por la religión), pero para sorpresa de Boris (y del propio espectador) estos acaban casándose después de un año de convivencia y cientos de tertulias sobre la condición humana, pues al parecer a la bella Melody la personalidad corrosiva del sexagenario la ha cautivado, claro la relación amorosa de este disfuncional par no será del todo fácil cuando la ultraconservadora madre de Melody, Marrieta (Patricia Clarkson), vuelva a ingresar a la vida de la joven para mover de nuevo la sosegada vida de Boris.

Y este sería a grandes rasgos la premisa que Allen nos presenta en esta inteligentísima y disfrutable cinta que sin lugar a dudas lleva al extremo la exploración de las idiosincrasias del ser humano en terrenos tan ominosos como es el pesimismo sobre la propia existencia, haciendo que el relato se torne cien por ciento nihilista, pero a diferencia de Match Point (2005) o Los Inquebrantables (2007) las cuales también tienen al destino como un componente narrativo importante, el director norteamericano retoma de nuevo la inserción de sutilísimos gags plagados de humor incendiario para fungir como catalizadores catárticos que harán las delicias de los espectadores más avispados; por lo cual estos además de profundizar sobre temas tan peculiares y en su mayoría tan satanizados como el sexo, el arte, la existencia de Dios, la homosexualidad, etc. serán abordados con cierto desenfado haciendo también que el espectador menos familiarizado con la obra de Allen perciba la cinta como una obra prosaica.

Y esto funciona en gran parte al diseño de personajes los cuales si bien pueden parecer meros clichés (por lo arquetípico de sus rasgos aparentemente), indudablemente trabajan como símbolos sociales y/o culturales que hacen que esta sátira sobre las relaciones personales (a varios niveles) se descubra como un incisivo análisis que se torna hasta antropológico, de ahí que habrá muchos a los que el personaje que interpreta tan deliciosamente Larry David les caiga en la punta del hígado pues podrían ver en este la representación del negativismo y el pesimismo, empero es importante decir que dicho protagónico no busca cautivar al espectador si no por el contrario concientizarlo a base de la desacralización de temas que a la mayoría del público parecen intocables. Eso si por momentos se percibe que el performance de David es solo la representación de si mismo (jajaja), lo que si es indudable es que este representa genuinamente el alter ego del propio Woody Allen.

De los demás intérpretes hay que decir que como sucede en la obra de Allen, funcionan como pequeñas piezas de rompecabezas que aportan peso a las situaciones, provocando a su vez que las relaciones no se perciban forzadas y el ritmo de la cinta camine como relojito. Así mismo hay que mencionar que tanto las interpretaciones de Evan Rachel Wood como la dulce e idealista pareja de Boris, Patricia Clarkson como la mujer madura que busca experimentar cosas nuevas para hallarle sentido a su vida (hasta se ejecuta un menage à trois, jajaja) e incluso el pequeño papel que hace Henry Cavill (el próximo Superman cinematográfico) como pretendiente de Melody, logran dotar de tridimensionalidad a sus personajes por lo cual se vuelven interesantes.

Otro aspecto que a su servidor le pareció agradable fue ver que el realizador regresó a su amada Manhattan para desarrollar tan peculiar historia por lo cual se respira cierta nostalgia que recuerda a la obra clásica de Allen. Por supuesto el apartado visual como siempre se percibe solvente (creo que el buen Woody como Eastwood o Scorsese realizan el trabajo detrás de cámaras hasta con los ojos cerrados) y la banda sonora empleada se descubre exquisita. Ya para finalizar solo diré que no deben perderse Así pasa cuando sucede, ya que esta obra tan agria sin lugar a dudas les sacará infinidad de carcajadas a todo aquel que se deje llevar por las disertaciones de un viejo al cual le sigue pareciendo fascinante el escudriño de la naturaleza humana.

EL CASTOR de Jodie Foster

2012-01-04T16:22:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: The Beaver
AÑO: 2011
DURACIÓN: 91 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Jodie Foster
GUIÓN: Kyle Killen
MUSICA: Marcelo Zarvos
FOTOGRAFÍA: Marcelo Zarvos
REPARTO: Mel Gibson, Jodie Foster, Anton Yelchin, Jennifer Lawrence, Riley Thomas Stewart, Paul Hodge, Michelle Ang
PRODUCTORA: Summit Entertainment / Entertainment One
GÉNERO: Drama. Comedia.

El último film exitoso que Mel Gibson tuvo en taquilla como protagonista fue allá por el año 2002 con aquella cinta de horror llamada Señales del director tal vez más odiado y amado a partes iguales, M. Night Shyamalan, todo esto antes de que su carrera como interprete se fuera literalmente al caño después de los vergonzosos incidentes que lo dejaban ver como un tipo antisemita (cuando fue arrestado en estado de ebriedad y gritaba improperios a los policías que lo detuvieron), al tiempo que también encontrábamos en este esa faceta de xenofóbico despreciable con aquel pusilánime audio que se filtro en internet, donde el otrora actor de Arma Mortal escupía infinidad de insultos a su ex novia lo que lo llevaría a terminar de sellar su tumba a nivel profesional y le restaría infinidad de adeptos así como el desprecio del público en general (lo de su carrera como realizador es punto y aparte, al menos a un servidor le ha gustado Apocalypto de 2006).

El hecho es que su tan esperado regreso frente a pantallas con el thriller de tintes de film noir llamado Al Filo de la Oscuridad (Martin Campbell, 2010), no fue del todo exitoso en gran medida a una historia que no terminaba de cuajar y la mala fama que se había forjado el histrión de origen australiano, más sin embargo y paradójicamente también se ponía de manifiesto que Gibson no había perdido del todo su toque como interprete y mucho menos el carisma que siempre lo ha caracterizado para con sus seguidores.

Ahora un año después de aquel tibio regreso tal parece que al actor norteamericano necesitaba un proyecto que verdaderamente lo retara como intérprete para demostrar que seguía vigente, al tiempo que podría reconciliarse con su público, ¿el resultado? Pues no podría ser mejor ya que el señor Gibson logra sacar a flote un complicado personaje que es por mucho lo más rescatable de este modesto film de la directora y actriz Jodie Foster llamado simplemente El Castor.

La historia va de un tipo llamado Walter Black (Mel Gibson), un sujeto que al parecer tiene todo lo que cualquier hombre añora, una esposa inteligente e independiente (que además es guapa), una empresa exitosa, dos hijos, y por supuesto solvencia económica, empero todos estos aspectos tangibles del hombre moderno parecen no satisfacerlo pues a causa de esto (probablemente) Walter lleva años sumergido en un tortuoso proceso de depresión que lo ha confinado a aislarse de su familia sin motivo alguno, por lo cual cierto día su mujer Meredith (Jodie Foster) decide sacarlo definitivamente de su vida y la de sus hijos a quienes ha afectado de sobremanera por su ausencia emocional, cosa que ha resentido más Porter (Anton Yelchin) el hijo mayor del matrimonio Black, el cual por cierto cada día que pasa teme parecerse más a su padre.

Es así que Walter (Gibson) quien se siente tan asfixiado de vivir una existencia inerte decide acabar con su inútil vida de una vez por todas y resuelve suicidarse, no sin antes comprar unas cuantas botellas de alcohol (para adormecer su conciencia) que adquiere en un establecimiento, lugar en donde descubre un viejo y maltratado castor de peluche tirado en un contenedor de basura (como si este le reflejara su condición) por lo cual decide llevarlo consigo y así llevar a cabo su fatídico plan como si el peluche fuese un silencioso testigo. Por supuesto el procedimiento de inmolación sale mal y el hombre solo consigue lastimarse un poco, sin embargo algo maravilloso ha sucedido también, ya que el accidente logra aflorar aquella personalidad desconocida en aquel sujeto que por años estuvo exiliada dentro del temperamento menguante del viejo Walter, esa motivación para vivir la cual ahora se ve reflejada en aquel viejo muñeco de peluche; personaje que aunque usted no lo crea será la voz de todos esos anhelos que tantos años se ha callado el pávido Walter.

Desgraciadamente lo que en un principio parecía miel sobre hojuelas (pues Walter vuelve a recuperar aparentemente su vida hablando a través del castor de peluche) después de un tiempo se tornará enfermizo y decepcionante para todos aquellos que rodean y estiman al señor Black, pues parece que aquel simpático muñequito de felpa que el hombre lleva prendado en su brazo izquierdo todo el tiempo, ahora le ha quitado el único vestigio de humanidad con el que contaba, por lo cual ahora ya no puede despojarse de dicho interlocutor haciendo que sus relaciones interpersonales se vuelvan aun peor que en un principio (para muestra basta con presenciar aquella desgarradora escena donde Walter decide despojarse del peluche para siempre, en una secuencia que parece sacada de un film de horror) lo que indudablemente hará que el individuo toque fondo de nuevo.

Como podrán leer estimados lectores la historia que nos cuenta Jodie Foster a través del funcional guión de Kyle Killen marcha la mayor parte del relato sobre ruedas, ya que el discurso que se plantea se descubre despojado de grandilocuencias existencialistas, por lo cual el retrato que se hace del personaje principal cumple ampliamente con la identificación para con el respetable quien desde los primeros minutos ha quedado enganchado con la pobre vida del protagónico; de ahí que nos interese lo que le va aconteciendo al desdichado Walter Black, todo gracias hay que decirlo a las genuinas exaltaciones de este. Así mismo es de vital importancia destacar que los artilugios narrativos con los que cuenta el guión, como son el uso de la sátira y la mala leche en ciertos pasajes de la historia los cuales hacen que la misma no caiga en los terrenos manidos de la comedia convencional, ejemplos tenemos varios como: cuando el matrimonio Black folla gustosamente y presenciamos como el castor es parte fundamental de tan placentero acto, incluso que dicho animalito de peluche sea el encargado de dirigir una empresa que esta a punto de la quiebra, representa aspectos discursivos que en absoluto de descubren gratuitos y le arrancan varias carcajadas al espectador por lo absurdo de las situaciones, de ahí que el film la mayor parte del tiempo de la sensación que clava los dientes en la yugular a nivel ideológico a aspectos tan sacros como son la constitución de la familia, lo efímero que resulta el sueño americano y por supuesto los procesos de despersonalización de la cultura postmoderna.

Empero y hay que resaltar que todos estos aspectos discursivos resultan gracias a la portentosa actuación de Mel Gibson quien verdaderamente presta su humanidad para hace de Walter Black un ser desdichado, efímero y por momentos patético, pero siempre humano y tridimensional, incluso su performance como el alter ego (el castor) resulta aun más complejo, lo que concibe que el trabajo interpretativo de Gibson sea lo mejor del film pues este nunca cae en el absurdo. Desgraciadamente el film con todo y que logra funcionar, también se toma algunas concesiones que no ayudan del todo al resultado global del mismo lo que hacen que se perciba cierta insatisfacción, ya que por ejmplo la subtrama perteneciente al personaje de Anton Yelchin (como el hijo mayor de Walter) y Norah (Jennifer Lawrence) se siente resuelta de manera bastante apresurada, por lo cual no se alcanzan a desarrollar las motivaciones de dichos personajes dejando en el espectador una sensación de ser meros clichés (el un hijo resentido con un padre ausente y ella su contraparte femenina de otra familia disfuncional que terminarán creando una relación).

inclusive hasta el pequeño papel que Jodie Foster se reserva como la señora Black se siente más honesto e inclusive funcional por lo anecdótico del mismo, como debieron haber sido desarrollados los personajes anteriormente mencionados, pues eso significan para Walter, meras anécdotas de su vida. Por último y tal vez el aspecto menos satisfactorio que su servidor encontró en la cinta es tal vez el tramo final de la misma, pues este va diluyendo esa fuerza y desacralización ideológica que en un inicio nos vendía, volviendo Al Castor una cinta paradójica con esa resolución tan edulcorada que rompe por momentos con lo planteado en un inicio; sin embargo esto no quiere decir que el film no haya sido de mi agrado ni que su servidor haya sentido que le han tomado el pelo, empero tal vez hubiese resultado más gratificante que Foster llevara hasta las últimas consecuencias tan ominoso relato.

Ya para finalizar debo decir que la dirección de Jodie Foster resulta bastante sobria y adecuada para contar lo que vemos frente a pantalla, el ritmo se torna bastante fluido y disfrutable, el recurso de la voz en off por parte del protagonista resulta un recurso adecuado para enfatizar la psicología del mismo, la fotografía esta bien cuidada con esos tonos verdozos que refuerzan el relato de pesimismo, y la duración del film se encuentra en la justa medida para contar lo que se tiene que contar. Así que sin más puedo recomendar El Castor como una obra que si bien no es del todo redonda, si es un film digno de verse pues encontramos en su discurso honestidad, al tiempo que podemos disfrutar el regreso de Mel Gibson como actor.

CHUCK NORRIS EN: THE HITMAN

2011-12-30T15:39:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: The Hitman

AÑO: 1991

DURACIÓN: 95 min.

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Aaron Norris

GUIÓN: Robert Geoffrion, Don Carmody, Galen Thompson

MÚSICA: Joel Derouin

FOTOGRAFÍA: João Fernandes

REPARTO: Chuck Norris, Michael Parks, Al Waxman, Alberta Watson, Salim Grant

PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Canadá; Cannon Pictures / Twilight Motion Picture Seven Ltd. Partnership

GÉNERO: Acción.

Definitivamente este título de serie b casposo que estelariza el señor Chuck Norris es uno de mis favoritos como también lo es ese western contemporáneo llamado McQuade, El Lobo Solitario (Steve Carver, 1983) donde el artemarcialista se enfrenta cara a cara con otro de los maestros de Kun Fu, David Carradine (aunque la batalla final sea algo anti climática) recordemos que Norris ya se había enfrentado con Bruce Lee en aquella mítica cinta El Camino del Dragón (Bruce Lee, 1972); pero volviendo a The Hitman esta cinta me parece bastante entretenida gracias a que la historia que se traza se constriñe de manera adecuada a ese universo contenido que representa el policiaco con tintes de cine negro, aunque aquí se exploten de manera descarada todos los clichés del mismo, ya saben como es esto, un héroe con un pasado tormentoso, un villano que parece sacado de malolandia despojado de cualquier rasgo de humanidad que ve en el sadismo y las ganancias monetarias su única motivación, y por supuesto y lo más llamativo sin lugar a dudas es presenciar esa violencia extrema que utiliza el buen Chuck para aplicar la tan ansiada ley de la cual tanto presume el país de las barras y las estrellas (aunque nuestro protagonista se pase por los cojones infinidad de preceptos éticos y morales escritos en la mismísima constitución, jajajaja).

Pero bueno sin más preámbulos les contare, The Hitman comienza como todas las cintas de este tipo, con la implementación de una musiquilla cutre de algún grupo de rock genérico de fondo (como las usadas en las cintas de Valentín Trujillo, jajaja), mientras una secuencia aérea nocturna se encarga de mostrarnos los muelles de la ciudad de Seattle (todo enmarcado con una fotografía bastante oscura) para después conocer a los detectives Garret (su eminencia Chuck Norris) y Delaney (Michael Parks bastante sobreactuado) quienes están a punto de irrumpir en uno de los muelles para impedir que un cargamento de drogas llegue a la ciudad, por tal motivo el par se separa para investigar, empero instantes después al parecer surge otro sujeto en la escena y comienza a eliminar a los traficantes (su identidad es un misterio pues solo vemos su arma disparando). Minutos después Delaney se descubre como el misterioso sujeto que eliminaba a los traficantes y revelamos que este estaba coludido con los delincuentes cuando reclama el cargamento como suyo.

Instantes después y sin saber nada de esto aparece el detective Garret (Norris) cuando el líder de la banda forcejea con su compañero y este esta a punto de dispararle, por lo cual nuestro rudo protagonista lo rescata de la situación con una patada giratoria (faltaba menos), sin embargo después de esto Delaney abre fuego contra el maleante aniquilándolo ante la mirada atónita de Garret, el cual también recibe varios impactos de bala en su humanidad por lo que queda mal herido cuando cae por una de las ventanas del almacen donde se desarrolla la acción y su traicionero compañero lo da por muerto; no sin antes haberle comentado que siempre estuvo involucrado con la mafia. Lo que sigue después es presenciar como nuestro protagonista entra a una sala de un quirófano y es oficialmente declarado muerto, empero este solo queda en estado de coma durante seis meses (por supuesto ni dos balazos en el pecho pudieron eliminar al rudo de Chuck Norris, el único sujeto sobre la faz de la tierra que se ha podido comprobar que jamás miente, simplemente la realidad se adapta a el) y descubrimos que esto solo ha sido un artilugio por parte del capitán de la policía para crearle otra identidad al honorable agente quien ahora será conocido en el bajo mundo como Grogan un temible asesino a sueldo que trabajará con la mafia italiana, asociación criminal dirigida por Marco Luganni (Al Waxman) el cual tiene una rivalidad con la mafia francesa por controlar el territorio de drogas de la ciudad de Seattle.

Lo que seguirá después es presenciar como ahora Grogan (Norris) al parecer trabaja para los “malos” realizando métodos bastante dudosos a nivel moral y legal, lo cual resulta bastante paradójico pues cuando descubrimos que es un agente encubierto que busca acabar con las mafias, este sigue utilizando los mismos métodos, o ¿como llamarían a alguien que hace explotar a un tipo con bombas atadas a su humanidad para impartirle justicia? (Jajajaja) de verdad esta escena es casi surreal por ser tan amoral y solo podría compararla con la escena de Invasión a los Estados Unidos (Joseph Zito, 1985) donde Norris le hace lo mismo a Richard Lynch pero con un lanza misiles, caray el buen Chuck nunca se anda con rodeos (jajaja). Como podrá inferir el respetable, esta cinta es a todas luces un churro, pero un churro disfrutable para todo aquel que quiera pasar un buen rato viviendo aquella época de finales de los noventas, en donde sobre todo en el género de terror y pos supuesto el de acción empezaba a entrar en decadencia tanto en fondo como en forma pues la formula comenzaba a desgastarse y los héroes de acción parecían convertirse en personajes bastante anacrónicos para los cambios sociopolíticos que comenzaban a darse en Estados Unidos y en el mundo (La Guerra Fría había terminado y la caída del Muro de Berlín significaba cambios radicales para la sociedad contemporánea del planeta).

Por tal motivo el diseño de los personajes sigue siendo sumamente arquetípico por lo cual no encontraremos puntos medios, solo buenos y malos no más, aunque aquí se puede avistar cierta socarronería por parte del personaje de Norris (el cual incluso llega a esbozar cierta sonrisa en alguna escena, pero no se equivoquen, pues el tito Chuck no es humano, jajaja) quien interactúa con un adolescente afroamericano que vive en su edificio y del cual abusan por ser de color, por lo cual Grogan/Garret le ayuda a enfrentar sus temores enseñándole algunas técnicas de defensa personal para que el chico de la esquina ya no lo moleste más, hasta le da el típico sermón de que cuando el también era chico lo molestaban hasta que se enfrento con su rival y lo dejo en paz (jajaja), pero de nuevo si uno lo analiza este aspecto discursivo vuelve a presentar esa incongruencia ideológica del pueblo norteamericano de defender a los más débiles pues cuando uno ve al buen Chuck en pro de la igualdad racial, instantes después vemos como este se despacha a diestra y siniestra a los malos que no son más que italianos, franceses y hasta árabes (jajaja), todo hay que decirlo con una enorme y potente arma de fuego que haría incluso temblar al mismísimo Schwarzenegger.

Sin embargo dejando de lado estos aspectos y si uno se deja llevar, seguramente el film los entretendrá, pues el respetable podrá asistir a un verdadero espectáculo de acción lleno de testosterona, y violencia pura y dura, al tiempo que el héroe de acción es de esos hombres rudos, monosílabos que con solo un ceño de su mirada hacen que los malos se caguen de miedo y supliquen por sus vidas. Ahora bien en lo referente a las interpretaciones hay que decir que estas son malas (jajaja), pues como comentaba Michael Parks (quien es el villano en turno) se percibe bastante sobreactuado, sin embargo logra funcionar como un verdadero hijo de puta, de esos policías corruptos que abundan (¿acaso habrá de otros?) y no les importa cargarse a algún cristiano si se le ponen en el camino con tal de lograr sus motivaciones, hasta se podría decir que se encuentra a la altura del buen Chuck Norris (al cual oso dispararle por lo que pagará caro dicha ofensa) y se salva de ser un simple monigote al cual nuestro héroe mangonee.

Los actores que interpretan a los mafiosos como Al Waxman (Luganni), Marcel Saouborn como Andre Lacombe y Anthony Stamboulieh como el terrorista árabe, pues no dejan de entregar actuaciones bastante exageradas y genéricas motivo por lo cual estos parecen caricaturas, por ejemplo el amfioso italiano gusta de cocinar pasta, el francés gusta de los buenos vinos y el árabe pues es un simple matón a sueldo que aun y cuando lo sodomizan por el culo escupe frases como "Alá me protegerá" o "eres hombre muerto" (jajaja) osea que no dejan de ser meros clichés del genero. Y ya por último el buen Chuck Norris nos entrega por enésima vez (cosa que agradece su servidor) su impasible interpretación del estoico héroe incorruptible que tanta fama le dio, al cual el ahora sonrojante y caricaturesco Steven Seagal debería agradecerle los inicios de su carrera y su fama, si no que alguien me niegue que Nico (Andrew Davis, 1988) o Difícil de Matar (Bruce Malmmut, 1990) no maman del cine de nuestro barbudo héroe, incluso el segundo título que menciono de Seagal roba descaradamente algunos elementos de la trama de The Hitman, ya que aqui Seagal también interpreta a un detective que al ser traicionado por sus compañeros, queda en coma varios años y regresa para vengarse.

Ya para finalizar solo diré que The Hitman es una cinta cutre (como la mayoría de la filmografía de su protagonista) pero también es indudable que gracias a su despreocupado discurso, su excesivo uso de violencia, su falta de pretensiones y por supuesto a su protagónico, el film del director Aaron Norris (¡si! lo adivinaron el hermano mayor de Chuck) se descubre como un titulo entretenido el cual ya ha quedado en los anales de aquel cine de culto (ya sea por lo malo que éste sea, jajaja) para poder ser disfrutado por las nuevas generaciones.

ESTE HOMBRE DEBE MORIR de Claude Chabrol

2011-12-24T17:30:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Que la Bete Meure
AÑO: 1969
DURACIÓN: 113 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Claude Chabrol
GUIÓN: Paul Gégauff & Claude Chabrol
MÚSICA: Pierre Jansen
FOTOGRAFÍA: Jean Rabier
REPARTO: Jean Yanne, Michel Duchaussoy, Caroline Cellier, Maurice Pialat, Anouk Ferjac, Marc di Napoli
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Italia; Les Films à Boétier / Rizzoli Films
GÉNERO: Intriga.

“Debo matar a un hombre, no se su nombre ni su aspecto, no se donde vive pero lo voy a encontrar y cuando lo haga lo mataré. Mi mejor arma es mi paciencia, tengo toda mi vida y la de él para realizar mi plan.”

-Charles Thenier (Michel Duchaussoy)

Un niño se encuentra jugando a las orillas de una fría playa, instantes después este mira su reloj de mano y se da cuenta que tiene que regresar a su casa por lo que emprende el viaje de vuelta, corte. Otra escena nos muestra como un auto avanza a toda velocidad por una carretera, en su interior solo podemos avistar las manos del conductor quien parece estar en un estado de demencia por la forma en que maneja, corte. De nuevo regresamos a la escena donde el niño camina apaciblemente por una vía para ingresar a un pequeño pueblo, rápidamente volvemos a asistir al potente auto negro que en determinado momento se encontrará con el jovencito solo para presenciar como estos colisionaran inevitablemente de manera fatal y desigual ocasionando la inminente muerte del púber que desgraciadamente como ocurre en la mayoría de los accidentes automovilísticos de esta naturaleza, la huida cobarde del responsable del cual por cierto, no conocemos su identidad aunque ahora sabemos que iba acompañado por una mujer que quedo trastornada por dicho evento.

Acto seguido un sequito de personas llegan al lugar donde el cuerpo inerte del niño yace tendido para después escuchar un desgarrador grito de un padre que no puede creer lo que sus ojos ven, para después tomarlo en sus brazos y darle un último abrazo de despedida. Sin embargo y cuando ya han pasado seis meses de aquel doloroso suceso y Charles Thenier (Michel Duchaussoy), padre del niño muerto, no ha encontrado en las autoridades ninguna respuesta favorable sobre el responsable del artero crimen, aun e incluso cuando éste ha realizado algunas investigaciones para ayudar a la policía para que estos tengan más elementos para dar con el asesino de su hijo; a la policía parece no importarle demasiado esto y siguen con su tibia investigación no sin antes advertirle al señor Thenier que es muy probable que jamás den con el responsable pues esto sería lo equivalente a “encontrar una aguja en un pajar”.

Es así como Charles decide armar un plan en el cual irá escribiendo un diario donde vierte todos sus pensamientos de venganza y en los cuales describe paso a paso lo que hará cuando encuentre al asesino de su hijo, por lo que ese odio que siente por el responsable de la muerte de su vástago será su leit motiv. Empero y cuando todo parece perdido para el dolido padre, cierto día cuando investigaba por su cuenta y recorre la carretera por donde ocurrió el accidente su auto queda varado en un tramo de la misma, por lo que un sujeto acude ayudarlo y le comenta que hace como seis meses otro auto tuvo el mismo problema, era un coche negro con la salpicadera dañada y en su interior viajaban un hombre y una mujer, a la cual recuerda con claridad pues es una artista que sale en la tele, su nombre Helene Lanson (Caroline Cellier). Con esta pista Charles se encargará de buscar a Helene con la intención de iniciar una relación sentimental en la cual a base de confianza ésta le presente a ese misterioso hombre con el que viajaba en el auto y quien resulta ser el cuñado de la dama, un despreciable hombre llamado Paul Decourt (Jean Yanne), un tipo con status social alto que cuenta con grandes riquezas económicas pero paradójicamente también, se haya despojado de toda moral, convirtiéndolo en un ser despreciable y abominable el cual ante la mirada del propio Charles y del espectador merece morir.

Créanme cuando les digo que este film de Claude Chabrol es una obra maestra, así de simple, pues el argumento que presenta es netamente una exploración intrínseca a los aspectos más lúgubres y repulsivos del ser humano, los cuales son diseccionados de manera tal que nunca se perciben manidos o pueriles ocasionando que el espectador jamás pierda el intereses en los personajes (los cuales están dotados de exaltaciones legítimas) y por supuesto de la dirección que va tomando la historia. Es por esto que en la mejor tradición del cine francés, el personaje central aquí interpretado de manera más que excelente por Michel Duchaussoy, es el motor que va generando las diversas acciones que desencadenarán infinidad de reacciones, motivo por lo cual el ansiado desenlace jamás se descubre tan predecible como pudiera parecer.

De ahí que los artilugios narrativos que emplea Chabrol (quien coescribe el guión junto con Paul Gégauff) para ir desenmarañando este puzzle psicológico se perciben maduros e inteligentes, y es que si lo analizamos el director francés no tarda mucho en echar al aire la moneda en la cual se presenta el conflicto que atañe a todos los personajes (el atropello del niño dura solo unos minutos pero esta filmado con tal maestría que el respetable no tarda en empatizar con el protagonista) por lo que la confrontación entre Charles (Duchaussoy) y Paul (JeanYanne) es el pivote argumental de la historia el cual va in crescendo a cada paso. Es así que puedo decir que la dirección de Cluade Chabrol es exquisita y a la vez portentosa pues nunca se descuidan esos aspectos tan importantes que el guión provee, empero lo realmente destacable es la manera en que el realizador traslada a imágenes lo que esta escrito sobre el papel; por lo tanto el ritmo es soberbio, la planificación, la puesta en escena y por supuesto la tensión que Chabrol provee al relato hacen que el lenguaje cinematográfico sea solo comparable a lo que hacia Hitchcock en sus obras (recordemos que Claude Chabrol era un gran admirador del director de Psicosis).

Así mismo y retomando el perfil de los personajes hay que decir que éstos cuentan con una riqueza a nivel emocional tanto motivacional, por una parte encontramos a Charles Thenier (Duchaussoy) un tipo educado (es escritor) quien al no encontrar una solución legal que aminore su dolor halla en la planificación de su maquiavélico plan ese ansiado descanso que legitimase su propia justicia, sin embargo tanto él como el respetable descubrirán que incluso la muerte del asesino no proveerá ningún descanso emocional e incluso hará que el desenlace contenga tintes de una tragedia griega, todo gracias a un giro final que recae en otro personaje que dota a la historia de un peso específico a la misma (el hijo del propio asesino). Por otra parte el personaje que interpreta la bella Caroline Cellier nos muestra esa frivolidad de las estrellas mediáticas que bombardean los medios de esparcimiento, ya que fuera de la pantalla televisiva, la mujer se encuentra carente de una personalidad propia, de autoestima (no por nada queda enganchada a Charles cuando este ofrece su amor incondicional), motivo por lo cual ésta es solo otra víctima de este triangulo lleno de odio.

Y finalmente el personaje de Paul Decourt (que borda Jean Yanne) es indiscutiblemente un símbolo a los aspectos más aberrantes y decadentes del ser humano, pues como comentaba este sujeto no conoce códigos éticos o morales y sustenta su existencia en su poderío económico (aunque tampoco sea un tipo refinado y mucho menos educado), es por esto que la confrontación entre esta bestia humana y su antítesis (Charles Thenier) desencadenarán no solo muerte y más dolor, si no una gama de disertaciones filosóficas que sustentan esta exquisita y abrumadora obra la cual su servidor solo podría comparar con la no menos pesimista No Matarás de Kieslovski (la cual realizaría casi dos décadas después), en la cual y por ende no se avistan héroes o villanos, al contrario podría decirse que todos son victimas del propio destino en mayor o menor proporción.

Ya para finalizar debo exhortar al distinguido a que no pierda la oportunidad de revisar este peliculón llamado Este Hombre Debe Morir, pues como señalaba sus adeptos discursivos y artísticos, así como su capacidad de honestidad la ponen como una indispensable experiencia sensorial de exquisita revisión así como otras de las obras de Claude Chabrol (El Carnicero, La Mujer Infiel) es vincularse directamente con cine en estado puro, inteligente, propositivo y maduro. Así que no espere más y vaya a su video club favorito y pida Este Hombre Debe Morir.

ROCKY III de Sylvester Stallone

2011-12-20T16:39:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Rocky III
AÑO: 1982
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Sylvester Stallone
GUIÓN: Sylvester Stallone
MÚSICA: Bill Conti
FOTOGRAFÍA: Bill Butler
REPARTO: Sylvester Stallone, Talia Shire, Burgess Meredith, Mr. T, Carl Weathers, Tony Burton, Hulk Hogan, Ian Fried, Burt Young
PRODUCTORA: United Artist
GÉNERO: Drama.

Para el año de 1982 Sylvester Stallone ya era una súper estrella del cine de acción ya que ese año estrenaba Rambo de Ted Kotcheff y Rocky III (en la cual fungiría como director de nueva cuenta) mientras su rival de profesión más cercano Arnold Schwarzenegger apenas comenzaba a despegar con Conan, el Bárbaro (John Milius, 1982) por lo que no sería hasta 1987 con Comando (Mark L. Lester) que el actor austriaco comenzaría a representar la verdadera competencia de Sly. Pero volviendo con el ascenso y caída de Stallone debo decir que éste quedaría cegado por su propia fama lo que lo llevo a tomar malas decisiones y esta tercera entrega de Rocky es una muestra de esto pues refleja paradójicamente frente a pantalla esa egolatría del otrora y forzudo actor norteamericano que lo caracterizaba por ese entonces.

Pero ya centrándonos en esta nueva aventura del boxeador ítaloamericano, la historia ahora nos cuenta ese ascenso a la cúspide deportiva, personal y económica de Rocky Balboa (Stallone) quien después de vencer al campeón de peso pesado Apollo Creed (Carl Weathers) ahora se convierte en una celebridad del mainstream deportivo y hollywoodense (hasta refinado se ha vuelto, jajaja), sin embargo este aspecto no le impide defender su título de campeón por lo cual sostiene infinidad de batallas para seguir demostrando que es el mejor, todo esto lo constatamos en una secuencia donde se nos muestra a Rocky en su mejor estado físico, ataviado con su singular calzoncillo y guantes dorados venciendo por knockuot a infinidad de oponentes que osan arrebatarle su preciado título, todo esto por supuesto a ritmo de la celebre pieza musical “Eye of Tiger” que interpreta el grupo por Survivor.

Sin embargo y mientras esto sucede, bajo las sombras de los circuitos pugilísticos un duro y disgustado boxeador callejero observa con resentimiento el progreso de Balboa, motivo por el cual busca escalar puestos para poder enfrentarse al campeón para así poder arrebatarle el título ya que considera que el semental italiano es solo un monigote creado por los medios, el nombre de este sujeto es Clubber Lang (Mr. T), un boxeador bastante rudo que acaba con sus oponentes de manera suficientemente violenta e incluso hasta rompe algunas reglas éticas (en pocas palabras es un cabrón, jajaja). Empero mientras Rocky se dedica a otros menesteres (como salir en las portadas de las revistas más cotizadas, anuncios televisivos y hasta realiza apariciones en El Show de Los Muppets), su buen amigo y tutor Mickey (Burgess Meredith) observa con atención el peligro que representa Lang para el semental italiano, ya que este nuevo rival demuestra esa hambre de triunfo que al parecer Balboa ya ha perdido pues hasta cierto ya se ha civilizado.

Incluso y para sorpresa de propios extraños Rocky pretende anunciar su retiro de los cuadriláteros en un evento público donde se erige una estatua en su honor por sus logros deportivos y benéficos, pero todos sus planes cambiaran cuando Lang irrumpa en dicho evento para retar públicamente al campeón a base de insultos (los cuales recaen en Adrian la esposa de este). Es por esto que Rocky acepta el reto aun ante las advertencias de Mickey quien le exhorta a no pelear con Lang pues las probabilidades de perder con este contrincante son bastante altas e incluso podría quedar muy lastimado por lo cual el viejo entrenador le aconseja que se retiren pues ya no hay nada que demostrar, además le confiesa que durante todo el tiempo que ha permanecido como campeón ha cuidado de su integridad escogiéndole rivales no tan poderosos, motivo por lo cual Rocky ahora duda de sus capacidades y para recobrar la confianza acepta el reto de Clubber Lang. Desgraciadamente las cosas no saldrán nada bien para nuestro protagonista pues antes de la pelea el viejo Mickey sufre un ataque al corazón provocado por Lang en una riña que se desarrolla en los vestidores, lo que provoca que Rocky pelee abstraído y pierda la contienda de manera brutal.

Ahora con la moral desecha, con su mentor muerto y sin motivación alguna Rocky intentará recuperar la confianza que necesita para volverse a demostrar a si mismo que sigue siendo el mejor, ahora con la ayuda de su viejo rival Apollo Creed, quien le ofrece el apoyo necesario y su experienecia para volver a ser el mejor y reencontrar el camino del “Ojo de Tigre”. Como podrá leer el respetable esta tercera entrega de la saga tal vez sea la peor por lo unidimensional del argumento el cual gira entorno a glorificar la figura casi heroica del protagónico, el cual al igual que los personajes de apoyo han sido despojados de la naturaleza que los caracterizaba y por supuesto que los dotaba de cierta humanidad, convirtiéndolos ahora en simples personajes de cartón al servicio del lucimiento de Sylvester Stallone y su alter ego Rocky Balboa; si no basta con presenciar el supuesto enfrentamiento de beneficencia que Rocky sostiene con un enorme gladiador de lucha libre interpretado ni más ni menos que por Hulk Hogan (quien ostenta el nombre de Thunderlips, jajaja) haciendo de este combate un aspecto meramente anecdótico, aunque por momentos resulte vistoso y poco emocionante.

Incluso se deja de tajo la premisa que el film planteaba en un inicio, como ¿qué hará Rocky ahora que aparentemente lo ha ganado todo y es un triunfador? Por supuesto esta sería la tesis incluso de la primera cinta (o la antítesis que irónico ¿no?), sin embargo como esto ya ha quedado resuelto pues no tendría ni por que existir siquiera esta secuela; es por esto que ahora se inserta con calzador el conflicto que motivará de nuevo a Rocky a batirse a golpes en un ring y este es la derrota que tuvo ante un rival que se percibe bastante fuerte pero falto de carisma, incluso hasta la muerte de su entrenador Mickey (por mucho el mejor personaje de la saga y que aquí es desaparecido de tajo) se percibe insultante y bochornosa, así como la supuesta redención de si mismo para demostrarse que aun es un triunfador, es solo carne de cañón so pretexto para que el espectador vuelva a presenciar de nueva cuenta (pero con menos frescura) esas sesiones de entrenamiento que hicieron famosa a la primera y segunda cinta, donde aquí el realizador busca enganchar sin mucho éxito al respetable con una formula que ya huele a rancio.

Por si esto no fuera poco, el villano o contrincante en turno esta diseñado para causar cero empatía en el respetable por lo que es un mero arquetipo de usar y tirar motivo por lo cual hasta causa cierta lástima ver a Mr. T interpretar dicho personaje despojado de total tridimensionalidad. Así mismo tanto Burt Young como Talia Shire (ahora mas desanimada que en anteriores entregas) han sido relegados a ser meros personajes anecdóticos despojados de conflictos emocionales que aparecen solo para poner cuerpo a protagonistas que no tienen ya un peso definido en esta historia. Ahora bien en lo referente a las interpretaciones de Carl Weathers debo decir que esta ok y no desentona con las cintas previas, su Apollo sigue siendo presuntuoso y por momentos odioso; en cambio el performance de Stallone como Rocky ha desaparecido, se ha perdido esa cierta inocencia que tenía el personaje y ahora parece que vemos a Sylvester Stallone siendo si mismo frente a la pantalla.

Inclusive la dirección que el propio Stallone realiza se percibe floja, hecha apresuradamente o por encargo con el único objetivo de exprimir unos cuantos miles de dólares a la saga que él creo tiempo atrás y le proporcionó fama internacional, es por esto que hasta la pelea final entre Rocky y Clubber Lang se siente bastante apresurada y sin emoción (este film es el más corto en duración en comparación a las otras de la saga). Por otra parte esta tercera entrega contiene una de las secuencias preferidas por la comunidad gay (supongo) pues nadie que no haya visto la secuencia donde Apollo y Rocky corren por la playa, se abrazan y celebran y al final salta hasta agüita (todo filmado en ralentí para enfatizar la emoción del momento, jajaja), mientras suena el ya clásico tema “Gonna Fly Now” de Bill Conti, puede negar que es de los momentos mas homoeróticos en la historia del cine, si no que alguien me diga lo contrario (jajaja), se los juro inclusive su servidor cuando era un crio y veía dicha secuencia percibía algo extraño en su héroe, jajaja.

Bueno ya para finalizar y dejar por la paz este “extraño” bromance interracial (jajaja) debo decir que sí, Rocky III es la peor de la saga (aun peor que Rocky IV la cual quedaría en segundo lugar según el humilde criterio de su servidor) pues representa el inicio del declive de un personaje que si bien cuenta con cierto carisma y punch para con el público, gracias a que en un principio se contaba una historia de valentía y redención, aquí se perderían dichos elementos que harían del semental italiano un icono en la cinematografía, para convertirse en mero vehículo de lucimiento de su creador; si no, basta ver Rocky IV la cual si bien es un placer culpable de su servidor, no deja de representar el total desdibujamiento del humilde boxeador de Filadelfia que ahora se convierte en héroe nacional cual Capitán América para defender la soberanía de su país.

Como dato curioso decir que Carl Weathers intento ser también un héroe de acción legítimo en la industria cinematográfica sin éxito alguno apareciendo en títulos como la entretenida Action Jackson (Craig Baxley, 1988) junto a una principiante Sharon Stone y que significaría su película más genuina como action man (jajaja), también trabajaría junto a Arnold Schwarzenegger en Depredador (John McTiernan, 1987) y aunque usted no lo crea se volvió a reencontrar con Thunderlips Hulk Hohan (jajaja) en el año de 1997 cuando protagonizó con este la cutre cinta para televisón Asalto en la Isla del Diablo (Jon Cassar, 1997) ¿quién lo diría? que chico es el universo de los héroes de acción, jajaja.

CINE TERROR: THE WARD

2011-12-14T19:25:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: The Ward
AÑO: 2010
DURACIÓN: 88 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Carpenter
GUIÓN: Michael Rasmussen, Shawn Rasmussen
MÚSICA: Mark Kilian
FOTOGRAFÍA: Yaron Orbach
REPARTO: Amber Heard, Danielle Panabaker, Mika Boorem, Jared Harris, Lyndsy Fonseca, Mamie Gummer, Laura-Leigh, Sali Sayler, Sydney Sweeney, Dan Anderson
PRODUCTORA: Coproducción Italia-Francia; Cineriz / Francinex
GÉNERO: Terror.

Hasta hace veinte años escuchar el nombre de John Carpenter era sinónimo de calidad y lucidez creativa en el ámbito cinematográfico e incluso un dejo de insolencia al mainstream hollywoodense y lo que esto significa, ya que el director norteamericano atado casi siempre de manos a presupuestos ínfimos y a la censura en su discurso supo sobrellevar dichos aspectos para demostrar que no era un realizador del montón dejando ya para los anales de la cinematografía cintas clásicas como Halloween (1978), La Niebla (1980), 1997: Rescate en Nueva York (19891), La Cosa (1982), En la Boca del Miedo (1995) y hasta hace poco la imprescindible Quemaduras de Cigarrillos (2005). Incluso hasta sus obras menos logradas o incomprendidas como Christine (1983), Golpe en la Pequeña China (1986), Vampiros (1998) o Fantasmas de Marte (2001) siguen conservando esa visión ácida y critica que Carpenter mantiene sobre aspectos tan intrínsecos y lúgubres del ser humano.

Sin embargo The Ward (o Ente Macabro como le pusieron aquí en México, jajaja como me sigo riendo por los títulos tan insufribles que le siguen dando los traductores a ciertas cintas) la última obra que Carpenter nos entrega manifiesta cierto cansancio creativo por parte de su autor (quien esta vez solo funge como realizador y no se ha metido en labores de guión y mucho menos de la composición del score) quien aunque no entrega un bodrio si resulta una cinta un tanto decepcionante y previsible para un servidor (quien aprecia la obra del director norteamericano desde hace años), ya que los estándares de calidad a los que nos tenía acostumbrado el director de Halloween son más altos.

¿Pero de que va la historia? La cinta comienza mostrándonos a Kristen (Amber Heard), una chica que se encuentra huyendo de algo o alguien para después aparecer frente a una vieja casa a la cual le prende fuego sin motivo aparente, instantes después la policia atrapa a la perturbada chica y la recluyen en un hospital mental, ahí Kristen es entrevistada por el Dr. Stringer (Jared Harris) quien será el encargado de su tratamiento pues al parecer un trauma bastante añejo ha hecho que la mujer haya olvidado el motivo por el cual incendio el inmueble, e incluso ésta no recuerda muchos pasajes de su vida aunque ella argumenta que no esta loca y no debería estar recluida. Sin embargo este no es el único problema que tendrá que sortear Kristen pues al conocer a otras cuatro chicas que se encuentran confinadas en la misma sala (referencia que da nombre al título del film), descubrirá a su vez un espantoso secreto cuando sus compañeras comiencen a desaparecer una a una y se revele la existencia de un enfurecido fantasma que al parecer era otra chica que falleció en circunstancias bastante ominosas dentro del complejo médico, la cual tiene como única motivación vengarse de aquellos que provocaron su deceso.

Como podrán leer, tal vez el argumento no resulte bastante novedoso e inclusive la ejecución tampoco depare nada del otro mundo más sin embargo con todo y que se percibe cierta indolencia por parte del director norteamericano, su servidor no puede negar que aunque Carpenter realiza este film casi en automático si se puede percibir ese colmillote que el director de Halloween ha ganado con años y años detrás de cámaras, por lo que por lo menos se pueden vislumbrar ciertos aspectos técnicos (encuadres y composición de los mismos) y narrativos que hacen que The Ward no sea una total pérdida de tiempo. Por ejemplo dentro de los aspectos positivos encontramos que al menos el guión (escrito por Michael y Shawn Rasmussen) no pretende tomarle el pelo al espectador y con todo y que el diseño de personajes puede resultar bastante arquetípico (la chica mala, la insegura, la heroína, etc) se consiguen vislumbrar las exaltaciones de los mismos. Es por esto que el personaje de Kristen puede funcionar correctamente como el pivote de la historia ya que al ir investigando las causas de los ataques sufridos por el espectro y los asesinatos que comete en contra de sus compañeras de algún modo hace que la historia avance hasta ese inesperado final.

Asi mismo hay que decir que la historia borda correctamente varios géneros como el slasher y el thriller psicológico por lo cual hasta cierto punto no se hace tedioso el ritmo del mismo (el espectador la mayor parte del relato se pregunta quien o quienes estan involucrados en el asesinato de la chica), incluso hasta se agradece que la cinta contenga un poco de gore y que los efectos especiales hechos por computadora no sean excesivos. Importante también es mencionar que el film logra tener buenas atmósferas y la forma en como se plasma el interior del hospital resulta bastante aterrador y se vuelve otro personaje más en la historia. Empero y como puntos negativos encontramos a su vez un reparto que no termina de convencer al espectador pues las chicas, todas ellas muy monas (Mamie Gummer, Danielle Panabaker, Laura Leigh, Lyndsy Fonseca, Sali Sayler y por supuesto Amber Heard) parecen no transmitir totalmente sus inquietudes y temores basando más la eficiencia emocional de sus personajes en su belleza física, por tal motivo en ocasiones la preciosidad de estas se percibe fuera de lugar para el relato tan terrorífico que se pretende contar.

Y sí el film cuenta con una fotografía bien cuidada, una puesta en escena correcta (la historia esta ubicada a finales de los años 60´s) y más aspectos técnicos que hacen que The Ward no parezca un capitulo más de Master of Horror (al menos en forma pero no en fondo tal vez si, jajaja). Y ustedes estimados lectores se preguntarán por que si la cinta tiene varios adeptos positivos ¿por que no ha sido de mi total agrado? Pues como comentaba al inicio su servidor, éste no ve a ese Carpenter incendiario y propositivo de hace 10 años el cual imprimía esa pasión en sus proyectos los cuales gracias a esos aspectos volvían sus trabajos de autor, honestos y despojados de cualquier supeditación comercial, y lo más importante a nivel ideológico.

Así que puedo darle una leve recomendación a The Ward, ya que sin ser una cinta que vaya a ser recordada por su originalidad por lo menos cumple como mero entretenimiento para una tarde sin mucho que hacer, sin embargo también nos haga añorar los viejos trabajos de un director al cual su servidor aun le tiene fe en sus próximos proyectos y si las cosas no salieran bien siempre estarán los títulos mencionados al inicio de esta reseña para apreciar al buen John Carpenter.

CINE CUTRE: ¡PARA! O MI MAMÁ DISPARA

2011-12-10T09:10:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Stop! Or my mom will Shoot
AÑO: 1992
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Roger Spottiswoode
GUIÓN: William Davies, William Osborne, Blake Snyder
MÚSICA: Alan Silvestri
FOTOGRAFÍA: Frank Tidy
REPARTO: Sylvester Stallone, Estelle Getty, JoBeth Williams, Roger Rees, Martin Ferrero, John Wesley, Gailard Sartain, Dennis Burkley
PRODUCTORA: Universal Pictures
GÉNERO: Comedia.

Antes de que su servidor tomara plena conciencia de que además de los Bruce Willis, los Stallone, los Van Damme o los Schwarzeneggers también existían los Allen, los Kubrick o los Bergman, pues se receto infinidad de material cutre y casposo como si de una religión se tratase al encontrar en las aventuras de estos fornidos y testosterónicos héroes norteamericanos gran fascinación gracias a los excesos narrativos e ideológicos que planteaban sus cintas; el hecho es que aunque siempre he tenido cierta atracción por la filmografía del buen Sly debo expresar que este icono del cine de acción también cuenta con proyectos bastante nauseabundos que llegan a insultar el intelecto del respetable, si no basta con recordar títulos como Asesinos (Richard Donner, 1995), Driven (Renny Harlin, 2001) e incluso El Juez Dredd (Danny Cannon, 1995) para constatar esto.

Sin embargo un peldaño más abajo en lo que se refiere a excrementabilidad cinematográfica se encuentra ésta ¡Para! O mi Mamá Dispara, segundo intento fallido por Stallone para demostrar que también podía hacer comedia como su compañero Arnie Schwarzenegger (recordemos que Oscar, cinta de 1991 fue el primer trabajo que el fornido interprete realizaría en este terreno de las manos de John Landis, al cual desgraciadamente no le iría nada bien ni por critica de público y mucho menos de los especialistas en la materia). Empero y como muchos sabrán la mentada cinta que firmara el casi sierre mediocre Roger Spottiswoode (Socios y Sabuesos, 1989 y 007 El Mañana Nunca Muere, 2000 por mencionar algunas) pondría a Stallone en el punto más bajo de su carrera (y eso que ya había realizado Halcón en 1986 para la Cannon y Rocky V de 1990, jajaja).

Bueno, bueno ¿pero de que va esta putada? Pues bien aquí Stallone interpreta al Sargento Joe Bomowski (de verdad asi se apellida) un rudo detective de la ciudad de Los Ángeles al cual le temen los maleantes por sus duros procedimientos (para contextualizar al respetable es una especie de Ray Tango pero menos mamón pues) motivo por lo cual se podría decir que su vida laboral esta más que resuelta, sin embargo su vida personal es una completa aversión ya que mantiene un amorío con su jefa la Teniente Gwen Harper (Jobeth Williams) con la cual parece solo quiere acostarse, ya que Joe no esta interesado en formalizar la relación motivo por lo cual Gwen siempre se encuentra de mal humor en la comisaría; y lo que es peor es que la mujer siempre ventila sus idiosincrasias amorosas con el personal, lo que deja bastante mal parado a nuestro rudo protagonista.

Pero cuando Joe piensa que las cosas no podrían estar peor llega de vacaciones su madrecita, Tutti Bomowski (Estelle Getty), una castrante septuagenaria de un metro cincuenta de alto que hará de la vida del Sargento Bomowski un verdadero infierno cuando esta se inmiscuya en cada uno de los aspectos de su vida tanto privada como laboral, y lo peor sucederá cuando la dulce anciana (por supuesto estoy siendo sarcástico) se involucre en un caso de tráfico de armas donde varias bandas italianas se encuentran peleando la plaza.

Como el respetable podrá leer el argumento de este adefesio cinematográfico no es nada original (parece más una premisa para esas cintas que se transmiten por el Hallmark Channel), sin embargo lo que termina por degradar la inteligencia y paciencia del espectador es sin lugar a dudas primeramente un guión mal escrito, lleno de clichés y lugares comunes, la mala dirección de Spottiswoode (quien parece no estar entusiasmado con lo que esta filmando, y de verdad no lo culpo, jajaja) y por su puesto la nula vis cómica de Stallone frente a cámaras (incluso me ha hecho más gracia verlo fanfarronear en El Demoledor, 1993) quien parece demasiado forzado por hacer reír aun y cuando tenga que sobajar su imagen de estrella en penosas escenas (como en la que aparece con pañales) con tal de sacar alguna carcajada del espectador.

Y es que uno nunca termina por tragarse la interpretación de Sylvester Stallone quien parece perdido, ya que por una parte lo encontramos bastante molón en las escenas de acción (aunque éstas sean pocas y no muy ingeniosas, al menos la secuencia donde interviene un trailer y un avión me mantuvo atento pero tampoco es para echar cohetes al aire) empero cuando interactúa con Estelle Getty las cosas se tornan mal, demasiado mal pues ambos interpretes tienen nula química, además de que Sly no es que sea Sir Lawrence Oliver para cambiar de registro adecuadamente.

Incluso el inicio de la cinta parecía prometedor pues la historia arranca como una especie de homenaje a esas cintas policíacas de los ochentas en donde conocemos al protagonista por sus habilidades y métodos detectivescos (al menos a su servidor encontró similitudes con aquel título dirigido en 1990 por el buen Clint Eastwood llamado El Novato, el cual por cierto no es de lo mejor del director oriundo de San Francisco). Sin embargo pasando unos diez minutos el film se desinfla estrepitosamente.

Asi mismo y tal vez el problema más evidente en la cinta sea sin lugar a dudas el diseño del personaje que interpreta Estelle Getty, el cual se descubre castrante hasta la saciedad pues este nunca llega funcionar como un símbolo de sarcasmo o de desacralización ante las instituciones (en este caso la familia); muy al contrario encontramos un personaje pésimamente trazado, como una especie de Patiño que pretende hacer reír con una cansina rutina de comedia (de verdad, a aquellos que piensen todavía que ver disparar un arma a una anciana es gracioso creo que tienen serios problemas o cuentan con tres años de edad) la cual se encuentra desprovista de carisma, y lo peor tanto Getty como Stallone son incapaces de escupir alguna línea llena de mala leche o diálogos mordaces para que por lo menos el respetable sienta que está visionando una sátira sobre las relaciones interpersonales de madre/hijo y al contrario encontramos una cinta con un discurso políticamente correcto y hasta moralista.

Por otra parte y retomando los aspectos técnicos del film debo señalar que la dirección de Roger Spottiswoode es plana y bastante floja, falta de creatividad y por ende su ritmo narrativo se percibe tedioso (y eso que el metraje apenas rosa los 87 minutos de duración) por lo que terminar de visionar dicho esperpento cinematográfico es casi una labor titánica. Hasta la banda sonora que compone Alan Silvestri (quien pasará a la posteridad por haber compuesto el score de la Trilogía de Volver al Futuro) se percibe cansina y tediosa, razón para que ni este aspecto resulte destacable.

Ya para finalizar solo diré que ¡Para! O Mi Mamá Dispara es una terrible cinta, de esos proyectos que jamás debieron ver la luz (o probablemente si, para que todos los estudiantes de cine o realizadores novatos vean lo que no se debe hacer, jajaja, pues alguna utilidad se le podría encontrar a dicho film), pues es un total insulto a la inteligencia del espectador y una total pérdida de tiempo (aun ahora y cuando la vi a los trece años me sentí ofendido). Creo que Stallone como se sentía intocable por ser una superestrella tomo la mala decisión de grabar este adefesio lo que a la larga le costó muy caro.

CINE DE CULTO: EL GIGANTE DE JAPÓN

2011-12-06T16:51:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Dai-Nipponjin (Dainipponjin) (Dai-Nihonjin) - Big Man Japan
AÑO: 2007
DURACIÓN: 113 min.
PAÍS: Japan
DIRECTOR: Hitoshi Matsumoto
GUIÓN: Hitoshi Matsumoto, Mitsuyoshi Takasu
MÚSICA: Towa Tei
FOTOGRAFÍA: Hideo Yamamoto
REPARTO: Hitoshi Matsumoto, Riki Takeuchi, Ryunosuke Kamiki, Itsuji Itao
PRODUCTORA: RealProduct / Yoshimoto Kogyo Company
GÉNERO: Comedia.

Desde aquel lejano año de 1954 con la aparición de Gojira (Godzilla) la cinematografía del país del lejano oriente jamás volvió a ser la misma como tampoco fue igual la percepción que el mundo occidental tuvo del pueblo nipón, todo gracias a infinidad y décadas de productos del conocido subgénero cinematográfico llamado Kaijú (cintas sobre monstruos) en donde el icónico mounstro creado por los estudios Toho se enfrentaba a infinidad de amenazas que abrumaban al pueblo japonés, como arañas mutantes del espacio exterior o criaturas muy parecidas al propio dinosaurio protagonista; hasta se llego a enfrentar con el propio King Kong en 1962 (claro en versión nipona) en el título Godzilla vs King Kong. Sin embargo el género no solo se quedo ahí y desencadeno otros productos como series de televisión, ¿quien no recuerda Ultraman? ese jocoso superhéroe creado a finales de los años sesenta y principios de los setentas, ataviado con un traje en blanco y rojo que también defendía al planeta tierra de monstruos que destruían las maquetitas de fomi y cartón que pasaban por ciudades.

O aquella mítica Mazinger Z del año 1972 (serie que su servidor disfrutaba cuando era un crió) donde el joven Koji Kabuto manipulaba al armatoste metálico para enfrentar a los monstruosos robots que enviaba el maléfico Barón Ashura (al cual veía como un travestí, jajaja) para conquistar al mundo (risas malignas de fondo). Y por último y ojala pudiera sacarlo de mi mente, se encuentran los nauseabundos Power Rangers, serial televisivo creado en 1993 el cual desencadenaría varias temporadas y una cinta en 1995, la cual tuve la desgracia de ir a ver al cine (uaghhh!!, no me culpen pero ¿que podía hacer si ese verano no había otra cosa mas que Batman Eternamente? la cual también visione como un masoquista, jajaja). Pero bueno el respetable se ha de preguntar ¿que tienen que ver todos estos razonamientos nostálgicos que su servidor ha hecho con la cinta de Hitoshi Matsumoto? Pues estos me sirven para contextualizar el entorno cultural, discursivo y por supuesto cinematográfico del cual esta empapado El Gigante de Japón.

Título que plantea su premisa en un falso documental en el cual se explora el cotidiano de Masaru Daisato (Hitoshi Matsumoto), hombre común y corriente que se descubre desprovisto de encanto tanto físico como emocional (esta divorciado de su esposa y solo ve a su hija de ocho años una vez al año por que la madre de esta le prohíbe el contacto frecuente ya que le causa pena que sepan que Masaru es el padre) y el cual sustenta su existencia en una labor que tanto su abuelo como su padre han realizado durante años (aunque le guste en absoluto), y esta es la de ser una especie de héroe nacional que salvaguarda el bienestar de los habitantes de Japón convirtiéndose en un gigante que lucha contra amenazantes y grotescos monstruos que llegan a la ciudad para sembrar el terror (la transformación es por demás jocosa como humillante pues conectan una fuente de poder eléctrica en las tetillas del protagonista para que pueda acrecentar su tamaño, para quedar ataviado con tan solo un calzoncillo y un tolete como arma, jajaja); aunque esto le valga el rechazo y desprecio de la de la ciudadanía, pues estos encuentran en Masauro (mejor conocido como Dai-Nihonjin cuando se vuelve gigante) una especie de bufón mediático que tiene como único objetivo elevar los ratings televisivos para anunciar un sin fin de marcas que patrocinan dicho espectáculo, mientras la moral y el físico del protagonista quedan mermados a cada enfrentamiento que sostiene.

Es asi que con este inteligente y perspicaz planteamiento el director y protagonista del film Hitoshi Matsumoto nos lleva de la mano a través de un viaje existencial y cultural lleno de un humor ácido y no menos punzante, el cual hace clara referencia a gran parte de la cinematografía nipona y el subgénero Kaijú; discurso que nunca se percibe anacrónico gracias a que cuenta con un guión en el cual se descubren infinidad de capas que el espectador puede descifrar, y es que si uno observa con atención ya de entrada El Gigante de Japón se preocupa por que el respetable se crea esta farsa a través de ese artilugio narrativo que supone el falso documental el cual disecciona las motivaciones del protagonista para que sintamos empatía por lo que esta viviendo.

De ahí que en un principio probablemente el espectador quede un tanto desconcertado en los primeros minutos del film cuando todo parece indicar que estamos presenciando una especie de drama existencial (que en cierta forma también lo es) pues estos momentos ahondan en las motivaciones de Masaru Daisato y las consecuencias de estas, empero conforme avanza la trama y vemos en acción a nuestro desdichado héroe también podremos comprender que ese gigante ataviado solo con unos calzoncillos azules es tan bien una especie de símbolo que lucha contra aspectos tan perturbadores como la locura (la surreal vuelta de tuerca que depara el final del film deja claro este aspecto), las consecuencias que provoca el uso desmedido de las nuevas tecnologías y sus efectos en los individuos; y por supuesto también se puede divisar cierto discurso ideológico cargado de sarcasmo ante la forma en como el mundo occidental aun sigue viendo a la cultura oriental (no es casualidad que todos estos elementos discursivos converjan en una cinta de monstruos).

Por tal motivo la narrativa del film es la adecuada gracias a un ritmo pausado que por momentos vuelve a este una especie de alegoría bastante onírica (repito el final es muestra para partirse de risa y preguntarse ¿qué jodido está pasando?), incluso aun en las escenas de las batallas que sostiene Dai-Nihonjin con sus oponentes esta nunca pierde ese toque alucinador, con decir que el diseño de los monstruos en ocasiones raya en lo grotesco (uno de estos parece un enorme pene, un ojo con patas, o un bebe por mencionar algunos) y en lo jocoso. Mención aparte merecen los efectos especiales y el diseño tanto de las criaturas como de los fondos en donde se desarrollan las peleas (que por lo regular son ciudades) ya que estos no se descubren sobrados o exagerados, inclusive me atrevería a decir que guardan cierto realismo dentro de lo fantástico del relato y por supuesto conservan esa estética de manga tan peculiar del material en el que se basa el autor.

Las actuaciones son correctas, aunque debo resaltar que todo el peso de la trama recae en el excelente trabajo actoral de Hitoshi Matsumoto quien logra transmitir toda la gama de emociones que exige su personaje ya sea como un simple hombre o como gigante, por lo cual es indiscutiblemente el protagonista del film. Asi que no me queda más que recomendar El Gigante de Japón pues es una cinta inteligente, mordaz y por supuesto lúdica, que aunque cuenta con un planteamiento bastante ominoso sobre la condición humana no deja de ser entretenida al tiempo que deja varias interroantes al espectador que se de la oportunidad de visionar tan peculiar trabajo cinematográfico.

CHUCK NORRIS EN: INVASIÓN A LOS ESTADOS UNIDOS

2011-11-30T13:42:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Invasion U.S.A.
AÑO: 1985
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Joseph Zito
GUIÓN: James Bruner, Chuck Norris (Historia: James Bruner, Aaron Norris)
MÚSICA: Jay Chattaway
FOTOGRAFÍA: João Fernandes
REPARTO: Chuck Norris, Richard Lynch, Melissa Prophet, Billy Drago, Alexander Zale, Alex Colon, Eddie Jones, Jon DeVries, James O'Sullivan
PRODUCTORA: Cannon Films
GENERO: Acción.

Corría el año de 1985, la guerra fría se encontraba en pleno apogeo y mientras Sylvester Stallone recaudaba millones y millones de dólares en las salas de cine de todo el mundo con su patriotera Rocky IV (id. 1985) y demostraba que era casi un superhéroe del cine de acción por ir directamente a las entrañas de la Unión Soviética (por lo menos de forma ficticia) para derrotar al campeón nacional de boxeo ruso Iván Drago (Dolph Lundgren), Chuck Norris tal vez el tipo más rudo que existe en la faz de la tierra (es el único sujeto en el universo que al jugar Monopoly hace que la economía del mundo se vea alterada), con menos presupuesto, jajaja, defendía a la nación norteamericana en la entretenida, jocosa y no menos prosaica Invasión a los Estados Unidos, cinta en la cual el hombre de mirada impenetrable y barba pétrea tiene que vencer a centenares de rusos que ingresan al país de las barras y las estrellas para sembrar el terror (y unas cuantas risas, jajaja) para tratar de desestabilizar el american way of life de sus ciudadanos que entre la comida de los McDonalds y el consumismo desmedido habitan felices.

La historia es la siguiente, Matt Hunter (Norris) un ex agente de la CIA, o ex Seal, o ¿ex agente del FBI? la verdad su servidor no lo recuerda bien pero siendo honesto ¿a quien carajo le importa pues el bueno de Chuck va a partir caras a diestra y siniestra de todas formas (jajaja), el hecho es que Hunter vive apaciblemente en una cabañita junto a los pantanos del sur de Miami, ahí su vida se resume en cazar cocodrilos, llevar leña al hogar donde vive con un anciano amigo y llevar su camisa de mezclilla abierta a la mitad del pecho para que el calor no le afecte. Sin embargo todo esto cambiara cuando un temible enemigo de antaño llamado Mikhail Rostov (genérico Richard Lynch) planee una invasión a Estados Unidos no sin antes quitar del camino al mismísimo Hunter y vengarse de una vez por todas de el, pues gracias a éste el malvado villano no puede conciliar el sueño por las noches ya que una horrible pesadilla siempre lo trastorna, esta horrible opresión es cuando aparece Hunter encañonando a Rostov en la sien diciéndole que todo acabo para el y cuando esta a punto de jalar del gatillo mejor se despierta (la verdad que si a su servidor Chuck Norris también le pusiera una pistola en la sien tampoco podría dormir, jajaja).

Total que cierta noche un agente del gobierno va en busca de Hunter para pedirle que regrese a la acción ya que tienen información de que Rostov ha ingresado al país y como las agencias gubernamentales no saben que planea hacer el terrorista por eso han acudido al héroe para que lo detenga, empero al duro de Matt parece no importarle ni un cojón esto y solo se limita a escupir esta acojonante frase “en su momento no me dejaron matar a Rostov, ahora es su problema” (jajaja). Acto seguido el agente se retira con la cola entre las patas y Hunter sigue con su tranquila vida, hasta que nuestro genérico villano ruso se entera de la ubicación de nuestro protagónico y decide ir a eliminarlo de una vez por todas con un montón de achichincles (pues solito siente algo de miedo, jajaja) para que no le vaya echar a perder sus planes (y pueda dormir placenteramente todas las noches como un niño, faltaba más) es por este motivo que aproximadamente 10 fulanos abren fuego con metralletas y lanza misiles a la cabañita del héroe destruyéndolo todo (menos a Hunter por supuesto), pero esto no es lo que hace encabronar al duro de Matt, ¡no señores!, lo que le llena de piedras el buche es que al intentar eliminarlo, mataron a su amigo, el anciano buena onda con el cual vivía.

Es en esos momentos que Matt Hunter decide dejar de lado su filosofía Zen y emprende la difícil tarea de cargarse por fin a Mikhail Rostov para primeramente vengar la muerte de su amigo y segundo, eliminar al mayor número de rusos posibles cuando estos intenten apoderarse de los Estados Unidos. Como podrán darse cuenta estimados lectores del blog, el argumento de esta cinta que protagonizara Chuck Norris y dirigiera Joseph Zito, por cierto realizador de joyitas como Escorpión Rojo (1989) su última cinta que protagonizara Dolph Lundgren y Desaparecido en Combate de 1984 de nuevo con Norris, es netamente producto de su época, tiempo en el cual los nortemaricanos y su presidente Reagan veían al comunismo y al pueblo soviético como enemigos potenciales (jajaja, lo que pasa es que no les gustaba que otros también contaran con armas nucleares), de ahí que varias cintas y protagonistas se dedicaran a exaltar los valores patrioteros norteamericanos.

Y es que si uno lo analiza, el guión de Invasión a los Estados Unidos (que por cierto firmará el hermano menor de Chuck, Aaron Norris) es un cúmulo de tópicos y situaciones imposibles las cuales aunque las hubiera filmado un director con más pericia visual e inteligencia narrativa (como un John McTiernan por poner un ejemplo) de todos modos seguiría siendo un churro; sin embargo es esa nimiedad del argumento, la representación visual de una violencia exagerada, lo políticamente incorrecto de su discurso (los negros y los latinos son el mal de la nación norteamericana) y por supuesto la uní dimensionalidad de sus personajes, causa que este churro (y placer culpable de su servidor) funcione y hasta guarde cierto encanto.

Por tal motivo si el respetable analiza los nuevos productos del género de acción no logran funcionar por varios factores, guiones flojos sin chispa de desacralización y sarcasmo necesario para que el público no sienta que se le quiere tomar el pelo, sustentar el éxito en cansinas y poco creativas secuencias de acción, y la principal, protagonistas faltos de carisma (los Vin Diesel, The Rock, John Cena, son muestra clara de esto). Es por esto que Chuck Norris, campeón artemarcialista convertido en actor (si se le puede decir), el cual en toda su filmografía como en este título sustenta sus limitantes ¿histriónicas? en un rostro pétreo y su nulidad expresiva (muy a lo Clint Eastwood pero pasado de rosca en fondo y forma), por tal motivo el personaje de Matt Hunter es poco menos que Batman o cualquier miembro de la Liga de la Justicia Americana (jajaja) si no basta con ver el desarrollo de la historia en la cual este aparece y desaparece sigilosamente (aquí la continuidad narrativa no importa) armado tan solo con dos metralletas y unas cuantas frases llenas de cinismo para acabar con cientos de rusos.

Es por esto que el buen Chuck ni siquiera utiliza su ya típica patada giratoria para mandar al infierno a sus enemigos, aquí todo lo hace con su vieja camioneta amarilla (cual batí móvil) y su par de metrallas, inclusive el final quedará en los albores de la violencia extrema y la hilaridad involuntaria cuando el personaje que interpreta Norris le dispare un bazucazo al personaje de Mikhail Rostov para cerrar con broche de oro este entretenido film. Ahora bien en lo referente a los apartados técnicos hay que decir que la productora es la Cannon (¿habrá que acotar algo más?), la dirección es plana y bastante genérica, aunque debo resaltar que las secuencias de acción estan bien montadas y gozan de mala leche y violencia gratuita a raudales (ejemplos encontramos a la pareja asesinada en la playa cuando intentan follar, o el lanzamiento de misiles en un suburbio clase mediero en plena época navideña y por supuesto el tiroteo final entre rebeldes soviéticos y el ejército norteamericano en pleno centro de la ciudad de Miami.

Las actuaciones como el respetable podrá inferir son malas hasta la saciedad y lo peor, el villano principal no se encuentra a la altura del protagónico (su leit motiv es bastante ingenuo que dan ganas que Chuck Norris se lo despache cuanto antes). Asi que estimado lector, si usted no tiene nada que hacer en una aburrida tarde de sábado no lo dude más y vea Invasión a los Estados Unidos (les aseguro que esto es mejor que mirar fútbol como un troglodita bebedor de cervezas) con el rudo y monosílabo Chuck Norris (creo que esta cinta es en la que menos habla, jajaja) para que compruebe que los mejores tiempos ya pasaron (sin afán de ofender a las nuevas generaciones), si no, que alguien me diga si aun se hacen cintas donde los protagonistas escupen tópicas y genéricas frases como “yo trabajo solo” o “recuerda, si te capturan el gobierno negará cualquier conexión contigo” sin hacer que el espectador esboce una leve sonrisa de complicidad.

DÉJAME ENTRAR de Tomas Alfredson

2011-11-24T16:37:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Låt den rätte komma in
AÑO: 2008
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Suecia
DIRECTOR: Tomas Alfredson
GUIÓN: John Ajvide Lindqvist
MÚSICA: Johan Söderqvist
FOTOGRAFÍA: Hoyte Van Hoytema
REPARTO: Kåre Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist, Peter Carlberg, Ika Nord, Mikael Rahm, Karl-Robert Lindgren, Anders T. Peedu
PRODUCTORA: EFTI
GÉNERO: Terror.

Cuando uno piensa en la cinematografía proveniente de Suecia es indudable tener como referente al grandioso e indispensable Ingmar Bergman, realizador que dedico toda su vida al cine (cosa que muchos agradecemos) creando verdaderas obras que conectaban con el espectador gracias a la honestidad de las mismas y sobre todo a la visión tan personal sobre la condición humana que mantenía el realizador. Ahora bien si uno observa el panorama actual en lo referente al séptimo arte en el frío y lejano país escandinavo podrá darse cuenta que son pocos los directores que hoy por hoy trabajan en este rubro, inclusive la mayoría conciben proyectos bastante genéricos en Hollywood, ejemplos tenemos a Jonas Ákerlund quien realizo la entretenida e interesante Spun (2002) y más tarde la sosa Horsemen (2009) con el todo terreno Dennis Quaid, también se encuentra Mikäel Hafstrom, quien no da una desde la pueril Descarrilados (2005), La Habitación 1408 (2007) por cierto adaptación de un cuento corto de Stephen King y más recientemente El Rito (2011), una mierda sobre exorcismos de proporciones mayúsculas que solo tenía como aspecto notable el sonrojante y ridículo acontecimiento que significo aquí en México la entrevista que el seudo periodista Joaquín López-Dóriga (al que muchos llaman en Teacher ¡por Dios!) intento hacerle a Sir Anthony Hopkins con su ya famosa frase juay de Rito? cuando este vino a promocionar dicho esperpento cinematográfico (para los que no esten enterados esta frase quiso decir ¿de que se trata El Rito? pero en un inglés bastante pobre, jajaja).

Y por último se encuentran Roy Andersson del cual solo he podido ver la cinta Canciones de Segundo Piso (2000), alegoría sobre el existencialismo humano y su relación con la religión la cual contaba con una plástica acojonante por cierto, y por supuesto la Saga que varios directores han hecho de Millenium I, II y III, empero gracias a la globalización (por lo menos debe tener algo de bueno este aspecto, jajaja) nos llega otro director para darle un poco esperanza al panorama actual llamado Tomas Alfredson, quien con Déjame Entrar sorprendió a propios y extraños con su hermosa y a la vez aterradora historia de vampiros, motivo por lo cual se consolida como uno de los realizadores actuales a seguir (acaba de estrenar El Topo, cinta de espionaje con tintes políticos que cuenta con un reparto bastante tentador que incluye a Gary Oldman, Colin Firth, Tom Hardy y Mark Strong por mencionar algunos).

Pero centrándonos en éste film de Alfredson debo acotar que nos cuenta la historia de un chico llamado Oskar (Kare Hedebrant) el cual vive solo con su madre en un pequeño departamento que se encuentra en un gran complejo habitacional de la gran urbe (su padre vive en el campo ya que se separo de la madre de éste), Oskar es un chico bastante tímido y reservado que carece de amigos en la escuela motivo por lo cual es el blanco perfecto para ser maltratado por un grupo de chicos de su salón los cuales lo someten constantemente infinidad de vejaciones tanto físicas como psicológicas provocando que el niño se convierta en un ente etéreo ante la sociedad; de ahí que el Oskar comience a reprimir su ira al tiempo que se vaya excluyendo de su entorno. Pero todo esto cambiara radicalmente cuando cierta noche un extraño hombre y su ¿hija? una niña de trece años llamada Eli (Lina Leandersson) lleguen a habitar uno de los departamentos del edificio donde reside el propio Oskar, pues esta chica de aparente apariencia impúber y rostro pálido se convierta en la amiga del solitario chico llegando incluso a desarrollar una extraña relación de amor y amistad en la cual la confianza de éste se irá fortaleciendo.

Sin embargo el secreto que guarda celosamente Eli (que en realidad es un vampiro) quedará al descubierto cuando misteriosos asesinatos comiencen a suceder en la zona habitacional. Como podrá leer el respetable esta historia de vampiros puede resultar un tanto atípica si la comparamos con otras propuestas cinematográficas más clásicas en donde la figura del vampiro es retratada como la encarnación del mal puro, empero el guión que firma John Ajvide Lindqvist explora otro tipo de aristas en la cual y a través de la figura melancólica y hasta cierto punto desdichada del no muerto se analizan aspectos tan perturbadores como son los procesos de deshumanización que sufre la sociedad moderna e incluso quedan de manifiesto los males que en la actualidad aquejan al ser humano como son los aspectos netamente emocionales, como el de sentirse despojado emocionalmente al no encajar en tal o cual grupo social; por tal motivo el verdadero terror ya no radica completamente en las presencias o apariciones de personajes sobrenaturales si no que ahora este se encuentra en personas “normales” de carne y hueso que cohabitan a la vuelta de la esquina, en el propio hogar o como es el caso de Oskar en un aula de estudios.

De ahí que aquí el personaje de la vampira Eli tome más fuerza como un símbolo (que sin lugar a dudas y solo al final hará pagar con su vidas a los que han faltado a los códigos éticos más básicos del ser humano) en el cual se ven reflejados de manera cruda y fehaciente la decadencia humana, si no basta con ver las escalofriantes escenas en donde se muestran las vejaciones a las que es sometido el personaje de Oskar por parte de sus compañeros quienes parecen estar despojados de cualquier rasgo de humanidad, ya que no demuestran remordimiento o culpa alguna pos sus acciones, las cuales sin lugar a dudas dejarán frío al espectador ante tanta perversidad. Incluso la propia madre de este al conservar una actitud de desinterés por su propio vástago afianza dicho maltrato por el puro hecho de abandonarlo emocionalmente.

Es por esto que el desarrollo de los personajes funciona tan bien y por ende estan dotados de total tridimensionalidad por lo cual sus motivaciones se perciben creíbles es por esto que Eli y Oskar son dos seres desdichados que cargan grandes pesares, él es un inadaptado y excluido social, ella por su parte carga con una maldición de ser eterna y debe matar para alimentarse por lo cual no se regodea de su condición sobrenatural, es por esto que cuando Oskar descubre que Eli es un vampiro no cambia para nada la relación que estos dos seres excluidos por su entorno han creado, de ahí que el propio chico recite una de las frases más hermosas, más duras e incluso más dolorosas de todo el film cuando le confiesa a Eli “no importa lo que seas, asi te sigo queriendo” todo esto retratado de una forma bastante madura y despojada de maniqueísmos sensibleros. Es por esto que hay que señalar que la dirección del propio Alfredson es todo un acierto ya que gracias al ritmo tan pausado que le impregna a la cinta logra que el respetable se conecte con los protagonistas, motivo por lo cual durante todo el metraje el espectador jamás encontrará fisuras en un guión haciendo que el interés en la narración jamás decaiga.

Asi mismo y tal vez uno de los aspectos más notables del titulo es quiza la belleza visual que proyecta éste, todo gracias a una exquisita fotografía llena de atmósferas que rayan en el lirismo más puro, que se encuentra llena de potentes composiciones y por supuesto una paleta cromática en la cual sobresale un elegante color blanco, el cual representa esa densa y fría nieve que cubre la mayor parte geográfica del país escandinavo en la cual se desarrolla la historia, por lo cual se refuerzan sin lugar a dudas esas sensaciones de soledad, melancolía e incluso de depresión de la cual esta impregnada la historia y en la cual aun sobresalen aspectos tan notables como la amistad y el amor (para muestra se encuentra ese potente, sangriento y aterrador final que se desarrolla en la alberca del instituto, el cual por cierto es un cierre magistral para esta excelente cinta).

De las interpretaciones hay que decir que son notables sobre todo en lo referente al dúo protagónico ya que estos logran hacerse de sus papeles al tiempo que logran transmitir todos los rasgos de humanidad de los que se encuentran proveídos. Ya para finalizar diré que Déjame Entrar es una cinta que debe verse pues dentro de su discurso político social también se descubre una potente película de horror (hay pasajes bastante perturbadores como cuando el padre de Eli sale por las noches a asesinar para proveer de sangre a la niña para que esta no perezca, o incluso los diversos ataques que realiza el vampiro cuando ha quedado desamparada con la muerte de su tutor) en la cual el tema del vampirismo es abordado de manera bastante inteligente, haciendo que este aspecto se torne más como una condición del ser humano, es por esto y por los argumentos que su servidor ha expuesto anteriormente que considera que esta cinta del director Tomas Alfredson es una obra redonda y por supuesto de revisión obligatoria, no por nada se hizo el remake en Hollywood dos años màs tarde, pero esa ya es otra historia.

MUÑECOS de Stuart Gordon

2011-11-16T09:26:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: Dolls
AÑO: 1987
DURACIÓN: 77 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Stuart Gordon
GUIÓN: Ed Naha
MÚSICA: Fuzzbee Morse
FOTOGRAFÍA: Mac Ahlberg
REPARTO: Ian Patrick Williams, Carolyn Purdy-Gordon, Carrie Lorraine, Guy Rolfe, Hilary Mason, Bunty Bailey, Cassie Stuart, Stephen Lee
PRODUCTORA: Empire Pictures
GÉNERO: Terror.

“Ellos caminan, ellos hablan, ellos matan”

Algunos de los misterios que el hombre siempre ha querido descifrar es la de saber si de verdad existe vida en otros planetas (teoría que Fox Mulder defendía a capa y espada) o aclarar interrogantes aun más perturbadoras como ¿por que tipos como Uwe Boll, Tony Scott o Paul W.S. Anderson siguen dirigiendo películas? (lo de Michael Bay y Oren Peli hasta cierto punto es comprensible pues estos siguen llenando las arcas de los vampiros que manejan Hollywood a su antojo, los cuales solo buscan succionar el capital de los bolsillos de los pobres individuos que despojados de conciencia se entregan a ejercicios banales como los que hacen los mencionados). Como ustedes podrán leer algunas de estas interrogantes tal vez nunca serán contestadas (jajaja), sin embargo existe otro tipo de cuestionamientos que también han trastornado la conciencia del hombre y han sido exploradas en la pantalla plateada para tratar de ser hasta cierto punto comprendidas, como por ejemplo la de descubrir si esos juguetitos que tantas horas de felicidad nos brindaron cuando éramos solo unos crios toman vida en la noche para hacernos pagar por nuestros pecados.

Por tal motivo ejercicios cinematográficos como La Lámpara (1959), cortometraje de siete minutos que filmara Roman Polanski en su natal Polonia en su época como estudiante de cine, aborda esta premisa a través de una atmosférica fotografía en blanco y negro, con una narración llena de lirismo y un dejo de ominosidad; hasta la cinematografía nacional no se quedo exenta, motivo por el cual en el año de 1960 el director Benito Alazraqui realiza el film Muñecos Infernales la cual raya entre lo terrorífico y lo bizarro gracias a un argumento bastante anacrónico como jocoso que se centra en maldiciones vudú, inclusive Viruta y Capulina tuvieron su película con marionetas llamada Cascabelito (Jaime Salvador, 1962) la cual sin duda lograba aterrar a la audiencia por el maniqueo y lacrimógeno argumento de esta (jajaja), y por supuesto por lo grotesco del muñeco protagónico. Pero volviendo a la cinematografía norteamericana encontramos trabajos más conocidos como Puppet Masters (David Schmoeller, 1989) cinta que significo la punta del iceberg para una interminable saga que se pone peor a cada secuela y por último y tal vez el titulo más conocido (o comercial como lo quieran ver) es el Chucky de Tom Holland de 1988, cinta que retoma ciertos aspectos estilísticos y narrativos de los títulos mencionados con anterioridad y que por supuesto desemboco en más secuelas de desigual calidad.

Sin embargo hoy toca el turno de analizar Muñecos (Dolls), cinta de 1987 en la cual Stuart “Re-Animator” Gordon nos narra un cuento bastante lúgubre en el cual las figurillitas infantiles simbolizan esa decadencia humana que soslaya a una sociedad cada vez más egoísta y excluyente, motivo por lo cual con todo y que el discurso puede percibirse moralista (si eres un hijo de puta recibirás tu castigo tarde o temprano), el resultado no deja de ser satisfactorio gracias a una pláticas visual bastante resuelta, algunos toques lovecrafnianos y grandes dosis de humor negro que hacen que el film de Gordon de haya vuelto de culto.

La historia es la siguiente, una familia adinerada compuesta por David (Ian Patrick Williams), Rosemary (Carolyn Purdy) y la pequeña Judy (Carrie Lorraine) viajan en auto a través de un bosque cuando de repente una repentina tormenta hace que su automóvil quede varado en medio de la nada, acto seguido el matrimonio Bower comienza a discutir cuando se dan cuenta que sus vacaciones son un desastre e inician a pelear, sin embargo cuando Judy interviene en el conflicto es reprendida, ignorada y posteriormente el oso de peluche con el cual contaba se le es arrebatado y desechado, razón por la cual la niña en una arranque de cólera solo puede imaginar que dicho peluche toma vida y se transforma en un enorme oso que devora a sus progenitores, jajaja (cabe hacer mención que dicha escena esta llena de humor negro y algunos toques de gore, razón por lo cual esta es realmente perturbadora como repulsiva).

Total que la familia recorre unos cuantos metros bajo la lluvia hasta que avistan una casa a la cual se dirigen para refugiarse de la tormenta, instantes después un anciano llamado Gabriel Hartwicke (Guy Rolfe) sale con una escopeta para saber quien ronda su propiedad, instantes después de aclarar la situación con estos les ofrece posada; sin embargo en esos instantes otros tres desconocidos hacen su arribo a la casa de los Hartwicke, ellos son Ralph (Stephen Lee), Enid (Cassie Stuart) e Isabel (estas dos últimas unas mujeres punk) quienes también piden asilo para pasar la noche, lo que no saben los nuevos huéspedes es que la noche no será nada placentera y mucho menos tranquila puesto que en la vieja casona también existen cientos de muñecos (los cuales son fabricados por el viejo señor Hartwicke aparentemente) que toman vida por las noches con el único objetivo de castigar a aquellos que han sido deshonestos o cargan con un pasado oscuro.

Como podrá leer el respetable la trama aunque en el exterior se perciba bastante sencilla esta llena de elementos discursivos que funcionan como una especie de cuento macabro, al más puro estilo de lo que los Hermanos Grimm ofrecían (alegorías sobre los aspectos más pavorosos y decadentes del ser humano) de ahí que incluso la duración del film quede bastante justita para contar lo que se tiene que contar (dura solo 77 minutos) por lo que no sobra ni falta nada, asi mismo la presentación y desarrollo de personajes se resuelve de manera correcta aunque estos no dejen de ser simples arquetipos, como por ejemplo el matrimonio disfuncional al cual la avaricia e interés monetario encarnan el eje su motivación, las chicas punk que representan ese quiebre generacional donde las drogas y el dinero mal habido son el móvil; y por último los personajes del bonachón e inseguro Ralph (que no deja de ser un niño en cuerpo de hombre) y la pequeña Judy representan de algún modo la incorruptibilidad e inocencia que hará que estos logren sobrevivir la pesadilla que significa enfrentar a las demoníacas criaturas nocturnas.

Por otra parte debo resaltar que la cinta funciona gracias al diseño visual de la misma con la aplicación de una fotografía oscura y atmosférica, planos cerrados y por supuesto al acertado esbozo las criaturas quienes son los verdaderos protagónicos del film (los diversos monigotes que aparecen en su mayoria como muñecas de porcelana, muñecos de trapo e incluso figurines de madera resultan bastante espeluznantes), asi como al buen manejo de suspense tanto como a la planificación de las muertes, punto en el cual debo resaltar una escena donde interviene un ejercito de soldaditos de madera los cuales eliminan a una de las chicas de una forma suficientemente desagradable como divertida (los mentados soldados fusilan a la chica, jajaja) para que el espectador quede satisfecho ante tanta surrealidad que plantea el guión.

De las actuaciones hay que decir que estas son pasables hasta cierto punto (tampoco es que reciten a Shakespeare, jajaja) sin embargo aunque los personajes de las chicas son algo insoportables y uno como espectador quiere que los muñequitos se las despachen lo antes posible, creo que es comprensible hasta cierto punto el perfil de estos, pues el hecho de que sus motivaciones sean exacerbables refuerzan el discurso de la cinta; asi mismo es de agradecer que por lo menos el performance de la pequeña Judy (Carrie Lorraine) no se perciba tan castrante.

Asi que puedo sin más ni más puedo recomendar Muñecos de Stuart Gordon, pues esta se descubre como una honesta e inquietante cinta de horror, la cual si asusta gracias a un buen manejo de situaciones y momentos, al tiempo que sus protagónicos (los muñecos, que en verdad son pigmeos de no se que dimensión) de verdad se roban la película gracias a su mala leche y la violencia grafica que muestran cuando asesinan, al tiempo que ponen de manifiesto que el director de Re-Animator se siente como pez en el agua cuando de hacer filmes de genero se refiere, por lo que es indudable que su obra es de revisión obligatoria.

UN HOMBRE LOBO AMERICANO EN LONDRES de John Landis

2011-11-09T09:46:00.000-08:00

TÍTULO ORIGINAL: An American Werewolf in London

AÑO: 1981

DURACIÓN: 97 min.

PAÍS: Inglaterra

DIRECTOR: John Landis

GUIÓN: John Landis

MÚSICA: Elmer Bernstein (Canciones: Creedance)

FOTOGRAFÍA: Bob Paynter

REPARTO: David Naughton, Jenny Agutter, Griffin Dunne, John Woodvine, Lila Kaye, Brian Glover

PRODUCTORA: Polygram Pictures / Univesal Pictures

GÉNERO: Terror. Comedia.

Otra de las cintas favoritas que su servidor conserva en su top ten personal de cintas de horror además de Halloween, La Cosa del otro Mundo (John Carpenter, 1978,1982 respectivamente), La Noche de los Muertos Vivientes (George A. Romero, 1969) o Fright Night (Holland, 1985) por mencionar algunas, es sin lugar a dudas esta Un Hombre Lobo Americano en Londres del siempre eficaz John Landis, autor que se abriera camino en el mainstream hollywoodense con sus jocosas y delirantes comedias como Kentucky Fried Movie (1977) o Desmadre a la Americana (1978), el cual más sin embargo al presentar esta excelente cinta se llevo una gran decepción cuando tanto público y crítica no supieron entender el espíritu de esta arriesgada obra que combinaba magistralmente horror y humor a partes iguales, motivo por el cual la mencionada obra sirvió de parte aguas para el genero del terror por lo cual es inevitable mencionar que este film se encontraba bastante adelantado a su epoca.

Y es que como explica el propio Landis en una entrevista, la gestación del proyecto era una reinvención de aquel genial filme de 1941 que protagonizara Lon Chaney Jr. llamado simplemente El Hombre Lobo (Waggner), empero el proceso fue bastante tortuoso pues desde un principio la escritura del guión (este duro casi una década guardado por falta de financiamiento) tuvo que ser cambiado infinidad de veces cuando arranco el rodaje, pues al director de The Blues Brothers (1980) debió adaptar este de nuevo para que no se desfasara de los tiempos actuales, asi mismo la elección del casting resulto ser otro reto ya que la producción al ser netamente extranjera (por tal motivo la cinta se filmo completamente en Londres, Inglaterra) debía estar conformada por actores en su mayoría ingleses, razón para que el director norteamericano solo pudiera contratar a dos actores estadounidenses como sus protagónicos.

Sin embargo con todas estas dificultades tanto el equipo de producción como el propio Landis lograron sacar a flote una de las cintas más influyentes del género, la cual a través de los años se ha ganado a pulso la importancia de su verdadero valor. ¿Pero de que va Un Hombre Lobo Americano en Londres? esta nos narra el viaje que realizan de mochilazo dos estudiantes norteamericanos, David (David Naughton) y Jack (Griffin Dunne) los cuales recorren los interminables y verdosos páramos irlandeses en un camión lleno de ovejas (jajaja, primera simbología de la historia) llegando a un pequeño poblado en donde buscan algún sitio en donde resguardarse de una intensa lluvia que ha comenzado a caer.

Es en esos momentos que el par de chicos ingresan a una misteriosa taberna que tiene como nombre “El cordero degollado”, lugar en donde son vistos con recelo por los comensales del mismo, los cuales por cierto tienen cara de pocos amigos (jajaja). Es por esto que durante algunos minutos transcurre una tensa calma entre estos y los lugareños que se encuentran bebiendo hasta que Jack (Dunne) osa preguntar por un pentagrama que se haya pintado en una de las paredes del bar, lo que provoca que uno de los sujetos que bebe en el lugar se moleste, por lo cual los jóvenes son expulsados del sitio ante la advertencia de una mujer que les pide a los individuos que no los dejen ir pues hay “luna llena” y corren gran peligro, a lo que estos hacen caso omiso y dejan que los jóvenes partan a mitad de la noche no sin antes ser advertidos que se cuiden de la luna y no se metan a los cipreses.

Lo que acontece después es presenciar como Jack y David (Naughton) recorren un sinuoso camino que por descuido los lleva a lo más profundo del bosque alejándolos de la carretera que les brindaría seguridad, es por esto que cuando se descubren perdidos y escuchan un aterrador aullido sabrán que estan en verdaderos problemas. A continuación los jóvenes son atacados por una enorme bestia la cual mata a Jack cuando le arranca el cuello de una mordida y deja mal herido a David solo para que el respetable descubra que la mencionada bestia es ni más ni menos que un licántropo, esto es revelado cuando los hombres del bar en un acto de remordimiento salen a buscar a los jóvenes y matan al animal quien instantes después se transforma en hombre.

Tiempo después David despierta en un hospital de la ciudad de Londres donde convalece por sus heridas, y a partir de este momento la vida de nuestro protagonista se convertirá en un descenso a los infiernos cuando su amigo Jack (ahora convertido en un zombie al cual solo puede ver David) le advierta que la siguiente luna llena éste se convertirá en hombre lobo por lo que le aconseja quitarse la vida antes de que asesine ya que será inevitable que sus ansias de hambre lo convertirán en bestia. Como el respetable podrá inferir David no hace caso, sin embargo violentos asesinatos comenzarán a suscitarse en la ciudad, al tiempo que horripilantes pesadillas irán desquebrajando la cordura de nuestro protagonista (el sueño dentro de otro sueño en donde aparecen unos monstruos nazis son muestra clara de esto), quien al enamorarse de Alex (Jenny Agutter) la enfermera que lo cuida, hará caso omiso de las advertencias de Jack.

Y este sería el perspicaz y aterrador argumento de esta cinta (de verdad el film tiene pasajes bastante ominosos que ponen la piel de gallina, se los juro) que además cuenta con varias dosis de humor negro los cuales por cierto le agregan un sabor mal sano a la historia; motivo por lo cual el espectador jamás se halla cómodo ante los constantes cambios de emoción que conserva el film, de ahí el desconcierto del público al visionar el mismo en su momento. De igual forma es importante resaltar que el diseño psicológico de los personajes es parte neurálgica para que la historia funcione ya que tanto el personaje de David (el hombre lobo) como el de Jack (el muerto viviente) e incluso el del Dr. Hirsch (John Woodvine) se encuentren despojados de ser simples arquetipos y por el contrario, representen a varios niveles lo más oscuro de la condición humana, esa que aquí es retratada de la forma más sombría y perturbadora posible.

De ahí que la representación de la bestialidad humana se conserve al igual que en el film de Waggner, solo que aquí Landis refresca la premisa tanto en fondo como en forma haciendo la obra más atractiva y perturbadora para el espectador contemporáneo (gracias a los efectos especiales diseños por Rick Baker y por supuesto a esas generosas dosis de gore que ofrece el film), razón por lo cual el David de Naughton conserva esa carga emocional que le provee la maldición a la que fue sometido como le pasará a Lon Chaney Jr. cuatro décadas atrás. Por tal motivo las interpretaciones del desconocido tándem de jóvenes actores David Naughton y Griffin Dunne es vital para que creamos el quiebre emocional que enfrenta el primero, al tiempo que el excelente performance del segundo trata de incluir un poco de cordura en la psique de David (como si de un irónico Pepe grillo se tratase) con el objetivo de disminuir ese ambiente de demensia del cual esta intestada la historia.

Y por si esto no fuera suficiente, el lenguaje cinematográfico que emplea John Landis es lo bastantemente eficaz para conceder al film de una plástica y narrativa tal, que la misma toma otros niveles gracias a un ritmo fluido, situaciones y diálogos inteligentes; y por supuesto unos efectos especiales tan grotescos como increíbles que dotan de verosimilidad al proyecto (no por nada Rick Baker gano el Oscar a mejores efectos especiales y de maquillaje ese año), los cuales incluían la utilización de animatrónics y prótesis de látex; incluso si uno ve el film podrá darse cuenta que una de las escenas más emblemáticas y cruciales del filme es aquella donde David se transforma en bestia, pues dicha escena (que se grabo sin cortes) mostraba lo tortuoso que significaría dicha metamorfósis, todo esto acompañado por la inquietante canción "Blue Moon" interpretada por Sam Cooke.

Así que ¿qué más puedo decir sobre esta aterradora y fascinante cinta de horror? Pues para los que no la han visto (que probablemente sean algunos jóvenes que creen que Actividad Paranormal es el epítome del terror, jajaja) que corran a comprarla (o rentarla ¡por Dios!), ya que no pueden perderse esta obra maestra del género, la cual su servidor solo puede comparar en maestría con el remake de John Carpenter, La Cosa del Otro Mundo (1982) pues como comentaba al inicio de esta reseña, significaron un antes y un después en la forma de abordar este género muchas veces menospreciado por muchos, pero que gracias a tipos como Landis, los Carpenter, los Romero y Cravens, este se ha ganado el respeto de los adictos al horror. Y para los que ya la vimos, pues nunca esta demás volver a disfrutar de una buena cinta de horror, de esas que de verdad te ponen los pelos de punta, basta con recordar la asfixiante escena del metro o la mal sana y divertida secuencia que se suscita en el cine porno (clímax final del film) ya que por el simple hecho de disfrutarlas, bien valen el visionado.

CINE DE CULTO: CENA CON EL VAMPIRO

2011-10-31T09:23:00.000-07:00

TÍTULO ORIGINAL: A cena col il Vampiro
AÑO: 1988
DURACIÓN: 82 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Lamberto Bava
GUIÓN: Lamberto Bava
MÚSICA: Simon Boswell
FOTOGRAFÍA: Aldo Greci
REPARTO: Isabella Russinova, George Hilton, Patrizia Pellegrino, Riccardo Rossi, Yvonne Sozo, Valeria Milillo, Yvonne Sciò, Daniele Aldrovandi, Igor Zalewsky, Roberto Pedicini, Stefano Sabelli.
PRODUCTORA: Reteitalia, Dania Film, Devon Film
GÉNERO: Terror.

Una espesa neblina cubre los grandes pastizales que circundan un enorme castillo, la luna llena apenas puede avistarse y una atmósfera lúgubre invade a todo aquel que se aproxime a este lugar, como es el caso de un grupo de filmación que se interna en lo más profundo de la escalofriante fortaleza. Ya dentro, un sujeto que funge como director comienza a dar ordenes a los camarógrafos y al equipo de iluminación para que no pierdan detalle de lo que estan observando, acto seguido el director guía a sus hombres para que destruyan una vieja pared en donde se encuentra una vieja cámara oculta en donde se haya una tumba, instantes después el sujeto que dirige toda la acción queda maravillado ante el descubrimiento que acaba de vislumbrar pues han descubierto el cuerpo momificado de una persona.

Sin embargo cuando uno de los tipos que se encuentran intentando abrir el sepulcro se corta la mano, provoca que la sangre que gotea de su extremidad caiga sobre el rostro pútrido del cadáver haciendo que este vuelva a la vida al tiempo que el respetable y los protagonista queden atónitos ante tan escalofriantes sucesos. Lo que sigue después es presenciar como el vampiro se carga a todos los que osaron interrumpir su sueño eterno (eso si el director que documentó los eventos jamás dejo de grabar estos aun a costa de su vida, aunque fue el primero en caer, jajaja).

Lo que acabo de narrarles es el inicio de esta cinta a la cual su servidor solo puede calificar de jocosa, entretenida, algo pueril y por supuesto floja producción que firmará Lamberto Bava (Demons I, II de 1985 y 1986 respectivamente) adjetivos que su servidor acaba de nombrar y que considera que se convertirían en aspectos que serían una constante en la mayoria de las producciones de cine de terror y fantástico italiano, aunque debo precisar que dentro de tanta cutres logran sobresalir exponentes netamente macizos en cuanto al manejo de su discurso y propuesta plástica como es el caso de Mario Bava (padre de Lamberto), Lucio Fulci (rey del gore italiano) o Dario Argento (tal vez el autor más representativo del subgenero conocido como Giallo) directores que dejaron un sello muy personal en el imaginario cinéfilo no solo de Italia si no de la cinematografía mundial. Por cierto quiero aprovechar la oportunidad para recomendar el excelente artículo de mi amigo y maestro Juan Pablo Martínez Zúñiga, virtuoso analista de cine quien por su ácida y crítica visión sobre el séptimo arte logra incomodar a más de uno (jajaja), el artículo se llama “Un encuadre homicida o crímenes a la italiana” el cual disecciona de manera precisa el subgénero del Giallo.

Pero volviendo a la historia, tiempo después descubrimos que en una ciudad se realiza un casting donde cientos de jóvenes audicionan para conseguir un papel en el nuevo trabajo de un prestigioso director que hace cine de horror llamado Jurek (George Milton), de este casting son seleccionados solo cuatro jóvenes, Rita (Patricia Pellegrino), Isabel (la hermosa Isabel Russinova), Mónica (Yvonne Sció) y Gianni (Ricardo Rossi) los cuales son llevados a la mansión de este para iniciar la grabación, empero lo que no saben los jóvenes es que lejos de trabajar y volverse famosos se enfrentarán a un temible y misteriosos vampiro que solo quiere succionarles las entrañas, al cual solo podrán vencer cuando descubran el secreto que guarda un viejo film de terror el cual guarda la manera de vencer a este demoníaco ser.

Analizar una cinta como Cena con el vampiro es hasta cierto punto complicado para su servidor pues recuerda este film con cariño, ya que cuando lo visiono era solo un crió que guardó buenos recuerdos de este, sin embargo ahora con los años el que esto escribe al darle otra revisión encontró infinidad de defectos sobre todo a nivel argumental que hacen que el film no pase de ser una simple curiosidad de su tiempo (como muchos de los filmes que se hicieron en los años 80´s) al lapso que se notan las limitaciones económicas que causan que la cinta no tome otros niveles, es por esto que puedo decir que el filme de Lamberto Bava toma ciertos elementos del slasher norteamericano (el monstruo o amenaza que acecha a los chicos, aunque aqui no haya ningún destazado por cierto) y le impregna grandes dosis de comedia, claro sin llegar a ser un splatstick por la gran ausencia de gore.

Sin embargo el respetable puede darse cuenta que aunque la fórmula del subgénero a la que hago mención esta presente (slasher), su autor así como sucediera con otros realizadores italianos que toman prestados ciertos movimientos norteamericanos (como el spaghetti western por ejemplo) logran dotar a sus producciones de un barniz que les de un aire de originalidad, por lo que aquí los jóvenes protagonistas estarán despojados de esa idiosincrasia estúpida de sus contrapartes estadounidenses, incluso aunque estos puedan resultar algo arquetípicos en cuanto a su diseño psicológico y/o motivaciones (encontramos al chico bromista, la chica sexy, etc) estos nunca toman decisiones que los pongan en peligro.

Aunque este aspecto también puede verse como una limitante si tomamos en cuenta que lo que uno busca en un film de terror es encontrar el mayor número de muertes sangrientas (jajaja), pues bien al menos en este film de Lamberto el gore brillará por su ausencia (solo encontramos una arrancadita de corazón y párale de contar, jajaja), asi que los que esperen ver otra Demons quedarán un tanto decepcionados. Es por esto que solo nos quedará disfrutar de un humor bastante desenfadado y hasta cierto punto pueril, pues incluso la historia está despojada de suspense lo que nos deja finalmente una dinámica entre el Conde Jurek y los chicos a lo Scooby Doo, todo aderezado con un final bastante cutre cuando el respetable descubre la forma en que se puede eliminar al vampiro.

Por tal motivo el respetable nunca sentirá una verdadera sensación de terror o zozobra, sin embargo hay que decir que lo referente al apartado visual y artístico del film este sobresale gracias a una excelente ambientación y puesta en escena (la cual es bastante barroca por cierto) demostrando de nueva cuenta que el fuerte de los realizadores europeos es la imagineria visual, si no basta con ver el pequeño cortometraje filmado en blanco y negro (el cual supone ser el trabajo que filmó el director que encontró la tumba del no muerto antes de perecer) ya que este destila un claro homenaje al trabajo de F. W. Murnau y su Nosferatu (1922).

Ahora bien en los aspectos interpretativos debo decir que las actuaciones no son tan cutres como uno pudiera pensar por lo que estas estan a las alturas de las circunstancias, aunque debo acotar que la interpretación de George Milton como el chupasangre en turno es algo blandengue, eso si por lo menos la pantalla se engalana con las bellezas femeninas de Isabel Russinova y Yvonne Sció. Asi que estimado lector si usted quiere ver una cinta de terror que no sea de terror esta es su película, para el público más ávido de hemoglobina y emociones fuertes siento decepcionarlos pues a este filme fallido de Lamberto Bava le falto más desmadre, gore, más mala leche y un poco de senos expuestos (faltaba menos) para ser recordada como un verdadero clásico del cine de horror italiano, al cual más sin embargo su servidor guarda con cariño en el baúl de los recuerdos.

CINE DE CULTO: LADY TERMINATOR

2011-10-24T08:35:00.000-07:00

TÍTULO ORIGINAL: Pembalasan ratu pantai selatan
AÑO: 1989
DURACIÓN: 80 min.
PAÍS: Indonesia
DIRECTOR: H. Tjut Djalil
GUIÓN: Karr Kruinowz
MÚSICA Ricky Brothers
FOTOGRAFÍA: Chuchu Suteja
REPARTO: Barbara Anne Constable, Christopher J. Hart, Claudia Angelique Rademaker, Adam Stardust, Ikang Fawzi
PRODUCTORA: 108 Sound Studio / Soraya Intercine Film PT
GÉNERO: Acción.

Es bien sabido por un gran sector de cinefagos que algunos países del oriente de Europa y Asia nos han regalado innumerables joyitas cinematográficas que solo pueden ser calificadas como tercermundistas y cutres (México también tiene lo suyo, basta con recordar la pútrida Vacaciones de Terror de 1989 que dirigiera el todo terreno Rene Cardona III, la cual era protagonizada por el exacerbable Pedrito Fernández, jajaja) y ni hablar de los italianos los cuales también se pintan solos para esto. Pues bien estas cintas son dignas representantes de la serie Z más casposa por sus infames y excrementables valores artísticos (si se le puede decir, jajaja), al tiempo que estos productos no dudan en plagiar descaradamente argumentos y/o marcas con el único objeto de vender estos en su mercado natal; ejemplos de tan semejantes e hilarantes propuestas podemos encontrar, Capitan América y el Santo vs Spiderman (T. Friket Ucak, 1973), Superman Indio (K. Ravi Shankar, 1988) o Seytan (Metin Erksan, 1974) este último título plagio descarado a El Exorcista de William Friedkin.

Como sea, el punto al que su servidor quiere llegar es que estas producciones (o adefesios cinematográficos) se han vuelto objeto de culto para infinidad de espectadores que han tenido la fortuna (o desgracia como se quiera ver) de visionar estas, encontrando en ellas cierta fascinación ante tanta nimiedad, jajaja. Es por este motivo que el que esto escribe decidió ver Lady Terminator, cinta que inspira (jajaja) su argumento (¡adivinaron!) en el film de 1984 de James Cameron, solo que aquí se agrega un poco de misticismo local de Indonesia (jajaja, incluso los responsables del proyecto ponen en sus créditos iniciales que el film esta inspirado en una leyenda local sobre una mujer que emerge del mar para despirtar un poco el robo intelectual), aunque es imposible ocultarlo pues hasta la partitura que se usa en la cinta se asemeja mucho a la de Brad Fiedel.

La cinta comienza mostrándonos un castillo a las orillas del mar, instantes después otra escena nos sitúa dentro del fuerte y es en ese momento que conocemos a una mujer (un actriz india bastante horrible por cierto, jajaja), una especie de Diosa ávida de sexo la cual se nos muestra follando placenteramente con un sujeto al cual mata cuando este no logra satisfacerla sexualmente (de hecho solo vemos como al tipo le sale sangre de su zona erógena). Acto seguido ingresa otro sujeto, ahora un hombre rubio y bien parecido (este es un actor extranjero por supuesto) el cual reta a la dama haciéndole entender que el si la satisfará; total que el sujeto comienza a desnudarse y momentos después este se folla a la mujer, la cual por cierto tiene cara de satisfacción, a tal grado que parece que ahora si tendrá un orgasmo (jajaja, la escena es para descojonarse de la risa), sin embargo antes de que esta acabe el individuo saca de la vagina de esta una serpiente la cual aparentemente le da poder a la princesa (¡¿?!); para después quitársela y ver como esta serpiente se convierte en una daga, al tiempo que la damisela enojada le advierte al hombre que se vengara de este y que pagará su atrevimiento vengadoce de su nieta bajo una poderosa maldición (¡¿?!).

En esos momentos el respetable descubre que la dichosa princesa es una especie de Demonio cogelon que solo se dedica a asesinar a los hombres que no le satisfacen (al menos su servidor eso infiere pues el puto guión jamás se toma la delicadez de explicarlo, jajaja) motivo por el cual nuestro rubio y gallardo héroe se ha encargado de vencer, no me pregunten para qué pues de verdad no lo sé. Años después una joven mujer llamada Tania Wilson (Barbara Anne Constable) quien se ostenta como arqueóloga (lo descubrimos en un jocoso dialogo) llega a la Isla para investigar la leyenda de la mujer del mar, razón por la cual ingresa a una casona vieja (jajajaj, la cual se nos presenta como una biblioteca (jajaja) en busca de un antiguo libro en donde se encuentra la ubicación del lugar donde se haya los vestigios de la leyenda…….

Bueno para no hacer el cuento más largo (pues además este esta lleno de incongruencias y diálogos estúpidos) debo decir que el ente demoníaco se apropia de Tania (Constable) cuando una serpiente ingresa por su vagina (asi o más ingeniosos) convirtiéndola en Lady Terminator, una especie de maquina asesina (con chamarra de cuero negra incluida) que busca eliminar a Erica (Claudia Angelique Rademaker) una cantante de musica pop ¿?. Sin embargo esto no será tan sencillo ya que Erica encontrará ayuda en un valiente y apuesto detective llamado Adam Stardust (jajaja), el cual carga con un pasado oscuro y ahora teme volver a relacionarse con mujeres por que estas mueren cuando se enamoran de el (jajajaja), y a partir de este punto argumental se deja de lado la leyenda de la mujer del mar para plagiar descaradamente el argumento de la obra original de James Cameron, motivo por el cual el respetable tendrá que decidir por una parte abandonar el visionado por el estúpido y cutre espectáculo que acontece o en su defecto como su servidor, dejarse llevar ante tan inepto y sublime ejercicio de excrementes narrativa y plástica que nos regalan sus realizadores (jajaja), eso si su servidor hace una aclaración, jamás he dejado ninguna película a la mitad por muy mala que esta sea.

Por tal motivo los que decidan quedarse ante tan hilarante espectáculo reconocerán escenas calcadas al original Terminator (1984), aunque estas no tengan ni puta cabida en una trama sin pies ni cabezas, como la secuencia donde la protagonista se saca un ojo frente a un espejo como lo hiciera Schwarzenegger en la obra original (jajaja), incluso la escena donde el T-800 ingresa a la comisaría con un auto es plagiada aquí (solo falto que Constable escupiera de su boca la ya mítica frase I`ll be Back, jajaja); y el clímax final del autobús aquí es cambiada por un tanque y helicóptero con decenas de explosiones (se ve que aquí se gastaron el poco presupuesto con el que contaban para esta nauseabunda producción pues tanto la utilería, la puesta en escena y los actores dejan mucho que desear, jajaja). Eso si el que espere ver el esqueleto cromado que nos presentaba Cameron en su obra quedará decepcionado pues en Lady Terminator solo veremos a la protagónica con cara de zombie hecha a base de papel mache y engrudo (jajajaja) pues como comentaba ni el presupuesto ni la creatividad para recrear mínimamente un producto decente serán parte fundamental de esta obra que firma su director, H. Tjut Djalill.

Ahora bien en lo referente a los apartados técnicos, actorales, y de guión (si es que existen) puedo decir que brillan por su ausencia, los diálogos estan plagados de estupidez e incongruencia, los actores (si se les puede llamar asi) hacen que el presente se cague de la risa cuando estos no son capaces de proyectar ningún tipo de emoción, pues cuando muere algún compañero en alguna escena de acción estos mantienen la misma cara de palo que cuando se los follan por el culo o pasa una mosca (jajajaja), de verdad es para cargarse de la risa. Eso si por lo menos se agradece que Barbara Anne Constable enseñe un poco las tetas de manera gratuita y que se encuentren rasgos de violencia, la cual por momentos se percibe algo contenida (¡malditos indonesios! ni siquiera nos pudieron proveer de un poco de gore).

Bueno ya para no extenderme más diré que Lady Terminator es de esas cintas que se han vuelto de culto por merecimiento propio pues aunque sea 100 % cutre, es inevitable encontrar en ellas (como en todo tipo de cine) rasgos o tesituras propias de su naturaleza que sin lugar a dudas se convierten en aspectos tan fascinantes para su estudio a varios niveles, o tal vez el que esto escribe ya esta desvariando gracias al efecto que provocó el deceso de decenas de neuronas al presenciar dicho menjurje cinematográfico. Como sea estimado lector, si usted decide ver Lady Terminator solo tome en cuenta esto, es probable que ría como un enano, también fuera probableque quisiera ahorcar a alguien cercano a usted, lo que si es seguro es que esta cinta logra lo que solo podía hacer el personaje de Michael Ironside en Scanners (Connenberg, 1981), volarte los sesos, jajaja.

CINE DE CULTO: EL VAMPIRO SANGRIENTO

2011-10-17T11:28:00.000-07:00

TITULO ORIGINAL: El Vampiro Sangriento
AÑO: 1962
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: México
DIRECTOR: Miguel Morayta
GUIÓN: Miguel Morayta
MÚSICA: Luis Hernández Bretón
FOTOGRAFÍA: Raúl Martínez Solares
REPARTO: Carlos Agosti, Erna Martha Barman, Raúl Farell, Begoña Palacios, Bertha Moss, Francisco A. Córdova, Enrique Lucero, Antonio Raxel.
GÉNERO: Terror. Vampiros.

Hablar sobre el cine de horror o fantástico mexicano, es remontarse netamente a los inicios del cine de horror en Hollywood y uno de sus fastuosos estudios como lo fue en su momento la Universal, compañía que supo adaptar aquellos textos literarios de la época gótica como Frankenstein o Dracula a la pantalla plateada que aterrorizaron a varias generaciones, al tiempo que uno encontraba en estos entretenidos productos fascinantes parábolas sobre la condición humana (de ahí su atractivo al público y perduración ante el tiempo). Así mismo y como era de esperarse no paso mucho tiempo para que la creciente industria cinematográfica mexicana, saturada de charros y dramas bastante lacrimógenos (jajaja) adoptara esa corriente que se había gestado en Hollywood y por supuesto en Inglaterra con la mítica casa productora Hammer, motivo por lo cual el género de terror mexicano es tan peculiar pues mama de varios aspectos (culturales, sociales, etc) que aunque no son suyos propiamente si logra mexicanizarlos, por lo que se crean en ocasiones propuestas bastante hilarantes como las ya imprescindibles cintas del Santo el Enmascarado de Plata, pero también cintas bastante propositivas y con una visión muy particular, pero sobre todo honestas como esta El Vampiro Sangriento.

Es así que son varios los puntos favorables con los que cuenta esta cinta pues desde su arranque (bastante onírico por cierto), la historia atrapa ya que a partir de su primera secuencia en la que aparece el carruaje del Conde Frankenhausen (Carlos Agosti), el respetable puede presenciar el gran trabajo en cuanto a creación de atmósferas y composición de planos, los cuales nos remiten inmediatamente a una pesadilla; ya que el carruaje no emite ningún ruido (no se oye el cabalgar de los jamelgos) y por estar filmado en ralenti se da la impresión que el vehículo flota, genial de verdad a nivel técnico.

Por otro lado el argumento se percibe algo genérico en lo que respecta a las motivaciones de los personajes, sin embargo una plástica visual y sobre todo esa vuelta de tuerca final hacen que el visionado de este film valga la pena. La historia se centra en dos familias, Los Cagliostro, una casta de caballeros que ha dedicado varias generaciones a la investigación y erradicación de la enfermedad del vampirismo a través de la recolección de una extraña planta llamada La Mandrágora del ahorcado, la cual produce una sustancia llamada vampirina (jajaja no es broma asi se llama) brebaje que elimina los efectos del vampirismo y por ende la erradicación total de estos seres, por cierto la dichosa planta crece exactamente debajo de un árbol donde han ahoracado a alguién (de ahi su particular nombre).

Y los Frankenhausen enemigos mortales de los Cagliostro, los cuales viven de manera clandestina yendo de lugar en lugar para alimentarse. Sin embargo ambas familias se vuelven a encontrar cuando los Cagliostro siguen una pista hasta un pueblo de México (estamos en el siglo XII) donde se han reportado las extrañas desapariciones de jóvenes y hermosas mujeres, las cuales extrañamente trabajan en la Mansión del Conde Frankenhausen, claro todas estas damas han sido contratadas por Hidegarla (Bertha Moss), la siniestra ayudante del Conde.

El motivo de la contratación de las mujeres es para que cuiden de la frágil y enfermiza Condesa Frankenhausen (Erna Martha Bauman) la cual vive enclautrada y dopada dentro del castillo por órdenes del Conde, esto con el objetivo de que crea que los horrores que vive dentro del castillo son meras alucinaciones, creándole un estado de deterioro mental que casi la ha llevado a la locura.

Empero el sirviente de la Condesa descubre las verdaderas inteciones de Frankenhausen y decide pedirle ayuda a un viejo amigo suyo el cual es ayudante de la familia Cagliostro, este personaje es Gestas (Francisco Córdova), el fiel ayudante de un joven doctor llamado Pizarro (Raúl Farell) el cual decide ir a la mansión a revisar a la enferma mujer, pero al ingresar descubrirá ciertos aspectos que le denotarán que en ese lugar se oculta el siniestro Conde, enemigo eterno de su familia. Y es con este acontecimiento que se desencadena la lucha del bien y el mal en un juego donde el más inteligente prevalecerá.

Todo esto desarrollado de manera un tanto correcta (ya que la investigación en si no aporta aspectos notables y la identidad de Frankenhausen es algo obvia)en un juego del gato y el raton, en donde la historia girará alrededor del Doctor y su prometida (Ana Cagliostro), personajes que investigan cual detectives paranormales la verdadera identidad del Conde Frankenhausen con la finalidad de revelar sus verdaderas motivaciones y así poder destruirlo para acabar de una vez por todas con su legado de muerte antes de la próxima luna llena. Sin embargo cabe mencionar que los personajes aunque son bastante arquetípicos logran funcionar dentro de su entorno fantástico, al tiempo que es interesante descubrir como el tratamiento de la figura femenina rompe con los paradigmas de su tiempo, pues aqui el personaje de Ana Cagliostro se despoja de ser un simple cliché del género (mujer en peligro que debe ser rescatada por el héroe) y se muestra bastante dinámico por lo que este toma de decisiones dentro de la historia que han de afectar a la misma.

Asi mismo es importante mencionar que las actuaciones se perciben de normales a correctas, sobre todo la de Carlos Agosti que como el Conde Frankenhausen lográ aportarle cierta personalidad y maldad a su personaje, aunque su performance no deja de parecer algo genérico con respecto a otros interpretes de vampiros de la época. Empero esto no quiere decir que este mal, hay momentos en los que de verdad causa terror (sobre todo cuando muestra esos ojos demoniacos). De los personajes secundarios habría que decir que equilibran la cinta y no desentonana, por un lado Hidegarla que interpreta una hosca y fría Bertha Moss, logra imprimirle varios momentos de suspense e incertidumbre a la historia, mientras Gestas el fiel ayudante de los Cagliostro pone un poco de humor al asunto con sus torpes investicaiones y proceder, sin llegar a la parodia; eso si debo precisar que las actuaciones en general se perciben algo teatrales.

En general puedo decir que la cinta de Miguel Morayta funciona, pues cuenta con buen ritmo, un desarrollo de personajes decente, una ambientación y puesta en escena correcta, pero sobre todo una calidad plástica a nivel visual tan potente y la fotografía de Raúl Martínez Solares que hacen que todo el film destile un ambiente mal sano y lúgubre que dan la sensación de estar en una pesadilla. Empero como mencionaba al principio, tal vez la ejecución con lo que respecta al segmento de la investigación no sea el más apropiado, pues este de verdad es flojo y hace que la cinta pierda fuerza, motivo por el cual el espectador deberá ser complice para creer lo inverosímil del argumento y no sentirse defraudado, aunque se agradece el último acto cuando el Conde muestra su verdadera naturaleza, cerrando la historia con un final bastante atípico para la época, la cual daría una secuela.

Ya para finalizar debo comentar que El Vampiro Sangriento es un filme entretenido que descubre sus mayores virtudes en la honestidad (y un poco de inocencia) con la que toca el mito Drácula, además de que logra conseguir buenos momentos de terror gracias a los aspectos técnicos que mencionaba (olvidaba la inquietante banda sonora) y que se desarrollan sobre todo en su primera mitad, en donde incluso se encuentran pasajes con tintes gore (si se le puede decir). Asi que estimado lector si alguna vez tiene la curiosidad de ver El Vampiro Sangriento, debo advertirle que no se lo tome muy en serio (deje de lado prejuicios), ya que para disfrutar de la experiencia hay que ser un poco cómplice de la misma y ubicarla en su contexto histórico y le aseguro que no se decepcionaran; total no creo que el film de Martínez Solares le pida nada a las producciones de la Hammer (jajajaja).

DIARIO DE LOS MUERTOS de George A. Romero

2011-10-15T08:13:00.000-07:00

TÍTULO ORIGINAL: Diary of the Dead

AÑO:2007
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: George A. Romero

GUIÓN: George A. Romero

MÚSICA: Norman Orenstein

FOTOGRAFÍA: Adam Swica

REPARTO: George Buza, Joshua Cole, Joe Dinicol, Shawn Roberts, Tatiana Maslany

PRODUCTORA: Artfire
WEB OFICIAL: http://www.myspace.com/diaryofthedead
GÉNERO: Zombies. terror.

¿Valemos la pena como para ser salvados?......díganmelo ustedes.

-Debra (Michelle Morgan)

Es indudable la experiencia cinematográfica y sentido crítico sobre la sociedad contemporánea que sigue manteniendo el otrora director norteamericano oriundo de Pittsburg George Romero, quien a lo largo de cuatro décadas ha filtrado esta visión con su grandiosa serie de filmes donde esas criaturas despojadas de voluntad propia (ahora conocidas como zombies) y ávidas de carne humana funcionan como metáforas sociales, culturales y por supuesto políticas en momentos específicos de la historia humana, por ende estos trabajan como baldes de agua fría para aquellos espectadores astutos que no solo ven en la obra del ahora septuagenario director, gore y tripas (aunque se siempre se agradece este aspecto).

Es por esto que su servidor se atreve a comentar esto gracias a que hace poco revisó la reciente Diario de los Muertos (al menos en México y en formato dvd, pues si uno investiga descubrirá que la última cinta que Romero ha rodado es el film llamado La Resistencia de los Muertos de 2009) en donde se puede percibir a un Romero lúcido, honesto y sobre todo insicivo con la visión que lo ha caracterizado desde aquella inigualable e imprescindible La Noche de Los Muertos Vivientes (1968), solo que ahora el realizador analiza y disecciona sobre aspectos tan perturbadores como son el uso desmedido de las nuevas tecnologías como las cámaras digitales, los celulares, la internet, las redes sociales y por supuesto el poder que produce en los individuos grabar cualquier evento a través de estos para de algún modo documentar su cotidiano y a su vez legitimarlo.

La cinta no podía comenzar de mejor manera cuando un plano general se encarga de mostrarnos como un equipo de noticias cubre la nota de un homicidio y suicidio que cometió un sujeto contra su esposa y cuñada (todo filmado con cámara digital como toda la cinta), mientras un par de patrullas acordonan la zona y posteriormente una ambulancia ingresa al marginado barrio para tratar de revisar a algunas de las víctimas con la esperanza de encontrar con vida a alguno de los involucrados. Instantes después el camarógrafo que documenta los acontecimientos comienza a grabar a los paramédicos que salen del edificio con los cuerpos cubiertos en camillas, cuando inesperadamente estos comienzan a levantarse y atacar a los paramédicos ante la mirada atónita de los presentes; obviamente los policías comienzan a dispararle a estos sin ocasionarles ningún tipo de daño.

Acto seguido los que han sido atacados comienzan a convertirse en zombies y asi inicia esta pandemia la cual los reporteros que cubren la nota narran aterrorizados y desconcertados por lo que parece que el día del juicio final ha comenzado sin razón aparente. Mientras tanto en las afueras de la ciudad tiempo después de lo ocurrido, un grupo de jóvenes estudiantes de cine se encuentran grabando una película de terror (con homenaje a Boris Karloff incluido) mientras el director de la misma, un joven llamado Jason (Josh Close) nos cuenta que en realidad el no esta interesado en grabar cintas de ficción, que lo que realmente quiere hacer es documentales por que estos de verdad mostrarían la visión que tiene sobre el mundo, mas sin embargo accedio a grabar dicho trabajo para ganar recursos económicos.

Total que Jason junto con su equipo de filmación, en donde se encuentra su novia Debra (Michelle Morgan), se enteran por las noticias radiales de lo que esta aconteciendo en el país, la terrible noticia que anuncia que la gente muerta se levanta y ataca a la población que se encuentra en su camino; obviamente los chicos no creen esto ya que cuestionan la veracidad de los medios de comunicación, pues estos a últimas fechas cada vez se han vuelto más parciales y maniqueos, además que suelen maximizar las notas con el único objetivo de vender, empero a final de cuentas los chicos regresan a la Universidad solo para descubrir que lo que han escuchado es real cuando descubren que el campus donde estudian esta desierto y saqueado.

Por tal motivo los jóvenes estudiantes de cine deciden ir en busca de sus familiares haciendo un recorrido por carretera en un viejo camper mientras Jason documenta a través del lente de su cámara lo que probablemente sea lo más cercano al Apocalipsis, con el único objetivo de que esto quede como testimonio para futuras generaciones (si es que estas llegan a existir). Y básicamente este sería el argumento de esta maciza e inteligente cinta que firma con maestría George A. Romero, quien a través de este Apocalipsis zombie plantea infinidad de cuestionamientos sobre los brutales procesos de despersonalización que sufre el individuo moderno en plena era digital, donde estar conectado el mayor tiempo a la Internet, el facebook o a cualquier comunidad virtual es indispensable (por no decir cool, ¡uaghhh!) para que el sujeto conciba algún sentido a su vida, motivo por el cual uno se pregunta quién es más desafortunado, esos seres inertes ávidos de carne fresca o los sujetos como Jason que en el afán de capturar cualquier acontecimiento a través de una cámara pierden plena conciencia de lo que significa ser humano.

Es por esto que la disección del tema no se trata de manera pueril (no señores), ya que el maestro Romero sabe cómo ir desmenuzando este de forma tal que el individuo (espectador) ira percibiendo terror, incomodidad y por supuesto incertidumbre no tanto por la amenaza zombie (los cuales indiscutiblemente nos regalan grandes momentos de horror y gore), si no por el propio retrato de la condición humana que se ve retratada perfectamente en su personajes principales (los estudiantes) los cuales por cierto no buscan el agrado del respetable, sino que incluso algunos llegan a ser repulsivos gracias a sus desdeñables acciones, como por ejemplo el pasaje donde se muestra a los chicos siendo asaltados por un escuadrón de soldados los cuales han aprovechado su condición de poder para abusar de los más débiles. Debo hacer mención que incluso en este pasaje el director norteamericano se contiene un poco para no mostrar tan gráficamente las atrocidades que cometen estos, motivo por el cual en este tramo del film se apaga la cámara para que el espectador infiera lo que paso.

Así mismo encontraremos todo tipo de cuestionamientos bastante corrosivos que hacen referencia a argumentos morales, religiosos, etc. por lo que el espectador puede percibir que el autor de La Noche de los Muertos Vivientes sabe que botones apretar para que el espectador se sienta incomodo con el único objetivo de que genere conciencia en este discurso netamente ideológico que a final de cuentas se vuelve totalmente nihilista. Por tal motivo y en aras de que el discurso se sostenga, el diseño de personajes es de suma importancia, de ahí que encontraremos en estos símbolos que refuerzan el mismo, como por ejemplo el personaje del maestro de cine alcohólico que acompaña a los chicos interpretado por Scott Wentworth, es una especie de conciencia moral que nos recuerda que no importa el tiempo en el que la sociedad se desarrolla ya que la propia naturaleza del ser humano siempre ha sido destructiva, si no basta con recordar la guerra de Vietnam (en la cual participó el personaje de Wentworth) para constatar esto.

Ahora bien en lo referente al ritmo y la narración de la historia hay que decir que el film nunca decae y este funciona lo más parecido a un electrocardiograma, donde los constantes cambios de intención y emoción mantienen al espectador pegado a su asiento esperando el próximo susto (los cuales de verdad son efectivos). Por otra parte el diseño de los zombies esta correcto gracias a la implementación de efectivos maquillajes y la utilización de prótesis de látex (como en los viejos tiempos), con la inserción de pequeños efectos hechos por computadora para determinadas escenas.

En lo concerniente a los aspectos técnicos debo decir que Romero resuelve con maestría (de nuevo) las limitaciones presupuestales que ha tenido la mayor parte de su carrera como realizador, y logra sacarle todo el jugo posible al cada vez más socorrido recurso de la cámara en mano, ya que este aspecto se resuelve de manera correcta para que este no se vuelva cansino e inverosímil, incluso existen trucos narrativos dentro del guion que le brindan flexibilidad y credulidad a lo que se está contando, no como otras producciones que adolecen de esto como la pueril Actividad Paranormal (Oren Peli, 2007) en donde incluso su protagonista contaba con la cámara encendida hasta para orinar.

Así que estimado lector si usted desea ver una cinta de terror que de verdad lo asuste no puede perderse esta Diario de los Muertos, la cual además se descubre como un film necesario e indispensable (como toda la saga que Romero ha dedicado a los zombies) en estos tiempos tan vacuos tanto de cine en general como de ideologías.

CINE DE CULTO: DYLAN DOG Y LAS CRIATURAS NOCTURNAS

2011-10-07T17:22:00.000-07:00

TÍTULO ORIGINAL: Dylan Dog
AÑO: 2010
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Kevin Munroe
GUIÓN: Thomas Dean Donelly, Joshua Oppenheimer (Comic: Tiziano Sclavi)
MÚSICA: Klaus Badelf
FOTOGRAFÍA: Geoffrey Hall
REPARTO: Brandon Routh, Sam Huntington, Anita Briem, Peter Stormare, Taye Diggs, Kurt Angle
PRODUCTORA: Hyde Park Films
GÉNERO: Fantástico, Vampiros.

Se que últimamente el blog ha tenido un bajón en cuanto a la cantidad de entradas (espero que la preferencia del respetable no se vea mermada por este aspecto) y esto se ha debido ha que últimamente mis ocupaciones laborales no me han permitido invertir el tiempo que quisiera a este espacio (el cual creadme no es un pasatiempo si no una responsabilidad y por supuesto un deleite. ¡Maldita necesidad de comer tres veces al día! jajaja), sin embargo el que esto escribe prefiere darle calidad que cantidad al sitio, esto en aras de que el mismo siga manteniendo los atributos que lo han caracterizado hasta el día de hoy y no solo se vuelva un espacio atiborrado de opiniones huecas sobre tal o cual cinta, movimiento o género. Habiendo dicho esto sigamos con la cinta en cuestión.

Dylan Dog es una película de bajo presupuesto basada en la novela gráfica homónima italiana de Tiziano Sclavi la cual esta enfocada al movimiento del Fumetto Nero (historietas para adultos), la cual nunca he tenido oportunidad de leer (por desgracia) y cuenta la historia de un detective privado que indaga casos sobrenaturales donde intervienen todo tipo de criaturas, desde vampiros, hombre lobo, zombies y demás entes paranormales; como podrán leer la premisa resulta por lo menos estimulante y atractiva, además de que lo poco que he investigado en Internet sobre este comic se descubre con un arte gráfico lúgubre y mal sano. Ahora bien creo que sería injusto de mi parte hacer el análisis de la cinta en base a la obra original ya que no tengo conocimiento pleno de la misma, lo que si puedo decir es que el film que firma el director Kevin Munroe (TMNT, 2007) se queda a medio gas y no llega a explotar las diversas aristas que daba el material.

La cinta comienza cuando una joven (Anita Brien) en plena noche prepara su cena y se dispone a degustar esta con su padre (al cual llama a la mesa insistentemente sin respuesta favorable), instantes después una gran mancha roja en el techo de la cocina le indica que algo malo ha acontecido motivo por lo cual Elizabeth (Brien) corre a la habitación de su progenitor solo para descubrir qua ha sido asesinado por una gran bestia (la cual escapa por la ventana). Al día siguiente conocemos a nuestro protagonista, un detective privado llamado Dylan Dog (un hosco Brandon Routh) que tiene su base de operaciones en la mística ciudad de Nueva Orleáns, el cual se dedica a resolver casos de infidelidades entre parejas (primer cliché, jajaja), razón por la cual nuestro protagonista vive al día con malos pagos y una que otra amenaza de muerte de algún esposo enojado.

Sin embargo Dylan no esta solo pues tiene como ayudante al simpático Marcus (Sam Huntington), el cual no es exactamente un ayudante si no un mandadero ya que este se encarga de comprarle la comida a nuestro rudo detective, tomar y revelar fotos y demás encargos lo que de algún modo tiene un tanto molesto a Marcus, ya que este desea que Dylan lo tome en serio. Empero Dylan tiene una regla, nunca trabaja con compañeros, total que Marcus le lleva un nuevo caso a su jefe (como podrá adivinar el respetable es el asesinato del padre de Elizabeth), el cual rechaza en primera instancia ya que nuestro protagonista descubre que el crimen contiene tintes sobrenaturales; y es en ese momento donde el espectador descubre el verdadero pasado de Dog (Routh) el cual se remonta a una guerra secreta que siempre ha existido entre vampiros y hombres lobo.

Guerra en la cual Dylan Dog jugó un papel importante ya que este fue elegido por ambos bandos para imponer cierta ley, es por esto que nuestro protagonista era una especie de policia sobrenatural que ponía en su lugar a cualquier monstruo que violara los acuerdos de convivencia entre estos y los humanos (ósea que era el encargado de mandar a cualquiera de estos al mismísimo infierno, ¡hay guey!), sin embargo Dylan renunció a esta responsabilidad cuando su prometida murió (ya ven otro cliché del género, nuestro protagónico tiene un pasado tormentoso y doloroso) en un enfrentamiento contra un clan de vampiros.

Total que nuestro antihéroe después de desechar el caso, lo retoma cuando su mejor amigo Marcus es asesinado (aparentemente, pues después se convertirá en zombie) al parecer por otra criatura, lo que hace que Dylan retome la investigación aun sabiendo que esto lo llevara a enfrentar de nueva cuenta los peligros que le deparan los habitantes nocturnos como vampiros, zombies y hombres lobo. Ahora Dylan Dog junto a su compañero zombie Marcus, investigaran el verdadero origen de los asesinatos que se suscitan en la sombría ciudad de Nueva Orleáns solo para a su vez descubrir que estos no son más que la punta del iceberg en lo que parece un maquinación para que las fuerzas del mal tomen de una vez por todas a la humanidad.

Como podrá leer el respetable el argumento del film de verdad se antoja atractivo sobre todo por que este combina y refresca elementos para mantener actualizada la mitología de los personajes que se abordan (incluso aunque la premisa de la guerra eterna entre vampiros y hombres lobo no sea algo nuevo), es por esto que resulta interesante el planteamiento que se da entre el protagonista y los personajes secundarios como vampiros, hombres lobo y por supuesto los zombies, seres que pretenden funcionar como alegorías ideológicas por lo que no es casualidad que estos estén representados como los entes más bajos en la estructura sociopolítica que plantea el film.

Sin embargo con todo y que la premisa se descubre interesante, la ejecución del director Kevin Munroe no es del todo satisfactoria sobre todo en el manejo del suspense y la estructuración de las investigaciones que realiza nuestro protagonista (la cual se torna un tanto chata gracias a un guión deficiente), ya que pasados veinte minutos el espectador más avispado descubrirá a ese personaje que esta detrás del maquiavélico plan, razón para que la sorpresa se pierda, por lo cual solo queda esperar que la narración se de de forma apremiante, pero comentaba esta es algo torpe.

Pero no se desanimen pues no todo es tan malo ya que el film guarda algunos destellos de genialidad como un humor mal sano y algunos pasajes bastante inspiradores, como el hecho de descubrir que algunos zombies trabajan comisionados en la morgue (jajaja) encargándose de los nuevos muertos que llegan a los cuales despojan de algunas partes de sus cuerpos (como brazos, piernas, etc) con el objeto de venderlas como repuestos para otros zombies en el mercado negro (jajaja).

Incluso ese aire de film noir y estética pulp que los realizadores intentan dotar al film se agradece, por ejemplo el enfrentamiento que Dylan Dog (Routh) sostiene contra un licántropo dentro de una fabrica de carne (jajaja, que buen detalle el clan de hombres lobo sean dueños de este negocio) se percibe emocionante e inspirado en su montaje; pero por cada buena idea que se presenta (la droga a base de sangre de vampiro que se vende en los antros era buena idea pero solo se menciona por encima) se diluye cuando encontramos un sin fin de lugares comunes y clichés del género (no falta la escena en el cementerio), como que los vampiros estan representados como poderosos empresarios que buscan ser el epítome de la cadena evolutiva y los licántropos como seres inferiores (estos trabajan en fábricas). Al menos si el espectador viera este aspecto como una alegoría social a lo que esta pasando actualmente en Estados Unidos y en gran parte del mundo en el aspecto económico podría funcionar, más sin embargo dudo que los realizadores tuvieran la intención de crear un discurso en relación a esto.

Ahora bien en lo referente a las actuaciones debo decir que Brandon Routh me cae bien, inclusive disfruté los pequeños papeles que interpretó en ¿Hacemos una Porno? (Kevin Smith, 2008) como el novio gay de Justin Long o uno de los novios villanos en la original y divertida Socott Pilgrim contra el Mundo (Edgar Wright, 2010), asi bien y aunque muchos lo criticaron su servidor es de los que piensa que su papel como Superman en la cinta de Bryan Singer era de los aspectos más sólidos de aquel film, empero en esta cinta el joven actor no logra dar con el tono del estoico y rudo detective ya que uno no termina de creer que Routh sea un hijo de puta trastornado por su oscuro pasado y desgraciadamente se le percibe algo perdido, más sin embargo no se si esto se deba a la propia incapacidad del actor por dotar de matices al personaje o por que el director no ha sabido como manejar al histrión. Como sea el protagónico se percibe algo blando.

Extrañamente lo que si logra funcionar es la química que se percibe entre Routh y Sam Huntington (Jimmy Olsen en Superman Returns, 2006) el cual trabaja a la perfección como el sidekick en turno pues este hace contrastar la actitud rígida y la cara de palo que casi siempre tiene Routh en todo el metraje, gracias al exagerado y por momentos irritable performance que compone como su compañero zombie. De los demás actores puedo decir que entregan actuaciones bastante genéricas por lo que no desentonan con el tono de la cinta.

Por otra parte hay que decir que visualmente el film es normalito, sus locaciones son algo repetitivas y le falta algo de atmósfera para percibirse más lúgubre, asi mismo creo que a la cinta le faltó algo de gore para ser más interesante y los diseños de las criaturas pudieron estar un poco mejor pero supongo que falto presupuesto. Finalmente solo me queda decir que Dylan Dog es una cinta medianamente pasable y entretenida gracias a su desenfadado y por momentos torcido humor, la cual con todo y sus defectos logra descubrirse como un producto más honesto y solvente que títulos como Priest, el sicario de Dios (Scott Stweart, 2011) la cual trata el tema del vampirismo de manera bastante pueril y cutre, desperdiciando miles de dólares en una historia vacua y sin sentido, con efectos especiales pésimos. Asi que estimado lector creo que puedo darle una leve recomendación a Dylan Dog por su original premisa y el esfuerzo de sus creadores por entregar un producto entretenido y respetuoso con la mitología de sus protagonistas, aunque el resultado no haya sido el más satisfactorio.

CIENCIA FICCIÓN: EL PLANETA DE LOS SIMIOS (RE) EVOLUCIÓN

2011-10-01T08:59:00.000-07:00

TÍTULO ORIGINAL: Rise of the Planet of the Apes
AÑO: 2011
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Rupert Wyatt
GUIÓN: Rick Jaffa, Amanda Silver (Novela: Pierre Boulle)
MÚSICA: Patrick Doyle
FOTOGRAFÍA: Andrew Lesnie
REPARTO: James Franco, Andy Serkis, Freida Pinto, Brian Cox, John Lithgow, Tom Felton, David Oyelowo, Tyler Labine, Jamie Harris, David Hewlett
PRODUCTORA: 20th Century Fox / Chernin Entertainment
GÉNERO: Ciencia Ficción.

Vagos son los recuerdos que su servidor guarda de aquella vieja saga de ciencia ficción que comenzara con aquel estimulante filme llamado El Planeta de los Simios (Franklin Schaffner, 1968), historia que mostraba a una civilización humana postrada ante el yugo opresor de una raza de primates superdesarrollazos con inteligencia prócer a la de los humanos, más sin embargo con todo y que las evocaciones son algo lejanas el que esto escribe si recuerda haber encontrado en aquel relato una poderosa metáfora bastante pesimista sobre la condición humana, la cual en estos tiempos de penumbra ideológica se percibe suficientemente actual.

Ahora 43 años después llega esta precuela realizada por el director Rupert Wyatt para demostrar que cuando se cuidan aspectos tan elementales como un guión solvente, buenas actuaciones y una cuidada dirección, el resultado sin lugar a dudas es una cinta portentosa, emocionante, entretenida y por supuesto crítica en su discurso. La historia se centra en un joven científico llamado Will Rodman (James Franco) el cual ha trabajado durante años en investigaciones que le den la cura para el mal del Alzheimer, (su padre sufre de dicha enfermedad) afortunadamente estas indagaciones rinden frutos y es asi como Will crea una sustancia que regenera las células dañadas del cerebro, lo que aparentemente representaría la tan anhelada cura.

Sin embargo y como esta cura es experimental Will (Franco) debe hacer más pruebas en los simios con los que cuenta en su laboratorio antes de usar el medicamento en personas, por tal motivo aplica la medicina a una simio hembra bautizada como ojos verdes la cual ha demostrado una inteligencia increíble en comparación con los otros monos cuando se expone a la sustancia, motivo por el cual ha sido elegida para una demostración ante la junta directiva de la empresa farmacéutica para la aprobación de dicho proyecto, empero y cuando nuestro protagonista esta listo para la demostración, un acontecimiento pone agresivo al animal provocando que el proyecto sea cancelado al tiempo que se ordena el exterminio de todos los monos.

Empero otro descubrimiento pondrá a prueba la humanidad de Will cuando se revele que “ojos verdes” dio a luz a un pequeño mono al cual decide llevar a casa para cuidarlo por una noche mientras decide que hacer con el (pues no tiene la sangre fría para “dormirlo” como sucedió como los otros primates del laboratorio), pero esa simple noche se convierte en años de cuidados y convivencia lo que crea un vinculo emocional entre César (como se le ha bautizado al simio) Will y su padre, quien a su vez descubre maravillado que la madre del mono le heredado genéticamente toda la inteligencia, razón por la cual el primate comienza a generar conciencia propia sobre la condición humana (las diversas escenas que muestran al animal observar por la ventana el comportamiento de los vecinos son muestra fehaciente de esto).

Tiempo después el padre (John Lithgow) de Will comienza a empeorar gracias al mal de Alzheimer que padece desde hace varios años por lo cual su hijo ya desesperado decide aplicarle la vacuna que solo había usado en monos, solo para descubrir que esta realmente funciona en humanos cuando las capacidades físicas e intelectivas de su progenitor mejoran considerablemente. Total que cuando todo parecía estan bien en la vida Will, su padre y César, un desagradable suceso hará que encierren al primate en un albergue para chimpancés cuando es acusado de haber atacado a un hombre, y a partir de ese momento las cosas cambiarán para la humanidad (para mal claro) cuando César con su gran inteligencia y capacidad de disección comience a reclutar y organizar a cientos de antropoides para rebelarse ante las crueles practicas que el hombre comete contra los animales (las escenas del albergue muestran de manera cruda y sin concesiones esa fascinación que algunos hombres aun experimentan al dañar a los animales).

Y básicamente esta sería la premisa de un guión que construyen de manera eficaz los guionistas Rick Jaffa y Amanda Silver los cuales se preocupan por dotar este de inteligencia y verosimilidad, motivo por el cual el lenguaje cinematográfico que realiza el director Rupert Wyatt se percibe vigoroso, y es que si lo analizamos la mayor virtud del guión es sin lugar a dudas el planteamiento tanto de situaciones como del certero diseño de personajes pues conforme avanza la trama el espectador nunca siente que se le esta intentando tomar el pelo; aun y cuando el relato plantea situaciones fantásticas (como la super inteligencia de los primates y su evidente revolución ideológica la cual parece mamar sus preceptos de las teorías más Darwinianas).

Incluso las motivaciones del personaje de César son tales que el respetable logrará empatizar con este e implícitamente apoyará sus acciones, y todo esto por que el discurso ideológico del film esta despojado de maniqueísmos baratos y pretensiones manidas (cosa contraria a lo ocurrido en la Avatar de James Cameron) por lo cual este conecta directamente con el espectador. Por otra parte los efectos especiales creados por ordenador estan correctísimos (los simios se perciben creíbles tanto en su anatomía y sobre todo en las facciones de sus rostros los cuales expresan humanidad ¿Qué irónico no?) con las que cuentan funcionan en servicio de la historia y no al contrario, empero esto no quiere decir que el film de Wyatt carezca de espectáculo (el clímax final que se desarrolla en el Golden Gate de San Francisco es muestra clara de esto), más sin embargo este esta rodado con sobriedad por lo que el espectáculo nunca se percibe sobrado.

Es asi que incluso me atrevería a decir que los momentos más poderosos y emotivos de la cinta son aquellos en donde se explora la humanidad de los primates y su correlación con el habitad y el propio hombre, motivo por lo cual esta revolución (o evolución) que se plantea sirve como una parábola a los aspectos más lúgubres que afectan a una sociedad cada vez más globalizada e industrializada tecnológicamente, lo cual convierte a estos (los humanos) en sujetos cada vez más desconectados con su entorno y por ende más crueles en su comportamiento con otros seres vivos.

Ahora bien en los aspectos visuales puedo comentar que el film esta correcto, cuenta con buena fotografía, buenos encuadres, buenos efectos, etc. y por último decir que las actuaciones funcionan perfectas para redondear esta sobria y correctísima cinta, por ejemplo James Franco logra contener a su personaje haciéndolo creíble, lo que demuestra una maduración en la carrera del joven actor, también encontramos a Frida Pinto (como el interés amoroso del protagonista), David Oyelowo como el ambicioso y siniestro jefe corporativo y los veteranos actores Brian Cox y John Lithgow, todos estos con menor o mayor presencia pero sin lugar a dudas con performances muy cuidados.

Asi que puedo recomendar sin más disertaciones esta nueva entrega de la saga (la cual probablemente continué gracias a ese pesimista final que queda abierto) pues como comentaba, es respetuosa en su propia mitología al tiempo que aporta nuevas ideas para refrescar y mantener actual la misma; asi mismo se descubre como una propuesta seria, honesta y sólida en lo que se refiere a lenguaje cinematográfico. Creadme cuando les digo que si un mono que esta hecho por ordenador y es capaz de transmitir tantas emociones y conectar con el respetable, es por que se hicieron bien las cosas.